dejen un comment con sus respuesta peroe so si el nombe nose vale cosas como las gemelas de lucky estar cada uno tiene su nombre propio.
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Jueguemos un rato
Hola gente este lindo dragon encontro una imagen para jugar en el sitio de dannychoo. el juego consiste en identificar todos los personajes que hay en la imagen si lo logran demostrara ser verdaderos otakus aver quien puede ganarme.
dejen un comment con sus respuesta peroe so si el nombe nose vale cosas como las gemelas de lucky estar cada uno tiene su nombre propio.
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dejen un comment con sus respuesta peroe so si el nombe nose vale cosas como las gemelas de lucky estar cada uno tiene su nombre propio.
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Estan listo para vencer a britania de una vez por todas Aqui les dejo este trailer para que se emocionen mas y no coman ansias ya casi viene
fuente:dannychoo.com
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Code geass Trailer segunda temporada
Estan listo para vencer a britania de una vez por todas Aqui les dejo este trailer para que se emocionen mas y no coman ansias ya casi viene
fuente:dannychoo.com
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galleta "Mamador"
Navegando por internet encontre un producto japones muy curioso aqui les dejo unas imagen aver que opinan
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Acerca del Festival
La primer Muestra de Realizadores Jóvenes, La 240 se presentó al público en el 2004 como un proyecto joven, fresco y atrevido.
Tres ediciones después, gracias a unas ciento ochenta obras inscritas y al aplauso de unos 5 mil asistentes, emprende el reto de ser puente en la región y es ahora el Primer Festival Centroamericano de Vídeo Joven y La 240 Express.
El Festival Centroamericano tiene cita en San José, Costa Rica del 10 al 16 de febrero 2008 en un cine al aire libre montado en el Anfiteatro del Centro Nacional de la Cultura (CENAC) del Ministerio de Cultura, y Juventud. Paralelo a las proyecciones se impartirán talleres en el Centro Cultural de España y la Universidad de Costa Rica y se realizarán una serie de conciertos en el cine-bar El Observatorio.
Por su parte, La 240 Express fue realizada por primera vez entre setiembre y octubre del 2007 y llevó a todos los países centroamericanos un espectáculo con las mejores obras presentadas en las ediciones anteriores de la muestra. Para el 2009 mostrará las mejores obras de La 240 en Belice, Honduras, El Salvador, Guatemala, Nicaragua y Panamá, replicando la experiencia que se desarrollará en Costa Rica durante el Festival en el 2008.
LA PROYECCION
Va ser en una sala de cine creada especialmente para el Festival, en el Anfiteatro del Centro Nacional de la Cultura. Las películas enviadas a concurso son proyectadas en tandas nocturnas a partir de las 7:00 p.m. desde el 10 hasta el 16 de febrero de 2008.
ANTESALA
Antes del Festival se llevará a cabo La OLLA DE PRESION, un taller en el que jovenes centroamericanos, representando a cada país, producirán un corometraje en 8 días, con ese corto se inaugura el Festival. Va a estar muy tuanis, xq no se conocen, vienen de culturas diferentes y grabar un corto no es nada sencillos. Cada uno tiene un puesto, y se seleccionaron previamente con base en el currículum que enviaron y sus obras.Las actividades estan prontas a realizarse, llegaron muy buenas obras, de las cuales se seleccionaron 68, 42 de Costa Rica.
Para más información referirse a la siguiente página: http://www.la240.com/
Kiba
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Se acerca la 240
Acerca del Festival
La primer Muestra de Realizadores Jóvenes, La 240 se presentó al público en el 2004 como un proyecto joven, fresco y atrevido.
Tres ediciones después, gracias a unas ciento ochenta obras inscritas y al aplauso de unos 5 mil asistentes, emprende el reto de ser puente en la región y es ahora el Primer Festival Centroamericano de Vídeo Joven y La 240 Express.
El Festival Centroamericano tiene cita en San José, Costa Rica del 10 al 16 de febrero 2008 en un cine al aire libre montado en el Anfiteatro del Centro Nacional de la Cultura (CENAC) del Ministerio de Cultura, y Juventud. Paralelo a las proyecciones se impartirán talleres en el Centro Cultural de España y la Universidad de Costa Rica y se realizarán una serie de conciertos en el cine-bar El Observatorio.
Por su parte, La 240 Express fue realizada por primera vez entre setiembre y octubre del 2007 y llevó a todos los países centroamericanos un espectáculo con las mejores obras presentadas en las ediciones anteriores de la muestra. Para el 2009 mostrará las mejores obras de La 240 en Belice, Honduras, El Salvador, Guatemala, Nicaragua y Panamá, replicando la experiencia que se desarrollará en Costa Rica durante el Festival en el 2008.
LA PROYECCION
Va ser en una sala de cine creada especialmente para el Festival, en el Anfiteatro del Centro Nacional de la Cultura. Las películas enviadas a concurso son proyectadas en tandas nocturnas a partir de las 7:00 p.m. desde el 10 hasta el 16 de febrero de 2008.
ANTESALA
Antes del Festival se llevará a cabo La OLLA DE PRESION, un taller en el que jovenes centroamericanos, representando a cada país, producirán un corometraje en 8 días, con ese corto se inaugura el Festival. Va a estar muy tuanis, xq no se conocen, vienen de culturas diferentes y grabar un corto no es nada sencillos. Cada uno tiene un puesto, y se seleccionaron previamente con base en el currículum que enviaron y sus obras.Las actividades estan prontas a realizarse, llegaron muy buenas obras, de las cuales se seleccionaron 68, 42 de Costa Rica.
Para más información referirse a la siguiente página: http://www.la240.com/
Kiba
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Animetal (アニメタル, Animetaru) es una banda japonesa que reproduce canciones (hace versiones o covers) de canciones de anime al estilo metal. Su primer trabajo lo publicaron en 1987 y se tituló "Animetal Marathon I", un álbum sin cortes entre una canción y otra, un detalle que han conservado en casi todos sus discos. Hasta este año (2007) han publicado un total de 7 discos con el nombre Marathon cambiando el numero del final (I,II,III,IV) y otro que le añadieron la palabra lady ya que, en muchos de los dibujos animados, la musica la canta una mujer. La cantante femenina se llama Mie. Tienen un total de 11 discos como Animetal, 4 como Animetal Lady y 4 DVD's
Alineación:
Masaki : Bass (Bajo) Mie : Animetal Lady Vocal (Vocales) Sakamoto Eizo : Vocal (Vocales) Sheja : Guitar (Guitarra)
Discografia
Albums
* Animetal Marathon (アニメタル・マラソン, Animetaru Marason?)
* Animetal Marathon II: Tokusatsu Collection (アニメタル・マラソンⅡ ～特撮編～, Animetaru Marason Tsū ~Tokusatsu Hen~?)
* This is Japanimetal Marathon (Asia-only release)
* Best of Animetal (アニメタルのベスト, Animetaru no Besuto?)
* Animetal Marathon III: Tsuburaya Productions Collection (アニメタル・マラソンⅢ ～円谷プロ編～, Animetaru Marason Surī ~Tsuburaya Puro Hen~?)
* Complete First Live
* Complete Last Live
* Animetal Marathon IV (アニメタル・マラソンⅣ, Animetaru Marason Fō?)
* Animetal Marathon V (アニメタル・マラソンⅤ, Animetaru Marason Faibu?)
* Animetal Marathon VI (アニメタル・マラソンⅥ, Animetaru Marason Shikkusu?)
* Animetal Marathon VII: Fight! Metal Hero (アニメタル・マラソンⅦ ～戦え!メタル・ヒーロー～, Animetaru Marason Sebun ~Tatakae! Metaru Hīrō?)
* Decade of Bravehearts
Singles
* Animetal (アニメタル, Animetaru?)
* This Is ANIMETAL
* Let's Go With Tokusatsu! (特撮でいこう！, Tokusatsu de Ikō!?)
* Animetal Summer (アニメタル・サマー, Animetaru Samā?)
* Sentimetal (センチメタル, Senchimetaru?)
* Meeting the Old Enemy (宿敵見参！, Shukuteki Kenzan!?) from the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* The Ten Swords (The 十本刀, The Jūppon Gatana?) from the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* Eternal Future (永遠の未来, Towa no Mirai?) ending theme for the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* Proof of Courage (勇気の証, Yūki no Akashi?)
* THE ANIMETAL ～RE-BIRTH HEROES～
* For The Bravehearts Only!
Animetal Lady
* Animetal Lady has Arrived! (アニメタル・レディー参上！, Animetaru Redī Sanjō!?)
* Animetal Lady has been Found! (アニメタル・レディー見参！, Animetaru Redī Kenzan!?)
* Animetal Lady Marathon (アニメタル・レディー・マラソン, Animetaru Redī Marason?)
* Animetal Lady Marathon II (アニメタル・レディー・マラソンⅡ, Animetaru Redī Marason Tsū?)
Videos
Animetal Eizo Sakamoto Zankoku na Tenshi no Teeze Evangelion
Pegasus Fantasy - Animetal Live
Animetal - Mazinger Z
Animetal ~ Gatchaman (live)
Dragon Ball Opening (Animetal)
ANIMETAL LADY- Cutie Honey (live)
ANIMETAL - TOUCH (Live)
Pretty Guardian Sailor Moon - Animetal Theme
Descargar discografia
Fuente: youtube y wikipedia
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Animetal (アニメタル, Animetaru)
Animetal (アニメタル, Animetaru) es una banda japonesa que reproduce canciones (hace versiones o covers) de canciones de anime al estilo metal. Su primer trabajo lo publicaron en 1987 y se tituló "Animetal Marathon I", un álbum sin cortes entre una canción y otra, un detalle que han conservado en casi todos sus discos. Hasta este año (2007) han publicado un total de 7 discos con el nombre Marathon cambiando el numero del final (I,II,III,IV) y otro que le añadieron la palabra lady ya que, en muchos de los dibujos animados, la musica la canta una mujer. La cantante femenina se llama Mie. Tienen un total de 11 discos como Animetal, 4 como Animetal Lady y 4 DVD's
Alineación:
Masaki : Bass (Bajo) Mie : Animetal Lady Vocal (Vocales) Sakamoto Eizo : Vocal (Vocales) Sheja : Guitar (Guitarra)
Discografia
Albums
* Animetal Marathon (アニメタル・マラソン, Animetaru Marason?)
* Animetal Marathon II: Tokusatsu Collection (アニメタル・マラソンⅡ ～特撮編～, Animetaru Marason Tsū ~Tokusatsu Hen~?)
* This is Japanimetal Marathon (Asia-only release)
* Best of Animetal (アニメタルのベスト, Animetaru no Besuto?)
* Animetal Marathon III: Tsuburaya Productions Collection (アニメタル・マラソンⅢ ～円谷プロ編～, Animetaru Marason Surī ~Tsuburaya Puro Hen~?)
* Complete First Live
* Complete Last Live
* Animetal Marathon IV (アニメタル・マラソンⅣ, Animetaru Marason Fō?)
* Animetal Marathon V (アニメタル・マラソンⅤ, Animetaru Marason Faibu?)
* Animetal Marathon VI (アニメタル・マラソンⅥ, Animetaru Marason Shikkusu?)
* Animetal Marathon VII: Fight! Metal Hero (アニメタル・マラソンⅦ ～戦え!メタル・ヒーロー～, Animetaru Marason Sebun ~Tatakae! Metaru Hīrō?)
* Decade of Bravehearts
Singles
* Animetal (アニメタル, Animetaru?)
* This Is ANIMETAL
* Let's Go With Tokusatsu! (特撮でいこう！, Tokusatsu de Ikō!?)
* Animetal Summer (アニメタル・サマー, Animetaru Samā?)
* Sentimetal (センチメタル, Senchimetaru?)
* Meeting the Old Enemy (宿敵見参！, Shukuteki Kenzan!?) from the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* The Ten Swords (The 十本刀, The Jūppon Gatana?) from the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* Eternal Future (永遠の未来, Towa no Mirai?) ending theme for the Rurouni Kenshin: Requiem for the Ishin Shishi Motion Picture
* Proof of Courage (勇気の証, Yūki no Akashi?)
* THE ANIMETAL ～RE-BIRTH HEROES～
* For The Bravehearts Only!
Animetal Lady
* Animetal Lady has Arrived! (アニメタル・レディー参上！, Animetaru Redī Sanjō!?)
* Animetal Lady has been Found! (アニメタル・レディー見参！, Animetaru Redī Kenzan!?)
* Animetal Lady Marathon (アニメタル・レディー・マラソン, Animetaru Redī Marason?)
* Animetal Lady Marathon II (アニメタル・レディー・マラソンⅡ, Animetaru Redī Marason Tsū?)
Videos
Animetal Eizo Sakamoto Zankoku na Tenshi no Teeze Evangelion
Pegasus Fantasy - Animetal Live
Animetal - Mazinger Z
Animetal ~ Gatchaman (live)
Dragon Ball Opening (Animetal)
ANIMETAL LADY- Cutie Honey (live)
ANIMETAL - TOUCH (Live)
Pretty Guardian Sailor Moon - Animetal Theme
Descargar discografia
Fuente: youtube y wikipedia
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L'Arc~en~Ciel (ラルク アン シエル), también conocido por sus seguidores como Laruku (ラルク) o L'Arc, es un grupo de J-Pop/J-Rock compuesto por cuatro músicos. El nombre del grupo significa "arco iris" en francés, literalmente "El Arco en el Cielo". Sus más de 15 años como banda no sólo les han convertido en un icono de la música rock en su país sino que además es uno de los conjuntos musicales japoneses más conocidos en occidente. Dentro del género rock, el estilo propio de cada miembro influencia cada canción consiguiendo melodías pop, electrónicas, instrumentaciones orquestales, hard rock, etc. que han vendido más de 15 milliones en álbums y 30 millones en singles.
Biografía
Época indie (1991-1993)
L'Arc~en~Ciel se formó en febrero de 1991 en la ciudad japonesa de Osaka. Tetsu siempre había soñado con formar una banda de rock y empezó su andadura con un guitarrista llamado Hiro. Fue entonces cuando visitando un club oyó tocar a Jersalem's Rod, la banda de un chico llamado Hyde y que a pesar de ser el guitarrista esa noche estaba supliendo a su vocal enfermo. Tetsu en cuanto le escuchó cantar supo que le quería en su banda y habló con él. En un principio éste se negó, empecinado en que era guitarrista y no cantante, pero acabó aceptando unirse a L'Arc~en~Ciel. Junto a él también se unió Pero, el batería su anterior grupo. Con esta formación y Hiro como principal compositor comienzan a abrirse camino en la industria musical.
En mayo de ese mismo año hicieron su primer concierto, Nanba Rockets, y se hicieron muy populares en su ciudad natal actuando regularmente. En el verano de 1992, Hiro decidió abandonar el grupo y para suplirle Tetsu llamó a su amigo de la infancia, Ken, quien dejó sus estudios de arquitectura en Nagoya para unirse a la banda. Con el nuevo miembro, la canción Voice es incluida en el cd Omnibus "Gimmick" dándoles la oportunidad de sacar su primer trabajo como indies en noviembre bajo el título de Flood of tears. Más otro obstáculo más se interponía y otro de los miembros, Pero, dejaba el grupo tras un concierto en el Osaka Music Hall. Para reemplazarle Tetsu llama a Sakura a Tokyo, de quien había escuchado hablar, y en enero éste decide unirse oficialmente y así dar forma al L'Arc~en~Ciel que triunfaría.
Salto a la fama (1993-1997)
En 1993 comienzan a grabar su primer álbum DUNE junto a la discográfica Danger Crue Records, el cual agota su primera edición limitada a 10.000 copias y se vuelve a lanzar a finales del mismo mes. Esta álbum les de pie para realizar sus primeras giras: Close by Dune y FEEL OF DUNE.
Sólo un año después de su debut, es la compañía discográfica Sony Music Japan la que decide apostar por ellos y dan con ella su primer paso como banda major, lanzando su segundo álbum Tierra. Este trabajo contiene la canción Blurry Eyes, escogida para el anime DNA² y con la que hoy día siguen haciendo vibrar al público en los conciertos. Es a partir de este momento cuando el grupo no deja de crecer, editando más canciones y realizando giras por todo el país, así como vendiendo cada vez más copias de sus álbumes.
Su cuarto trabajo de estudio llega en 1997, bajo el nombre de True. Este año es el peor recordado para Laruku, ya que a mediados de febrero Sakura es arrestado por la policía y tuvo que marcharse de la banda. La carrera de L'Arc~en~Ciel se vio un poco dañada, parando alrededor de seis meses su actividad y viajando al extranjero para evitar la presión mediática. El que sería su siguiente single, the Fourth Avenue Cafe, fue cancelado, así como su emisión en el famoso anime Rurouni Kenshin.
La "Reencarnación" (1997-2001)
Tras meses sin noticias de ellos, reaparecen en octubre del mismo año con el single Niji (que significa "arco iris" en japonés, como el nombre de la banda), y con un nuevo baterista, Yukihiro (proveniente de una banda de rock de mediana repercución llamada "Die in cries"), que colabora con ellos en este lanzamiento para más tarde ser presentado como miembro oficial de la banda. A finales de este año L'Arc~en~Ciel da su primer concierto en el Tokyo Dome llamado Reincarnation vendiendo las 56.000 entradas en tan sólo 20 minutos.
Después de esta gran reaparición en los medios, L'Arc~en~Ciel viene a por todas, y nada más empezar el año 1998 lanzan su single winter fall con el que alcanzan por primera vez en su carrera el número #1 en el ránking Oricon. Este single se incluye junto al éxito Niji en su quinto álbum HEART, que vende un millón de copias sólo la primera semana.
Sin descanso, el grupo pone en venta un nuevo sencillo, DIVE TO BLUE, que es el punto de partida para otros muchos singles de gran éxito a lo largo de este año y el siguiente, destacando entre ellos a HONEY (primer single en superar el millón de ventas) o Driver's High (opening del anime GTO) Debido a la gran acogida de todos esos trabajos, el 1 de julio de 1999 salen a la venta dos nuevos álbumes a la vez: ark y ray, que venden más de 2 millones de copias cada uno. Éstos se lanzaron simultáneamente en 7 países de Asia (Taiwán, Hong Kong, Tailandia, Malasia, Singapur, Filipinas y Japón). Ese mismo verano L'Arc~en~Ciel pone en marcha el GRAN CROSS CONCLUSION 1999 TOUR, que acoge a más de 650.000 personas al aire libre en concierto.
El nuevo milenio supone para esta banda más triunfos, ya que no dejan de lanzar nuevos trabajos al mercado. Cuatro singles dan forma a su álbum REAL y Yukihiro realiza remixes de algunas de sus canciones para editar el cd ectomorphead works. A finales de este año empiezan su gira CLUB CIRCUIT 2000 REALIVE (sólo 10 actuaciones por live houses) y en noviembre dan comienzo al TOUR 2000 REAL, donde recorren los domos de las principales ciudades del país (Nagoya, Osaka y Fukuoka) para terminar los días 2, 3, 5 y 6 de diciembre en el Tokyo Dome.
Luego de esos últimos años colmados de trabajo, el 2001 se presenta tranquilo, sólo con el lanzamiento de un nuevo single, Spirit dreams inside -another dream- (canción incluida en el soundtrack de la película Final Fantasy: The Spirits Within). Tras éste, la banda decide tomarse un descanso como tal e iniciar sus carreras en solitario, no dejando de lanzar a lo largo de los siguientes dos años cds recopilatorios.
Era SMILE y AWAKE (2003-2005)
L'Arc-en-Ciel vuelve en el 2003, sorprendiendo a todos sus fans con siete espectaculares conciertos en Shibuya y con el anuncio de su nuevo álbum, SMILE, donde incluyen su single Hitomi no juunin y READY STEADY GO (opening de la serie Fullmetal Alchemist). Fue esta canción aparte de su ya avanzada fama la que hizo posible su primer concierto en Estados Unidos, el LIVE IN U.S.A, frente a más de 12.000 personas.
En 2005 sale su décimo álbum de estudio, AWAKE, que aparte de contener los cuatro singles anteriormente lanzados, cuentan con LOST HEAVEN, canción que se muestra en la película Full Metal Alchemist: The Conqueror of Shamballa. La salida de este cd dio lugar a la gira AWAKE TOUR ese mismo verano, seguida del ASIALIVE 2005, con el que dieron por primera vez conciertos en otros países de Asia tales como China y Corea. Ese mismo verano realizan otro single más Link, también incluido en el soundtrack de la película de Full Metal Alchemist: The Conqueror of Shamballa ya que es el opening de la pelicula.
L'Anniversary (2006)
En febrero del 2006 se cumplieron los 15 años de trayectoria de la banda por lo que a lo largo del año (en el que retornaron a sus carreras en solitario) conmemoraron su aniversario de distintas maneras.
Se pusieron en venta las re-ediciones de sus primeros 15 singles (desde Blurry Eyes hasta forbidden lover) incluyendo el inédito the Fourth Avenue Cafe. Éste último debutó en el puesto #5, mientras que los otros catorce ocuparon los puestos desde el #12 hasta el #27, minando completamente la lista de ventas. También se relanzan nuevas ediciones de sus álbums más exitosos: ark y ray, en una nueva versión que incluye dvds con actuaciones en televisión y makings de los videoclips.
Además de estos lanzamientos el grupo se reúne para realizar dos conciertos memorables los días 25 y 26 de noviembre en el Tokyo Dome bajo el nombre de L'Anniversary Live, vendiendo 109,625 localidades en 2 minutos. Éstos duraron alrededor de 3 horas y media, interpretando unas 24 canciones más un medley que recoge varios de sus grandes éxitos. La banda tocó algunas de las canciones más votadas en una encuesta realizada por fans en su página web; desde su canción como indies I'm in pain hasta recientes singles como New World, pasando por White Feathers (1994) o Anemone (2003). Una versión acortada del concierto del día 25 fue emitida por el canal WOWOW japonés, y se ha anunciado oficialmente la retransmisión del mismo en más de 25 países del todo mundo con una audiencia prevista de más de 2 mil millones de espectadores.
Era KISS (2007)
Después de L'Anniversary Live el grupo se pone en marcha de nuevo comenzando a componer y grabar un nuevo álbum, del que no sabríamos nada hasta bien entrado el 2007. Es a principios de éste cuando se anuncia que una nueva canción, SHINE, será el opening del anime Seirei no Moribito y poco después se desvela la salida de un nuevo single, SEVENTH HEAVEN, el primero después de 2 años y 8 meses de hiatus. Tras éste se embarcan en un hall tour de más de 30 conciertos que les llevará por todo Japón, además de su presencia en el festival coreano INCHEON PENTAPORTROCK, donde enseñan meses antes de su salida todas las canciones que contendría su siguiente álbum.
L'Arc~en~Ciel regresa con más fuerza que nunca anunciando 5 meses de actividad contínua con los lanzamientos de 3 singles (MY HEART DRAWS A DREAM, DAYBREAK'S BELL y Hurry Xmas), que junto con Link formarían el nuevo álbum KISS.
En la actualidad
Para continuar con la promoción de KISS el grupo vuelve a los escenarios, esta vez grandes, durante el arena tour THEATRE OF KISS, empezando a finales de diciembre de 2007 y acabando en febrero de 2008.
Mientras, las noticias de dos posibles singles salen a la luz: DRINK IT DOWN podría tener fecha de salida en primavera, siendo la canción escogida para representar el videojuego Devil May Cry 4 y otro single titulado Unforgiven, a espera de confirmación.
Discografía
Singles: Blurry Eyes | Vivid Colors | Natsu no yuu-utsu | Kaze ni kienaide | flower | Lies and Truth | Niji | winter fall | DIVE TO BLUE | Shinshoku ~lose control~ | HONEY | Kasou | Snow drop | forbidden lover | HEAVEN'S DRIVE | Pieces | Driver's high | LOVE FLIES | NEO UNIVERSE / finale | STAY AWAY | Spirit dreams inside -another dream- | READY STEADY GO | Hitomi no juunin | Jiyuu eno shoutai | Killing Me | New World | Jojoushi | Link | the Fourth Avenue Cafe | SEVENTH HEAVEN | MY HEART DRAWS A DREAM | DAYBREAK'S BELL | Hurry Xmas
Albums: DUNE | Tierra | heavenly | True | HEART | ark | ray | Ectomorphed Works | REAL | Clicked Singles Best 13 | The Best of L'Arc~en~Ciel 1994-1998 | The Best of L'Arc~en~Ciel 1998-2000 | The Best of L'Arc~en~Ciel c/w | DUNE 10th Anniversary Edition | SMILE | AWAKE | ark 15th Anniversary Expanded Edition | ray 15th Anniversary Expanded Edition | KISS
Curiosidades
* D'arc~en~Ciel: En 1997 la banda crea un proyecto paralelo a L'Arc~en~Ciel bajo este nombre que consistía en intercambiarse las posiciones en la banda y grabar canciones con un sonido más pesado del que hacían. En varios conciertos entre 1996 y 1997 interpretaron algunas canciones, como el cover de Love You Only del grupo japonés TOKIO. Cuando lo hacían la banda se formaba por: DARK TETSU (vocal), HYDE DARK (guitarra), Suck・D'ark・la (bajo) y Kën D'Ark (batería). El único trabajo editado de esta banda paralela se encuentra en el single the Fourth Avenue Cafe.
* P'UNK~EN~CIEL: Años después el grupo vuelve a formar un alter ego, esta vez se centran en hacer versiones punk de sus canciones ya editadas. En 2004 con el single Jiyuu eno shoutai se incluye el primer trabajo de ellos, milky way. Esta vez el grupo está formado por: TETSU P'UNK (vocal), HYDE P'UNK (guitarra), YUKI P'UNK (bajo) y KEN P'UNK (batería).
* Mukimpo: Es la mascota inventada de tetsu, un plátano al que llamó así y en cada concierto durante su MC tira montones de ellos al público.
* Ciel-Chan: Es la mascota de fanclub oficial japonés, LE CIEL (antes llamado Ciel), y el diseño es original de hyde.
* the Zombies: Otro proyecto de banda paralelo al grupo que solo se hizo para dos conciertos. Tocaron las mismas canciones de L'Arc~en~Ciel, más dos canciones de Marilyn Manson, Sweet Dreams y Irresponsible Hate Anthem. Existe un reportaje en VHS que editaron y dos reportajes especiales en TV.
Videos:
L'Arc~en~Ciel -- Blurry Eyes
L'Arc~en~Ciel - Ready, Steady Go!
L'Arc~en~Ciel / Flower (English Subtitles)
L'arc~en~Ciel - Devil May Cry 4 trailer
L'Arc en Ciel - BYE BYE
the fourth avenue cafe (l' arc~en~ciel)
P'unk en Ciel - Milky Way (Smile tour 2004 LIVE)
L'Arc~en~Ciel The Zombies Part 1 1997.12.18
L'Arc~en~Ciel The Zombies Part 2 1997.12.18
Fuente: Wikipedia
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L'Arc~en~Ciel (ラルク アン シエル)
L'Arc~en~Ciel (ラルク アン シエル), también conocido por sus seguidores como Laruku (ラルク) o L'Arc, es un grupo de J-Pop/J-Rock compuesto por cuatro músicos. El nombre del grupo significa "arco iris" en francés, literalmente "El Arco en el Cielo". Sus más de 15 años como banda no sólo les han convertido en un icono de la música rock en su país sino que además es uno de los conjuntos musicales japoneses más conocidos en occidente. Dentro del género rock, el estilo propio de cada miembro influencia cada canción consiguiendo melodías pop, electrónicas, instrumentaciones orquestales, hard rock, etc. que han vendido más de 15 milliones en álbums y 30 millones en singles.
Biografía
Época indie (1991-1993)
L'Arc~en~Ciel se formó en febrero de 1991 en la ciudad japonesa de Osaka. Tetsu siempre había soñado con formar una banda de rock y empezó su andadura con un guitarrista llamado Hiro. Fue entonces cuando visitando un club oyó tocar a Jersalem's Rod, la banda de un chico llamado Hyde y que a pesar de ser el guitarrista esa noche estaba supliendo a su vocal enfermo. Tetsu en cuanto le escuchó cantar supo que le quería en su banda y habló con él. En un principio éste se negó, empecinado en que era guitarrista y no cantante, pero acabó aceptando unirse a L'Arc~en~Ciel. Junto a él también se unió Pero, el batería su anterior grupo. Con esta formación y Hiro como principal compositor comienzan a abrirse camino en la industria musical.
En mayo de ese mismo año hicieron su primer concierto, Nanba Rockets, y se hicieron muy populares en su ciudad natal actuando regularmente. En el verano de 1992, Hiro decidió abandonar el grupo y para suplirle Tetsu llamó a su amigo de la infancia, Ken, quien dejó sus estudios de arquitectura en Nagoya para unirse a la banda. Con el nuevo miembro, la canción Voice es incluida en el cd Omnibus "Gimmick" dándoles la oportunidad de sacar su primer trabajo como indies en noviembre bajo el título de Flood of tears. Más otro obstáculo más se interponía y otro de los miembros, Pero, dejaba el grupo tras un concierto en el Osaka Music Hall. Para reemplazarle Tetsu llama a Sakura a Tokyo, de quien había escuchado hablar, y en enero éste decide unirse oficialmente y así dar forma al L'Arc~en~Ciel que triunfaría.
Salto a la fama (1993-1997)
En 1993 comienzan a grabar su primer álbum DUNE junto a la discográfica Danger Crue Records, el cual agota su primera edición limitada a 10.000 copias y se vuelve a lanzar a finales del mismo mes. Esta álbum les de pie para realizar sus primeras giras: Close by Dune y FEEL OF DUNE.
Sólo un año después de su debut, es la compañía discográfica Sony Music Japan la que decide apostar por ellos y dan con ella su primer paso como banda major, lanzando su segundo álbum Tierra. Este trabajo contiene la canción Blurry Eyes, escogida para el anime DNA² y con la que hoy día siguen haciendo vibrar al público en los conciertos. Es a partir de este momento cuando el grupo no deja de crecer, editando más canciones y realizando giras por todo el país, así como vendiendo cada vez más copias de sus álbumes.
Su cuarto trabajo de estudio llega en 1997, bajo el nombre de True. Este año es el peor recordado para Laruku, ya que a mediados de febrero Sakura es arrestado por la policía y tuvo que marcharse de la banda. La carrera de L'Arc~en~Ciel se vio un poco dañada, parando alrededor de seis meses su actividad y viajando al extranjero para evitar la presión mediática. El que sería su siguiente single, the Fourth Avenue Cafe, fue cancelado, así como su emisión en el famoso anime Rurouni Kenshin.
La "Reencarnación" (1997-2001)
Tras meses sin noticias de ellos, reaparecen en octubre del mismo año con el single Niji (que significa "arco iris" en japonés, como el nombre de la banda), y con un nuevo baterista, Yukihiro (proveniente de una banda de rock de mediana repercución llamada "Die in cries"), que colabora con ellos en este lanzamiento para más tarde ser presentado como miembro oficial de la banda. A finales de este año L'Arc~en~Ciel da su primer concierto en el Tokyo Dome llamado Reincarnation vendiendo las 56.000 entradas en tan sólo 20 minutos.
Después de esta gran reaparición en los medios, L'Arc~en~Ciel viene a por todas, y nada más empezar el año 1998 lanzan su single winter fall con el que alcanzan por primera vez en su carrera el número #1 en el ránking Oricon. Este single se incluye junto al éxito Niji en su quinto álbum HEART, que vende un millón de copias sólo la primera semana.
Sin descanso, el grupo pone en venta un nuevo sencillo, DIVE TO BLUE, que es el punto de partida para otros muchos singles de gran éxito a lo largo de este año y el siguiente, destacando entre ellos a HONEY (primer single en superar el millón de ventas) o Driver's High (opening del anime GTO) Debido a la gran acogida de todos esos trabajos, el 1 de julio de 1999 salen a la venta dos nuevos álbumes a la vez: ark y ray, que venden más de 2 millones de copias cada uno. Éstos se lanzaron simultáneamente en 7 países de Asia (Taiwán, Hong Kong, Tailandia, Malasia, Singapur, Filipinas y Japón). Ese mismo verano L'Arc~en~Ciel pone en marcha el GRAN CROSS CONCLUSION 1999 TOUR, que acoge a más de 650.000 personas al aire libre en concierto.
El nuevo milenio supone para esta banda más triunfos, ya que no dejan de lanzar nuevos trabajos al mercado. Cuatro singles dan forma a su álbum REAL y Yukihiro realiza remixes de algunas de sus canciones para editar el cd ectomorphead works. A finales de este año empiezan su gira CLUB CIRCUIT 2000 REALIVE (sólo 10 actuaciones por live houses) y en noviembre dan comienzo al TOUR 2000 REAL, donde recorren los domos de las principales ciudades del país (Nagoya, Osaka y Fukuoka) para terminar los días 2, 3, 5 y 6 de diciembre en el Tokyo Dome.
Luego de esos últimos años colmados de trabajo, el 2001 se presenta tranquilo, sólo con el lanzamiento de un nuevo single, Spirit dreams inside -another dream- (canción incluida en el soundtrack de la película Final Fantasy: The Spirits Within). Tras éste, la banda decide tomarse un descanso como tal e iniciar sus carreras en solitario, no dejando de lanzar a lo largo de los siguientes dos años cds recopilatorios.
Era SMILE y AWAKE (2003-2005)
L'Arc-en-Ciel vuelve en el 2003, sorprendiendo a todos sus fans con siete espectaculares conciertos en Shibuya y con el anuncio de su nuevo álbum, SMILE, donde incluyen su single Hitomi no juunin y READY STEADY GO (opening de la serie Fullmetal Alchemist). Fue esta canción aparte de su ya avanzada fama la que hizo posible su primer concierto en Estados Unidos, el LIVE IN U.S.A, frente a más de 12.000 personas.
En 2005 sale su décimo álbum de estudio, AWAKE, que aparte de contener los cuatro singles anteriormente lanzados, cuentan con LOST HEAVEN, canción que se muestra en la película Full Metal Alchemist: The Conqueror of Shamballa. La salida de este cd dio lugar a la gira AWAKE TOUR ese mismo verano, seguida del ASIALIVE 2005, con el que dieron por primera vez conciertos en otros países de Asia tales como China y Corea. Ese mismo verano realizan otro single más Link, también incluido en el soundtrack de la película de Full Metal Alchemist: The Conqueror of Shamballa ya que es el opening de la pelicula.
L'Anniversary (2006)
En febrero del 2006 se cumplieron los 15 años de trayectoria de la banda por lo que a lo largo del año (en el que retornaron a sus carreras en solitario) conmemoraron su aniversario de distintas maneras.
Se pusieron en venta las re-ediciones de sus primeros 15 singles (desde Blurry Eyes hasta forbidden lover) incluyendo el inédito the Fourth Avenue Cafe. Éste último debutó en el puesto #5, mientras que los otros catorce ocuparon los puestos desde el #12 hasta el #27, minando completamente la lista de ventas. También se relanzan nuevas ediciones de sus álbums más exitosos: ark y ray, en una nueva versión que incluye dvds con actuaciones en televisión y makings de los videoclips.
Además de estos lanzamientos el grupo se reúne para realizar dos conciertos memorables los días 25 y 26 de noviembre en el Tokyo Dome bajo el nombre de L'Anniversary Live, vendiendo 109,625 localidades en 2 minutos. Éstos duraron alrededor de 3 horas y media, interpretando unas 24 canciones más un medley que recoge varios de sus grandes éxitos. La banda tocó algunas de las canciones más votadas en una encuesta realizada por fans en su página web; desde su canción como indies I'm in pain hasta recientes singles como New World, pasando por White Feathers (1994) o Anemone (2003). Una versión acortada del concierto del día 25 fue emitida por el canal WOWOW japonés, y se ha anunciado oficialmente la retransmisión del mismo en más de 25 países del todo mundo con una audiencia prevista de más de 2 mil millones de espectadores.
Era KISS (2007)
Después de L'Anniversary Live el grupo se pone en marcha de nuevo comenzando a componer y grabar un nuevo álbum, del que no sabríamos nada hasta bien entrado el 2007. Es a principios de éste cuando se anuncia que una nueva canción, SHINE, será el opening del anime Seirei no Moribito y poco después se desvela la salida de un nuevo single, SEVENTH HEAVEN, el primero después de 2 años y 8 meses de hiatus. Tras éste se embarcan en un hall tour de más de 30 conciertos que les llevará por todo Japón, además de su presencia en el festival coreano INCHEON PENTAPORTROCK, donde enseñan meses antes de su salida todas las canciones que contendría su siguiente álbum.
L'Arc~en~Ciel regresa con más fuerza que nunca anunciando 5 meses de actividad contínua con los lanzamientos de 3 singles (MY HEART DRAWS A DREAM, DAYBREAK'S BELL y Hurry Xmas), que junto con Link formarían el nuevo álbum KISS.
En la actualidad
Para continuar con la promoción de KISS el grupo vuelve a los escenarios, esta vez grandes, durante el arena tour THEATRE OF KISS, empezando a finales de diciembre de 2007 y acabando en febrero de 2008.
Mientras, las noticias de dos posibles singles salen a la luz: DRINK IT DOWN podría tener fecha de salida en primavera, siendo la canción escogida para representar el videojuego Devil May Cry 4 y otro single titulado Unforgiven, a espera de confirmación.
Discografía
Singles: Blurry Eyes | Vivid Colors | Natsu no yuu-utsu | Kaze ni kienaide | flower | Lies and Truth | Niji | winter fall | DIVE TO BLUE | Shinshoku ~lose control~ | HONEY | Kasou | Snow drop | forbidden lover | HEAVEN'S DRIVE | Pieces | Driver's high | LOVE FLIES | NEO UNIVERSE / finale | STAY AWAY | Spirit dreams inside -another dream- | READY STEADY GO | Hitomi no juunin | Jiyuu eno shoutai | Killing Me | New World | Jojoushi | Link | the Fourth Avenue Cafe | SEVENTH HEAVEN | MY HEART DRAWS A DREAM | DAYBREAK'S BELL | Hurry Xmas
Albums: DUNE | Tierra | heavenly | True | HEART | ark | ray | Ectomorphed Works | REAL | Clicked Singles Best 13 | The Best of L'Arc~en~Ciel 1994-1998 | The Best of L'Arc~en~Ciel 1998-2000 | The Best of L'Arc~en~Ciel c/w | DUNE 10th Anniversary Edition | SMILE | AWAKE | ark 15th Anniversary Expanded Edition | ray 15th Anniversary Expanded Edition | KISS
Curiosidades
* D'arc~en~Ciel: En 1997 la banda crea un proyecto paralelo a L'Arc~en~Ciel bajo este nombre que consistía en intercambiarse las posiciones en la banda y grabar canciones con un sonido más pesado del que hacían. En varios conciertos entre 1996 y 1997 interpretaron algunas canciones, como el cover de Love You Only del grupo japonés TOKIO. Cuando lo hacían la banda se formaba por: DARK TETSU (vocal), HYDE DARK (guitarra), Suck・D'ark・la (bajo) y Kën D'Ark (batería). El único trabajo editado de esta banda paralela se encuentra en el single the Fourth Avenue Cafe.
* P'UNK~EN~CIEL: Años después el grupo vuelve a formar un alter ego, esta vez se centran en hacer versiones punk de sus canciones ya editadas. En 2004 con el single Jiyuu eno shoutai se incluye el primer trabajo de ellos, milky way. Esta vez el grupo está formado por: TETSU P'UNK (vocal), HYDE P'UNK (guitarra), YUKI P'UNK (bajo) y KEN P'UNK (batería).
* Mukimpo: Es la mascota inventada de tetsu, un plátano al que llamó así y en cada concierto durante su MC tira montones de ellos al público.
* Ciel-Chan: Es la mascota de fanclub oficial japonés, LE CIEL (antes llamado Ciel), y el diseño es original de hyde.
* the Zombies: Otro proyecto de banda paralelo al grupo que solo se hizo para dos conciertos. Tocaron las mismas canciones de L'Arc~en~Ciel, más dos canciones de Marilyn Manson, Sweet Dreams y Irresponsible Hate Anthem. Existe un reportaje en VHS que editaron y dos reportajes especiales en TV.
Videos:
L'Arc~en~Ciel -- Blurry Eyes
L'Arc~en~Ciel - Ready, Steady Go!
L'Arc~en~Ciel / Flower (English Subtitles)
L'arc~en~Ciel - Devil May Cry 4 trailer
L'Arc en Ciel - BYE BYE
the fourth avenue cafe (l' arc~en~ciel)
P'unk en Ciel - Milky Way (Smile tour 2004 LIVE)
L'Arc~en~Ciel The Zombies Part 1 1997.12.18
L'Arc~en~Ciel The Zombies Part 2 1997.12.18
Fuente: Wikipedia
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El nombre de "Rin" tiene un número de significados proveniente de la palabra en inglés "Ring", la palabra japonesa "Wa" las cuales se traducen como "ring" y 'estilo japonés' finalmente la esperanza de Rin' es crear un 'ring', o más bien un círculo musical.
Un mes después "Sakitama, Jikuu" su álbum debut fue lanzado. Rin' procedió siguiendo con un flujo constante de lanzamientos incluyendo el segundo álbum "Asuka" en el mismo año como también "Jukku". Su interesante estilo atrapó la atención del público, Rin' comenzó una gira y presentaciones en un rango de interesantes eventos. En Enero de 2004, antes del lanzamiento de "Sakitama" llevaron a cabo un concierto en Shanghai para la Exhibición de Intercambio China-Japón. Fueron a presentarse en el Festival de John Lennon en Nippon Budokan, dentro de la exposición mundial del 2005 en Aichi, Japón y después viajaron a América para hacer una gira de cuatro días en la Ciudad de México para octubre de 2005.
En el 2006, Rin' se combinó con Domo Records para producir un álbum debut en América. "Estamos interesadas", dijo Rin' "En hacer música japonesa para oídos Americanos. Los espíritus de miles de años en nuestros instrumentos tienen un alma que necesita ser escuchada". "Inland Sea", fue lanzado a nivel mundial tanto en Europa como en Los Estados Unidos el 25 de abril de 2006 y en Japón el 30 de Agosto alternando una presentación por parte de Leigh Nash (Sixpence none the Richer) y Lisa Loeb. Actualmente están planeando una gira de Otoó en los Estados Unidos para promover "Inland Sea". Sería la segunda presentación en Estados Unidos, la primera vez fue en el 92º Festival Nacional de Cherry Blossom en Washington, DC, una celebración anual de Tokyo sobre regalos originales entre 3000 árboles de cerezos en la capital Los Estados Unidos desde 1912.
DISCOGRAFÍA :
Videos:
Rin' Live Tour 2004 - Miyabi
Rin' Live Tour 2004 - Hana Fubuki
Rin' - sakura sakura(tradicional)
Jikuu(mi cancion favorita de rin')
Discografiaen mcanime
Fuente:JaMe
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Rin'
PERFIL
Rin' es un grupo femenino de pop con una diferencia. Los tres miembros son todos entrenados como músicos en música tradicional Japonesa, y usan esos talentos para tener un bello efecto sobre Rin'.
La música de Rin' combina atrayendo melodías tradicionales e instrumentos con ritmos modernos y estilos vocales. Su trabajo instrumental se concentra más en un sonido tradicional muy poderoso. Rin' recientemente hizo un debut en Los Estados Unidos colaborando con la vocalista de Sixpence none the Richer
BIOGRAFÍA
En el 2003, Yoshinaga Mana, Nagasu Tomoka y Arai Chie se graduaron de la Universidad Nacional de Finas Artes y Música de Tokyo. El trío fue quien formó Rin', un grupo que combinó la tradicional música japonesa con un toque más moderno. Hicieron su debut presentándose en Meguro Gajoen al final de año, fueron contratadas por avex trax y poco tiempo después lanzaron en abril de 2004 su primer single "Sakitama"La música de Rin' combina atrayendo melodías tradicionales e instrumentos con ritmos modernos y estilos vocales. Su trabajo instrumental se concentra más en un sonido tradicional muy poderoso. Rin' recientemente hizo un debut en Los Estados Unidos colaborando con la vocalista de Sixpence none the Richer
BIOGRAFÍAEl nombre de "Rin" tiene un número de significados proveniente de la palabra en inglés "Ring", la palabra japonesa "Wa" las cuales se traducen como "ring" y 'estilo japonés' finalmente la esperanza de Rin' es crear un 'ring', o más bien un círculo musical.
Un mes después "Sakitama, Jikuu" su álbum debut fue lanzado. Rin' procedió siguiendo con un flujo constante de lanzamientos incluyendo el segundo álbum "Asuka" en el mismo año como también "Jukku". Su interesante estilo atrapó la atención del público, Rin' comenzó una gira y presentaciones en un rango de interesantes eventos. En Enero de 2004, antes del lanzamiento de "Sakitama" llevaron a cabo un concierto en Shanghai para la Exhibición de Intercambio China-Japón. Fueron a presentarse en el Festival de John Lennon en Nippon Budokan, dentro de la exposición mundial del 2005 en Aichi, Japón y después viajaron a América para hacer una gira de cuatro días en la Ciudad de México para octubre de 2005.
En el 2006, Rin' se combinó con Domo Records para producir un álbum debut en América. "Estamos interesadas", dijo Rin' "En hacer música japonesa para oídos Americanos. Los espíritus de miles de años en nuestros instrumentos tienen un alma que necesita ser escuchada". "Inland Sea", fue lanzado a nivel mundial tanto en Europa como en Los Estados Unidos el 25 de abril de 2006 y en Japón el 30 de Agosto alternando una presentación por parte de Leigh Nash (Sixpence none the Richer) y Lisa Loeb. Actualmente están planeando una gira de Otoó en los Estados Unidos para promover "Inland Sea". Sería la segunda presentación en Estados Unidos, la primera vez fue en el 92º Festival Nacional de Cherry Blossom en Washington, DC, una celebración anual de Tokyo sobre regalos originales entre 3000 árboles de cerezos en la capital Los Estados Unidos desde 1912.
DISCOGRAFÍA : | Fecha | Título | Medio | Tipo | ||
|---|---|---|---|---|---|
| ALBUM & MINI-ALBUM | |||||
| 2007-12-05 | Genji Nostalgy | 源氏ノスタルジー | CD + DVD | album | |
| 2007-03-21 | Inland Sea- Special Edition- | Inland Sea -Special Edition- | CD + DVD | album | |
| 2006-08-30 | Inland Sea | Inland Sea | CD + DVD | album | |
| 2005-03-30 | Utage uta/ sakura sakura | 宴歌 / さくら さくら | CD | album | |
| 2004-11-17 | ~Rin' Christmas Cover Songs~ Seiya | ~Rin' Christmas Cover Songs~ 聖夜 | CD + DVD | album | |
| 2004-09-29 | Asuka | 飛鳥 | CD | album | |
| 2004-05-12 | Jikuu | 時空 | CD | album | |
| 2004-05-12 | Jikuu | 時空 | CD + DVD | album | |
| SINGLE & MAXI-SINGLE | |||||
| 2005-08-31 | Yume Hanabi | 夢花火 | CD | single | |
| 2005-04-20 | Sakura sakura | サクラ サクラ | CD + DVD | single | |
| 2004-06-30 | Yachiyo no Kaze | 八千代ノ風 | CD + DVD | single | |
| 2004-06-30 | Yachiyo no Kaze | 八千代ノ風 | CD | single | |
| 2004-04-07 | Sakitama | Sakitama～幸魂～ | CD | single | |
| 2004-04-07 | Sakitama | Sakitama～幸魂～ | CD + DVD | single | |
| DVD | |||||
| 2004-11-17 | Uta utage～Rin' First Live Tour 2004 ”Jikuu”～ | 歌宴～Rin' First Live Tour 2004 ”時空”～ | DVD | concert | |
Videos:
Rin' Live Tour 2004 - Miyabi
Rin' Live Tour 2004 - Hana Fubuki
Rin' - sakura sakura(tradicional)
Jikuu(mi cancion favorita de rin')
Discografiaen mcanime
Fuente:JaMe
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El kabuki (歌舞伎) es una forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores.
Los caracteres kanji individuales, leídos de izquierda a derecha, significan cantar (歌 ka), bailar (舞 bu), y habilidad (伎 ki). Frecuentemente se traduce kabuki como "el arte de cantar y bailar". Existen sin embargo, caracteres ateji que no reflejan la etimología actual, y que la palabra kabuki se cree que en realidad está derivada del verbo kabuku, que significa "inclinarse", o "estar fuera de lo ordinario", de modo que el significado de kabuki puede ser interpretado también como teatro "experimental" o "extraño".
Historia
1603-1629: Kabuki femenino
La historia del kabuki comenzó en 1603, cuando Izumo no Okuni, una miko del Santuario Izumo, comenzó a realizar un nuevo estilo de danza dramática en las riberas secas del río Kioto. Las ejecutantes femeninas interpretaban tanto los papeles femeninos como masculinos en situaciones cómicas de la vida cotidiana. Este estilo se hizo popular de una manera casi instantánea, tanto así que incluso se le pidió a Okuni que hiciera su interpretación frente a la Corte Imperial. Dado el rotundo éxito, no tardaron en aparecer rivales, y el kabuki nació como un conjunto de drama y danza ejecutado por mujeres, una forma muy diferente de su encarnación moderna. Muchas de las ejecuciones en este período fueron de carácter indecente, las ejecuciones sugestivas eran realizadas por muchas imitadoras; estas actrices estaban comúnmente disponibles para la prostitución, y los miembros masculinos de la audiencia podían requerir libremente de los servicios de estas mujeres. Por esta razón, el kabuki era también escrito como 歌舞妓 (prostituta cantante y bailarina) durante el período Edo.
1629-1652: Jóvenes masculinos kabuki
La atmósfera escandalosa y en ocasiones violenta de las ejecutantes de kabuki atrajo la atención del shogunato Tokugawa, y en 1629 las mujeres fueron expulsadas de los escenarios con el supuesto propósito de proteger la moral pública. Algunos historiadores sugieren que el gobierno estaba preocupado dado que la popularidad del kabuki dramatizaba la vida cotidiana (en vez del pasado heroico) y dio a conocer escándalos recientes, algunos de los cuales involucraban a oficiales del gobierno.
Puesto que el kabuki ya era tan popular, los actores jóvenes masculinos tomaron el lugar de las mujeres. Junto con el cambio de los ejecutantes, el género cambió a su vez el énfasis de la ejecución: la tensión creciente fue puesta más en el drama que en la danza. Estas actuaciones resultaron igualmente obscenas, y muchos actores estaban también disponibles para la prostitución (incluso para clientes homosexuales). Las audiencias se alborotaban frecuentemente, y de vez en cuando explotaban las reyertas, en ocasiones para requerir los favores de un joven actor atractivo en particular, llevando al shogunato a prohibir también las actuaciones de actores jóvenes en 1652.
Después de 1653: Hombres kabuki
Desde 1653, sólo hombres maduros podían realizar kabuki, lo que se convirtió en una forma sofisticada y altamente estilizada llamada yarō kabuki (野郎歌舞伎, "Kabuki de hombres"). Esta metamorfosis de estilo estaba altamente influenciada por el teatro cómico kyōgen (狂言), que fue extremadamente popular en este tiempo. Hoy día el "yarō" ha decaído, pero no fue hasta recientemente que los roles interpretados en el kabuki eran ejecutados sólo por hombres. Los actores que se especializaban en interpretar papeles de mujeres eran conocidos como onnagata u oyama (ambos se escriben 女形). Los onnagata comúnmente provenían de familias especializadas en este estilo. Otros dos roles principales eran aragoto (荒事, estilo áspero) y wagoto (和事, estilo suave).
1673-1735: El período Genroku
Durante la era Genroku el kabuki prosperó. Las estructuras donde se llevaban a cabo las funciones kabuki fueron formalizadas durante este período, así como muchos otros elementos de estilización. Se determinaron los diferentes tipos de personajes convencionales. Durante este período estuvieron asociados los teatros kabuki y ningyō jōruri (人形浄瑠璃) — la forma elaborada del teatro de marionetas que luego se dio a conocer como bunraku—, y cada uno influenció el desarrollo del otro. El famoso dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, uno de los primeros dramaturgos profesionales del kabuki, produjo varios trabajos influyentes, aunque su pieza más conocida y significativa, Los amantes suicidas de Sonezaki (Sonezaki Shinjū, jp: 曾根崎心中), fue escrita para ejecutarse en el bunraku. Como muchas obras bunkaru sin embargo, esta fue adaptada al kabuki, y esta encontró muchos imitadores —esta y otras obras causaron imitaciones de suicidios en la vida real por lo que el gobierno prohibió los shinju mono (obras sobre suicidios dobles de amantes) en 1723. Ichikawa Danjuro quien también vivió en este período, se le acredita el desarrollo de la pose mie y el maquillaje kumadori que asemeja una máscara .
A mediados del siglo XVIII, el kabuki dejó de ser el favorito de la época, y el bunraku tomó su lugar como la primera forma de entretenimiento de tarima entre las clases sociales bajas. Esto se debió en gran medida al surgimiento de varios dramaturgos bunraku exitosos en ese período. Se dieron pocos desarrollos en el kabuki hasta el final de ese siglo, cuando comenzó a resurgir.
El kabuki después de la Restauración Meiji
El enorme cambio cultural que comenzó en 1868 tras la caída del shogunato Tokugawa, la eliminación de la clase samurai, y la apertura de Japón hacia los productos e ideas de Occidente contribuyeron a encender la chispa que marcó el resurgimiento del kabuki. Mientras que la cultura luchaba para adaptarse a su nueva carencia de aislamiento, los actores se esforzaron por aumentar la reputación del kabuki entre las clases altas y adaptar los estilos tradicionales a los gustos modernos. Los intentos en este sentido rindieron frutos; en una ocasión, se le dio una función al Emperador Meiji .
Muchas casas kabuki fueron destruidas por bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial, y las fuerzas de ocupación prohibieron esporádicamente las ejecuciones de kabuki después de la guerra. Sin embargo, en el año 1974 la prohibición fue levantada, y las funciones comenzaron una vez más.
El kabuki en la actualidad
En el Japón moderno, el kabuki continúa siendo relativamente popular; es el más popular de los estilos tradicionales de drama japonés, y sus actores estelares aparecen con frecuencia en papeles de cine y televisión . Por ejemplo, el bien conocido onnagata Bando Tamasaburo V ha aparecido en varios papeles en diferentes obras (no kabuki) y películas; en ocasiones en papeles femeninos.
Algunas compañías teatrales actualmente utilizan actrices en los papeles onnagata, y la Ichikawa Kabuki-za (una compañía de sólo actrices) fue formada después de la Segunda Guerra Mundial. En el 2003, se erigió una estatua de Okuni cerca del distrito de Pontochō de Kioto.
El kabuki se encuentra en la lista de Obras Maestras del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad de la UNESCO desde el 24 de noviembre del 2005.
Elementos del kabuki
El kabuki utiliza una extensión adicional del escenario conocida como hanamichi (花道; literalmente camino florido), una calzada que se extiende hasta la audiencia en donde se hacen las entradas y salidas dramáticas. Los teatros y escenarios kabuki se han ido sofisticando tecnológicamente de forma constante, y entre las innovaciones se encuentran las puertas y escenarios giratorios, introducidos en el siglo XVIII, mejorando en gran medida la escenografía en las obras kabuki.
En el kabuki, así como en otras ejecuciones de arte japonés, los cambios de escenografía son en ocasiones realizados a mitad de escenas, mientras los actores continúan en el escenario y las cortinas se mantienen abiertas. Los encargados de añadir y quitar objetos del escenario son conocidos como kuroko (黒子), van siempre vestidos completamente de negro y son tradicionalmente considerados "invisibles".
Existen tres categorías principales de obras kabuki: jidaimono (時代物, "histórica", o pre-historias del período Sengoku), sewamono (世話物, "doméstico", o pos-historias del período Sengoku), y shosagoto (所作事, piezas de danza).
Algunas características importantes del teatro kabuki incluyen el mie (見得), en el cual el actor toma una pose pintoresca para establecer su personaje. El keshō, o maquillaje, provee un elemento de estilo fácilmente reconocible incluso por aquellos que no están familiarizados con esta forma de arte. El polvo de arroz es utilizado para crear la base blanca conocida como oshiroi, y el kumadori realza o exagera las líneas faciales para producir animales dramáticos o máscaras sobrenaturales para los interpretes.
Videos:
maquillandose
Presentacion kabuki
Fuente: wikipedia
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kabuki (歌舞伎)
El kabuki (歌舞伎) es una forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores.
Los caracteres kanji individuales, leídos de izquierda a derecha, significan cantar (歌 ka), bailar (舞 bu), y habilidad (伎 ki). Frecuentemente se traduce kabuki como "el arte de cantar y bailar". Existen sin embargo, caracteres ateji que no reflejan la etimología actual, y que la palabra kabuki se cree que en realidad está derivada del verbo kabuku, que significa "inclinarse", o "estar fuera de lo ordinario", de modo que el significado de kabuki puede ser interpretado también como teatro "experimental" o "extraño".
Historia
1603-1629: Kabuki femenino
La historia del kabuki comenzó en 1603, cuando Izumo no Okuni, una miko del Santuario Izumo, comenzó a realizar un nuevo estilo de danza dramática en las riberas secas del río Kioto. Las ejecutantes femeninas interpretaban tanto los papeles femeninos como masculinos en situaciones cómicas de la vida cotidiana. Este estilo se hizo popular de una manera casi instantánea, tanto así que incluso se le pidió a Okuni que hiciera su interpretación frente a la Corte Imperial. Dado el rotundo éxito, no tardaron en aparecer rivales, y el kabuki nació como un conjunto de drama y danza ejecutado por mujeres, una forma muy diferente de su encarnación moderna. Muchas de las ejecuciones en este período fueron de carácter indecente, las ejecuciones sugestivas eran realizadas por muchas imitadoras; estas actrices estaban comúnmente disponibles para la prostitución, y los miembros masculinos de la audiencia podían requerir libremente de los servicios de estas mujeres. Por esta razón, el kabuki era también escrito como 歌舞妓 (prostituta cantante y bailarina) durante el período Edo.
1629-1652: Jóvenes masculinos kabuki
La atmósfera escandalosa y en ocasiones violenta de las ejecutantes de kabuki atrajo la atención del shogunato Tokugawa, y en 1629 las mujeres fueron expulsadas de los escenarios con el supuesto propósito de proteger la moral pública. Algunos historiadores sugieren que el gobierno estaba preocupado dado que la popularidad del kabuki dramatizaba la vida cotidiana (en vez del pasado heroico) y dio a conocer escándalos recientes, algunos de los cuales involucraban a oficiales del gobierno.
Puesto que el kabuki ya era tan popular, los actores jóvenes masculinos tomaron el lugar de las mujeres. Junto con el cambio de los ejecutantes, el género cambió a su vez el énfasis de la ejecución: la tensión creciente fue puesta más en el drama que en la danza. Estas actuaciones resultaron igualmente obscenas, y muchos actores estaban también disponibles para la prostitución (incluso para clientes homosexuales). Las audiencias se alborotaban frecuentemente, y de vez en cuando explotaban las reyertas, en ocasiones para requerir los favores de un joven actor atractivo en particular, llevando al shogunato a prohibir también las actuaciones de actores jóvenes en 1652.
Después de 1653: Hombres kabuki
Desde 1653, sólo hombres maduros podían realizar kabuki, lo que se convirtió en una forma sofisticada y altamente estilizada llamada yarō kabuki (野郎歌舞伎, "Kabuki de hombres"). Esta metamorfosis de estilo estaba altamente influenciada por el teatro cómico kyōgen (狂言), que fue extremadamente popular en este tiempo. Hoy día el "yarō" ha decaído, pero no fue hasta recientemente que los roles interpretados en el kabuki eran ejecutados sólo por hombres. Los actores que se especializaban en interpretar papeles de mujeres eran conocidos como onnagata u oyama (ambos se escriben 女形). Los onnagata comúnmente provenían de familias especializadas en este estilo. Otros dos roles principales eran aragoto (荒事, estilo áspero) y wagoto (和事, estilo suave).
1673-1735: El período Genroku
Durante la era Genroku el kabuki prosperó. Las estructuras donde se llevaban a cabo las funciones kabuki fueron formalizadas durante este período, así como muchos otros elementos de estilización. Se determinaron los diferentes tipos de personajes convencionales. Durante este período estuvieron asociados los teatros kabuki y ningyō jōruri (人形浄瑠璃) — la forma elaborada del teatro de marionetas que luego se dio a conocer como bunraku—, y cada uno influenció el desarrollo del otro. El famoso dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, uno de los primeros dramaturgos profesionales del kabuki, produjo varios trabajos influyentes, aunque su pieza más conocida y significativa, Los amantes suicidas de Sonezaki (Sonezaki Shinjū, jp: 曾根崎心中), fue escrita para ejecutarse en el bunraku. Como muchas obras bunkaru sin embargo, esta fue adaptada al kabuki, y esta encontró muchos imitadores —esta y otras obras causaron imitaciones de suicidios en la vida real por lo que el gobierno prohibió los shinju mono (obras sobre suicidios dobles de amantes) en 1723. Ichikawa Danjuro quien también vivió en este período, se le acredita el desarrollo de la pose mie y el maquillaje kumadori que asemeja una máscara .
A mediados del siglo XVIII, el kabuki dejó de ser el favorito de la época, y el bunraku tomó su lugar como la primera forma de entretenimiento de tarima entre las clases sociales bajas. Esto se debió en gran medida al surgimiento de varios dramaturgos bunraku exitosos en ese período. Se dieron pocos desarrollos en el kabuki hasta el final de ese siglo, cuando comenzó a resurgir.
El kabuki después de la Restauración Meiji
El enorme cambio cultural que comenzó en 1868 tras la caída del shogunato Tokugawa, la eliminación de la clase samurai, y la apertura de Japón hacia los productos e ideas de Occidente contribuyeron a encender la chispa que marcó el resurgimiento del kabuki. Mientras que la cultura luchaba para adaptarse a su nueva carencia de aislamiento, los actores se esforzaron por aumentar la reputación del kabuki entre las clases altas y adaptar los estilos tradicionales a los gustos modernos. Los intentos en este sentido rindieron frutos; en una ocasión, se le dio una función al Emperador Meiji .
Muchas casas kabuki fueron destruidas por bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial, y las fuerzas de ocupación prohibieron esporádicamente las ejecuciones de kabuki después de la guerra. Sin embargo, en el año 1974 la prohibición fue levantada, y las funciones comenzaron una vez más.
El kabuki en la actualidad
En el Japón moderno, el kabuki continúa siendo relativamente popular; es el más popular de los estilos tradicionales de drama japonés, y sus actores estelares aparecen con frecuencia en papeles de cine y televisión . Por ejemplo, el bien conocido onnagata Bando Tamasaburo V ha aparecido en varios papeles en diferentes obras (no kabuki) y películas; en ocasiones en papeles femeninos.
Algunas compañías teatrales actualmente utilizan actrices en los papeles onnagata, y la Ichikawa Kabuki-za (una compañía de sólo actrices) fue formada después de la Segunda Guerra Mundial. En el 2003, se erigió una estatua de Okuni cerca del distrito de Pontochō de Kioto.
El kabuki se encuentra en la lista de Obras Maestras del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad de la UNESCO desde el 24 de noviembre del 2005.
Elementos del kabuki
El kabuki utiliza una extensión adicional del escenario conocida como hanamichi (花道; literalmente camino florido), una calzada que se extiende hasta la audiencia en donde se hacen las entradas y salidas dramáticas. Los teatros y escenarios kabuki se han ido sofisticando tecnológicamente de forma constante, y entre las innovaciones se encuentran las puertas y escenarios giratorios, introducidos en el siglo XVIII, mejorando en gran medida la escenografía en las obras kabuki.
En el kabuki, así como en otras ejecuciones de arte japonés, los cambios de escenografía son en ocasiones realizados a mitad de escenas, mientras los actores continúan en el escenario y las cortinas se mantienen abiertas. Los encargados de añadir y quitar objetos del escenario son conocidos como kuroko (黒子), van siempre vestidos completamente de negro y son tradicionalmente considerados "invisibles".
Existen tres categorías principales de obras kabuki: jidaimono (時代物, "histórica", o pre-historias del período Sengoku), sewamono (世話物, "doméstico", o pos-historias del período Sengoku), y shosagoto (所作事, piezas de danza).
Algunas características importantes del teatro kabuki incluyen el mie (見得), en el cual el actor toma una pose pintoresca para establecer su personaje. El keshō, o maquillaje, provee un elemento de estilo fácilmente reconocible incluso por aquellos que no están familiarizados con esta forma de arte. El polvo de arroz es utilizado para crear la base blanca conocida como oshiroi, y el kumadori realza o exagera las líneas faciales para producir animales dramáticos o máscaras sobrenaturales para los interpretes.
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Presentacion kabuki
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El Gagaku (雅楽, Gagaku?), literalmente "música elegante", es un tipo de música clásica japonesa que se interpreta en la corte Imperial y que tiene 13 siglos de desarrollo ininterrumpido. En la actualidad no solo conserva el repertorio tradicional sino que además es una importante fuente para la música contemporánea. Consiste de tres partes básicas: música religiosa shintoísta nativa y temas folclóricos, saibara; una forma coreana (más precisamente canciones de origen coreano y manchú), komagaku; y una forma China (específicamente de la Dinastía Tang), togaku. Por el siglo VII se introducen en Japón desde China, el gakuso (cítara) y el gakubiwa (tipo de laúd), los cuales han sido utilizados desde muy temprano en el gagaku.
Historia
El término gagaku (雅楽), aparece en el código Taihō Ritsuryō del 701, con la constitución del Gagakuryō (雅楽寮) dentro del recinto de la corte. Esta institución sería la primera academia imperial con más de cuatrocientos miembros , teniendo como fin el fijar la música importada como oficial de la corte. La música japonesa nativa no fue incluida dentro del Gagakuryō, si no que quedó relegada en el Outadokoro (大歌所), la escuela de la corte situada también dentro de los recintos de la corte.
Komagaku y togaku fueron introducidos a Japón durante el período Nara (710-794), asentándose en las divisiones básicas modernas durante el período Heian (794-1185). Las interpretaciones de gagaku fueron desarrolladas por músicos que pertenecían a gremios hereditarios, siendo durante el período Kamakura (1185-1333), debido al rigor militar impuesto, que las muestras de esta música se realizaban en los hogares de la aristocracia, siendo raramente interpretadas en la corte. En este período existían tres gremios pertenecientes a Osaka, Nara y Kyoto.
Debido a la guerra de Onin, guerra civil que se extendió de 1467 a 1477, durante el período Muromachi, los grupos de gagaku no pudieron seguir desarrollando su música en Kyoto por aproximadamente 100 años. En el período Edo, gobernado porel Shogunato Tokugawa, se reorganizó el estilo de los grupos en la corte, siendo este el origen de las muestras actuales.
Posterior a la restauración Meiji de 1868, músicos de los tres gremios llegaron a Tokio constituyendo sus descendientes la gran mayoría de los integrantes del Departamento de Música del Palacio Imperial en la actualidad. Para ese tiempo, el presente estilo del conjunto consistía en tres instrumentos de viento hichiriki, ryūteki, y sho (armónica de bambú que proporcionaba la armonía) y tres instrumentos de percusión: el kakko (tambor pequeño), shoko (percusión de metal), y taiko (tambor) o dadaiko (tambor grande), complementando al gakubiwa, que había sido establecido por el gakuso.
El baile clásico (llamado bugaku) a menudo acompaña a las interpretaciones de gagaku, siendo esta música utilizada por la religión Tenrikyo como parte de sus ceremonias.
Los conjuntos de gagaku contemporáneos, como Reigakusha, desarrollan composiciones contemporáneas para los instrumentos del gagaku. Compositores del siglo XX como Toru Takemitsu ha compuesto trabajos para conjuntos de gagaku, así como para instrumentos individuales utilizados en esta música.
El gagaku, como el shômyô, emplea la escala Yo, una escala pentatónica con intervalos ascendentes de dos, tres, dos, y dos semitonos entre los cinco tonos de la escala.
Instrumentos utilizados en el gagaku
* Hichiriki (篳篥), oboe.
* Ryūteki (龍笛), flauta traversa.
* Sho (笙), organillo de boca.
* Gakubiwa (楽琵琶), laud.
* Gakuso (koto, 箏), cítara de origen chino.
* Wgon (和琴), cítyara de origen japonés.
Influencia en la música occidental
A comienzos del siglo XX, varios compositores clásicos occidentales se interesaron en el gagaku, por lo que muchas de sus composiciones se basaron en este arte. Destacan las obras de Henry Cowell (Ongaku, 1957), Alan Hovhaness (numerosas obras), Olivier Messiaen (Sept haïkaï, 1962), Lou Harrison (Pacifika Rondo, 1963), y Benjamín Britten (Curlew River, 1964).
Uno de los músicos de gagaku más importantes de este período fue Masataro Togi (quién sirvió durante muchos años como principal músico de la corte), quien instruyo a compositores americanos como Alan Hovhaness y Richard Teitelbaum en la ejecución de instrumentos utilizados en el gagaku.
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Gagaku (雅楽)
El Gagaku (雅楽, Gagaku?), literalmente "música elegante", es un tipo de música clásica japonesa que se interpreta en la corte Imperial y que tiene 13 siglos de desarrollo ininterrumpido. En la actualidad no solo conserva el repertorio tradicional sino que además es una importante fuente para la música contemporánea. Consiste de tres partes básicas: música religiosa shintoísta nativa y temas folclóricos, saibara; una forma coreana (más precisamente canciones de origen coreano y manchú), komagaku; y una forma China (específicamente de la Dinastía Tang), togaku. Por el siglo VII se introducen en Japón desde China, el gakuso (cítara) y el gakubiwa (tipo de laúd), los cuales han sido utilizados desde muy temprano en el gagaku.Historia
El término gagaku (雅楽), aparece en el código Taihō Ritsuryō del 701, con la constitución del Gagakuryō (雅楽寮) dentro del recinto de la corte. Esta institución sería la primera academia imperial con más de cuatrocientos miembros , teniendo como fin el fijar la música importada como oficial de la corte. La música japonesa nativa no fue incluida dentro del Gagakuryō, si no que quedó relegada en el Outadokoro (大歌所), la escuela de la corte situada también dentro de los recintos de la corte.
Komagaku y togaku fueron introducidos a Japón durante el período Nara (710-794), asentándose en las divisiones básicas modernas durante el período Heian (794-1185). Las interpretaciones de gagaku fueron desarrolladas por músicos que pertenecían a gremios hereditarios, siendo durante el período Kamakura (1185-1333), debido al rigor militar impuesto, que las muestras de esta música se realizaban en los hogares de la aristocracia, siendo raramente interpretadas en la corte. En este período existían tres gremios pertenecientes a Osaka, Nara y Kyoto.
Debido a la guerra de Onin, guerra civil que se extendió de 1467 a 1477, durante el período Muromachi, los grupos de gagaku no pudieron seguir desarrollando su música en Kyoto por aproximadamente 100 años. En el período Edo, gobernado porel Shogunato Tokugawa, se reorganizó el estilo de los grupos en la corte, siendo este el origen de las muestras actuales.
Posterior a la restauración Meiji de 1868, músicos de los tres gremios llegaron a Tokio constituyendo sus descendientes la gran mayoría de los integrantes del Departamento de Música del Palacio Imperial en la actualidad. Para ese tiempo, el presente estilo del conjunto consistía en tres instrumentos de viento hichiriki, ryūteki, y sho (armónica de bambú que proporcionaba la armonía) y tres instrumentos de percusión: el kakko (tambor pequeño), shoko (percusión de metal), y taiko (tambor) o dadaiko (tambor grande), complementando al gakubiwa, que había sido establecido por el gakuso.El baile clásico (llamado bugaku) a menudo acompaña a las interpretaciones de gagaku, siendo esta música utilizada por la religión Tenrikyo como parte de sus ceremonias.
Los conjuntos de gagaku contemporáneos, como Reigakusha, desarrollan composiciones contemporáneas para los instrumentos del gagaku. Compositores del siglo XX como Toru Takemitsu ha compuesto trabajos para conjuntos de gagaku, así como para instrumentos individuales utilizados en esta música.
El gagaku, como el shômyô, emplea la escala Yo, una escala pentatónica con intervalos ascendentes de dos, tres, dos, y dos semitonos entre los cinco tonos de la escala.
Instrumentos utilizados en el gagaku
* Hichiriki (篳篥), oboe.
* Ryūteki (龍笛), flauta traversa.
* Sho (笙), organillo de boca.
* Gakubiwa (楽琵琶), laud.
* Gakuso (koto, 箏), cítara de origen chino.
* Wgon (和琴), cítyara de origen japonés.
Influencia en la música occidental
A comienzos del siglo XX, varios compositores clásicos occidentales se interesaron en el gagaku, por lo que muchas de sus composiciones se basaron en este arte. Destacan las obras de Henry Cowell (Ongaku, 1957), Alan Hovhaness (numerosas obras), Olivier Messiaen (Sept haïkaï, 1962), Lou Harrison (Pacifika Rondo, 1963), y Benjamín Britten (Curlew River, 1964).
Uno de los músicos de gagaku más importantes de este período fue Masataro Togi (quién sirvió durante muchos años como principal músico de la corte), quien instruyo a compositores americanos como Alan Hovhaness y Richard Teitelbaum en la ejecución de instrumentos utilizados en el gagaku.
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El nō (能, nō?) es una de las manifestaciones más destacadas del drama musical japonés.
Concepto
Se trata de un drama lírico japonés que tuvo su apogeo en el siglo XVII, época en que datan los primeros textos impresos, atribuidos a Kwanami y a su hijo Zeami (ambos de comienzos del siglo XIV). El Nō procede de las danzas rituales de los templos, de las danzas populares, de los escritos budistas y de la poesía, mitología y leyendas populares japonesas y chinas. En oposición al teatro Kabuki, es un drama aristocrático que sigue teniendo su público en la actualidad y se representa en un cadrilátero elevado y rodeado por dos lados de público. En uno de sus lados hay un balcón con un coro de diez cantantes y en el fondo un estrado para cuatro músicos. No hay telón de fondo y los decorados se reducen a cuatro postes con un tejado para representar un palacio, un templo o cualquier otro lugar. Hay dos actores principales acompañados en algunas escenas, vestidos con gran riqueza. El primer actor lleva máscara durante la danza que constituye el núcleo de la obra. Entre las cinco piezas que constituyen un programa dramático Nō se intercalan interludios cómicos de carácter entremesil o farsesco (Kyogen), representados con trajes corrientes, sin máscaras y con un lenguaje vivo y actualizado. La temática de los dramas nō es solemne y trágica, y siempre alude a algún tipo de redención usando el simbolismo aparente de alguna leyenda o hecho histórico; el lenguaje está muy elaborado, es aristocrático y elevado y abunda en arcaísmos. Un programa Nō contiene cinco piezas y cuatro farsas Kyogen y dura de cuatro a cinco horas.
Su desarrollo se remonta al siglo XIV. Junto con la muy emparentada farsa kyōgen, evolucionó a partir de diversas artes populares y aristocráticas, incluyendo el dengaku, el shirabyoshi y el gagaku. Kan'ami y su hijo Zeami Motokiyo dieron al nō su forma actual durante el período Muromachi. Posteriormente, este estilo influiría en otras formas dramáticas, como el kabuki y el butō.
El nō es único por su lentitud, su gracia austera y por el uso distintivo de máscaras, y representa verdaderamente un rasgo específico de la cultura japonesa, que consiste en encontrar la belleza en la sutileza y formalidad.
Historia
Sarugaku y Dengaku
Hasta el siglo XIV, el nō era conocido como Sarugaku no nō, o simplemente sarugaku. Este último término proviene de sangaku que designa toda la gama de artes del espectáculo, incluida la acrobacia, el malabarismo, la prestidigitación y la pantomima, importada de China. Progresivamente la pantomima cómica se convirtió en la principal atracción produciendo el cambio de nombre (sarugaku puede ser entendido como espectáculo de mímica).
Durante la misma época, las tradiciones y los ritos campesinos habían dado nacimiento al dengaku, conjunto de bailes y rituales destinados a asegurar buenas cosechas y apaciguar a los malos espíritus que eran efectuadas principalmente en los períodos de las cosechas de arroz. Practicadas en conjunto con las prácticas adivinatorias del budismo esotérico, estos rituales tenían el apoyo de grandes señores feudales pertenecientes a grandes templos budistas. Este respaldo acercó a los bailarines dengaku a enfatizar la dimensión dramática de su arte. El kagura, a menudo mencionado como una fuente esencial del nō, es asimismo una forma de dengaku.
Kan'ami y Zeami
La popularidad del dengaku estaba en su apogeo cuando nació Kiyotsugu Kan'ami (1333 - 1384), que en 1345, fue patrocinado por Yoshimitsu Ashikaga, futuro shogun. El apoyo de este poderoso personaje permitió a Kan'ami desarrollar una síntesis de la pantomima sarugaku con los bailes y canciones del dengaku dando como resultado un arte elegante y refinado, adaptado a los gustos de un público aristocrático.
La autoría del nō se debe, sin embargo, al hijo de Kan'ami, Motokiyo Zeami (1363-1443), actor en la compañía de su padre, quien también gozó del favor del shogun. Llevando la estilización más lejos de lo que había hecho su padre, impuso el yūgen, la elegancia tranquila, denotando el espíritu sutil y profundo, y el hana, que indica la novedad, como ideales del nō. Zeami fue al mismo tiempo actor, productor, y autor prolífico, escribiendo cada una de las piezas y manuales teóricos que llegarían a ser las fuentes del nō. Es probable que haya revisado y profundizado la mayoría de las piezas escritas por su padre, como también las obras creadas con anterioridad. Debido a la limitación impuesta por estas nuevas reglas, el aspecto cómico del sarugaku encontró su expresión en la forma cómica del kyōgen cuyas representaciones se vinculan como un contrapunto a las del nō. El ensayo esencial de Zeami es la Transmisión de la flor y el estilo (Fushi Kaden), escrito en 1423, que sigue siendo una obra fundamental para los actores contemporáneos.
Shogunatos y nō
La historia posterior del nō está estrechamente vinculada a sus relaciones con el poder. Así pues, después de la muerte de Kan'ami, tres personas compartieron la dirección del teatro. Él mismo Zeami, su primo On'ami (muerto en 1467) y su hermano adoptivo Zenchiku Konparu (1405 – 1470). Adeptos a un estilo más extravagante que el de Zeami, y sin duda mejores actores, On'ami y Konparu recibieron el favor de los sucesores de Yoshimitsu Ashikaga, los shogun Yoshinori Ashikaga (1394 – 1441) y Yoshimasa Ashikaga (1436 - 1490), mientras que Zeami cayó en desgracia.
La Guerra de Ōnin, que ocasionó el debilitamiento del poder de los shogun, fue un grave golpe para el nō. Con el fin de sobrevivir, los descendientes de On'ami y de Zenkichu Konparu intentaron dirigirse a un público más amplio presentando más acción y a más personajes.
Sin embargo, el renacimiento del nō tuvo lugar bajo los auspicios de Oda Nobunaga (1534 – 1582) y de Toyotomi Hideyoshi (1537 – 1598), este último un gran aficionado al nō, quienes garantizaron la protección de las compañías. Al mismo tiempo, la cultura espléndida de la época Momoyama marcó profundamente al nō, transmitiéndole el gusto por los trajes majestuosos, la forma de las máscaras (empleadas hasta el día de hoy) y la forma del escenario. Es también en esta época que se establece el repertorio del nō.
Esta protección continuó durante el período Edo bajo la autoridad del shogunato Tokugawa, siendo designado ceremonia ritual por el gobierno shogunal. Ya profundamente vinculado a una transmisión familiar, el nō pasó a ser completamente un asunto de familia, donde cada actor debía pertenecer al clan (la adopción de adultos era entonces una práctica corriente, permitiendo de esta forma integrar nuevos actores). Esta evolución debe entenderse en relación con la división de la sociedad en clases cada vez más herméticas que tiene lugar durante esta época.
Elemento esencial del entretenimiento de los shogun y por extensión de los samurai, el nō quedó prácticamente reservado a éstos últimos. Bajo la influencia de este público, las representaciones se hicieron más solemnes y más largas, volviéndose un arte serio que exigía una gran concentración de parte del público.
Hacia el nō contemporáneo
El nō, junto a sus protectores, casi desapareció durante la era Meiji y aunque había perdido el apoyo gubernamental, recibió junto al kyōgen el reconocimiento oficial como dos de las tres formas nacionales de drama. El nō volvería en gracia y majestad a partir de 1912, siendo en esta época, cuando se comienza a utilizar el término nōgaku, para designar el conjunto formado por el nō y el kyōgen, construyéndose además las primeras salas exclusivamente dedicadas a este arte.
De nuevo amenazado, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, el nō consigue sobrevivir y constituye en el siglo XXI una de las artes tradicionales más establecidas y mejor reconocidas. El nō fue la primera forma de arte dramático en inscribirse, en 2001, en la lista del patrimonio mundial intangible de la UNESCO como parte del nōgaku, conjuntamente al kyōgen.
Dramaturgia
Son dramas breves (entre treinta minutos y dos horas): una jornada de nō está formada por cinco partes, de categorías diferentes.
Como fuente importante para el nō (y posteriormente para otras formas dramáticas), se puede mencionar El Cuento de los Heike, un cuento medieval sobre el auge y caída del clan Taira, originalmente cantado por monjes ciegos que se acompañaban con la biwa. Otra fuente mayor es El Cuento de Genji, un trabajo del siglo XI, denominada alguna vez la primera novela del mundo. Los autores también se inspiran en los períodos clásicos japoneses de Nara y Heian, y en fuentes chinas.
El escenario
El escenario procede de un esquema chino: un cuadrilátero vacío de aproximadamente 6 por 6 metros, excepto la kagami-ita (pintura de un pino en el fondo de la escena), abierto sobre tres lados entre las pilastras de Hinoki (ciprés japonés) que señalan los ángulos. Existen variadas explicaciones para la utilización de la pintura del pino en el escenario. Una de las más comunes nos dice que simboliza un medio por el cual las deidades descienden a la tierra en el ritual Shinto. Se dispone de una pequeña puerta para permitir la entrada de los músicos y del coro. El escenario, en altura, siempre se cubre de un techo, incluso en interiores, para reproducir la presentación original que en los antiguos tiempos tenía lugar al aire libre, y se rodea al nivel del suelo de grava blanca en la cual se ubican pequeños pinos al pie de los pilares. Bajo el escenario se encuentra un sistema de jarras de cerámica que amplía los sonidos en las danzas. Los detalles de este sistema son patrimonio de las familias que fabrican el escenario del nō.
El acceso al escenario para los protagonistas se hace por el hashigakari, estrecha pasarela a la izquierda de la escena que representa la unión del mundo de los vivos con el mundo de los muertos, posteriormente evolucionaría en kabuki en el Camino de las flores (hanamichi). Considerado como parte integral del escenario, este camino está bloqueado, por donde entran los actores, por una cortina de cinco colores. El ritmo y la velocidad de apertura de esta cortina da al público indicaciones sobre el ambiente de la escena. La longitud del hashigakari logra unas entradas espectaculares. A lo largo de esta pasarela existen tres pequeños pinos, que además de reforzar una ilusión de lejanía, definen zonas donde el protagonista puede hacer una pausa para decir algunas palabras, antes de su llegada al escenario. Según el lugar determinado donde el protagonista se ha detenido, el público comprende el tipo de papel que interpreta. También, según si el actor va sobre la pasarela más cerca o más distante del público, éste último puede conjeturar el grado de humanidad del papel. Todos estos elementos así como las propiedades de resonancia de la escena obligan a los protagonistas a utilizar un particular paso deslizado, sin choque de los pies sobre el suelo y con las caderas muy bajas (suriashi).
A causa de la amplia apertura del escenario, el público está dispuesto prácticamente sobre tres lados. Por lo tanto, el protagonista debe prestar una atención especial a su colocación. Debido a que las máscaras limitan severamente su campo de visión, el protagonista utiliza los pilares como guías para moverse, ubicándose a la izquierda del escenario.
En contraste con el sencillo escenario, los trajes son majestuosos. Muchos actores, especialmente aquellos en el papel del Shite, usan telas de seda exquisitamente elaboradas y de líneas severamente simples. Los dibujos de los distintos vestuarios, así como el color de éstos son de naturaleza simbólica y se destacan por sus audaces diseños de extravagante belleza y una sensitiva delicadeza de detalle. El uso del color se encuentra predeterminado por la edad y sexo del personaje, mientras la juventud se representa por tonos alegres, rojos y brillantes, la mujer mayor está representada por tonalidades más oscuras y menos llamativas, además el diseño del vestuario permite a los expectadores descubrir las motivaciones o sentimientos que mueven al personaje.
Música y texto
Además de los actores, el escenario está ocupado por cuatro músicos dispuestos en la parte posterior del escenario en un espacio entarimado de 120 cm de profundidad que deben en todo momento realizar movimientos que se encuentren en armonía con la kagami-ita, y un coro de ocho a doce personas que se sitúan al lado derecho en una extensión de aproximadamente 1 metro. La música se produce por medio de tres tipos de tambores de tamaño creciente, que llevan el compás; un tambor al hombro (ko-tsuzumi), cuyo parche requiere húmedad para emitir un tono embozado; un tambor de rodilla (ō-tsuzumi), cuyo parche se seca para emitir un tono alto y estruendoso; y un tambor aplanado (taiko), que marca el ritmo con dos baquetas de ciprés. A esto se suma una flauta de bambú, único instrumento que lleva la melodía, con siete agujeros (fue), construida para hacer sonidos extraños y precarios. Los dos primeros tambores tienen el cuerpo de cerezo, mientras que el tercero es de olmo y sus parches son hechos de cuero de caballo ajustados por cuerdas de lino. La música tiene por función crear el ambiente, a menudo una atmósfera extraña, en particular cuando intervienen elementos sobrenaturales, pero no debe interferir de manera alguna ni sobreponerse a la actuación del bailarín. Debido a que las antiguas máscaras nō se sostenían por la boca y los actores no podían pronunciar texto, era el coro el que antiguamente hablaba en su lugar. Actualmente, el coro se encarga de proporcionar los elementos de narración y de decir las réplicas al actor cuando éste realiza una danza o de ampliar la intensidad dramática de un monólogo. El predominio de las percusiones en la música destaca la importancia fundamental del ritmo en la representación del nō.
El nō, como drama cantado, es considerado por muchos como la ópera japonesa. Sin embargo, el canto en el nō involucra un rango tonal limitado, con largos y repetitivos pasajes en un rango dinámico pequeño. Ciertamente, la melodía no es el centro de la canción del nō. Aunque, los textos son poéticos, utilizan considerablemente el ritmo familiar siete-cinco japonés, que se conoce en el temprano waka y en el posterior haiku, con una economía de expresión y una abundancia de alusiones.
A causa de del establecimiento del repertorio a finales del siglo XVI, el texto está en japonés antiguo, incomprensible para los japoneses contemporáneos, por lo que la mayoría de las salas proponen traducciones del texto.
Actores
Existen cuatro categorías mayores de actores en el nō y ocho categorías principales de papeles:
* Shitekata: corresponde al tipo de actor de obras más representado. Estos actores interpretan distintos papeles, Shite (actor principal), Tsure (acompañante del shite), Jiutai (coro, usualmente 6-8 actores) y Koken (ayudantes de escena, usualmente 2-3 actores).
* Wakikata, personifica los papeles de waki, personaje secundario que son la contraparte del Shite.
* Kyogenkata, estilo de obra reservado a los actores que desempeñan los papeles populares en el repertorio del nō y toda la distribución de las piezas kyōgen (representadas como intermedio entre dos obras nō).
* Hayashikata, son los instrumentistas que tocan los cuatro instrumentos utilizados en el nō.
Los actores que interpretaran papeles de shite y waki son instruidos separadamente, bajo la dirección de profesores diferentes. Es imposible pasar de una categoría a otra, lo que aumenta el contraste, en la obra, entre los dos tipos de protagonistas.
El Shite
El shite es el actor que interpreta al personaje principal de la obra y quien ejecuta las danzas. Debe poder interpretar una extensa gama de personajes, yendo de niño a dios, pasando por anciano o mujer. Todos los actores son hombres y la naturaleza de un personaje es señalada por su traje, muy elaborado, y sobre todo por su máscara, más pequeña que el tamaño real. Sólo los actores shite se ponen máscaras, siendo capaces de concentrar la esencia del personaje que interpretan y de esta forma alcanzar una mayor profundidad emocional. Cuando el personaje es un hombre de edad madura, el shite actúa sin máscara. Debe entonces guardar una cara severamente inexpresiva, al igual que las otros personajes presentes sobre escena, y actuar como si llevara una máscara (hitamen).
El actor implicado como shite puede también verse obligado a actuar como personaje secundario cuando éstos son mujeres, niños, animales o seres sobrenaturales.
El Waki
El papel esencial del waki es interrogar al shite para darle una razón para efectuar su danza y de vincular a las criaturas de otro mundo representadas por el shite con el mundo real. Actuando sin máscara, el waki es un humano varón que vive en el presente en el momento de la pieza. Puede tratarse de un aristócrata, cortesano, enviado, sacerdote, monje, samurai o de un hombre del pueblo. Su función social es indicada por su traje.
Piezas
Una típica representación de nō involucra todas las categorías de actores. Existen aproximadamente 250 obras que son desarrolladas en el repertorio actual las cuales pueden ser distribuidas en dos grupos según su realismo, o en seis categorías organizadas en líneas genereales por tema. Esto último influirá sobre el momento en que una obra se representa durante una jornada tradicional de nō, que esta compuesta por una obra de cada una de las categorías.
Genzai nō y mugen nō
El genzai nō designa las partes realistas. El personaje principal es entonces un ser humano vivo, y la historia se desarrolla en tiempo real. La obra se centra en torno a los sentimientos del personaje, siempre en una situación dramática. El diálogo hablado constituye el medio esencial de la exposición.
El mugen nō, por otro lado, es un ruego a criaturas imaginarias, divinidades, fantasmas o demonios. Estas criaturas siempre son actuadas por el shite. Las obras se dividen entonces en dos actos. En el primero, la criatura se le aparece al waki, que ha venido a visitar un lugar consagrado o famoso, bajo el aspecto de un ser humano. Durante el segundo, se revela y realiza una danza. Este segundo acto se supone que se desarrolla en un sueño o en una visión del waki, de ahí el nombre de mugen, que designa este tipo de experiencia.
El tema de los mugen nō hace generalmente referencia a una leyenda o a un obra literaria. Escrito en una lengua anticuada y poética, el texto se canta según entonaciones obedeciendo a normas estrictas de kata (formas impuestas por la tradición). Del mismo modo, los protagonistas adoptan para este tipo de obras un paso deslizado característico, y se codifican mucho los propios movimientos de las danzas. Esta estilización extrema reparte a cada movimiento y entonación un significado convencional propio.
La puesta a punto de las características esenciales del mugen nō se asigna a Zeami. Más que intentar reconstruir la belleza sobre la escena, su objetivo es suscitar en la audiencia un estado de ánimo consustancial a la contemplación de la belleza, su referencia es el sentimiento experimentado ante la belleza de una flor.
Los seis tipos de obras
Como se mencionó, las obras de nō generalmente se clasifican por tema, que regulan su orden de representación. Este orden constituye una herencia del tiempo del shogunato Tokugawa:
* Okina/Kamiuta
* 1ª Categoría: Obras de Divinidades
* 2ª Categoría: Obras de Guerreros
* 3ª Categoría: Obras de Mujeres
* 4ª Categoría: Obras Misceláneas
* 5ª Categoría: Obras de Demonios
Okina/Kamiuta
Se trata de una obra única que combina danza y ritual shinto. En todo rigor, no se trata de nō, pero es una ceremonia religiosa que utiliza el mismo repertorio de técnicas que el nō y el kyōgen. Representa la bendición concedida por una divinidad a la asistencia. La máscara es entonces un objeto religioso en pleno derecho.
Estas obras también se conocen bajo el nombre de Sanban, "los tres rituales", en referencia a las tres partes esenciales Chichi-no-jo, Okina, y Kyōgen Sanba-Sarugaku. El papel principal lo ejecuta un actor de nô y el papel secundario es realizado por un actor de kyōgen.
Estas obras no forman parte de las jornadas de nō y se realizan con motivo del año nuevo o como representaciones especiales, presentándose siempre al principio del programa.
Nō de divinidades
Llamadas también waki nō, tienen un divinidad como personaje principal. Típicamente, el primer acto es el encuentro de un sacerdote con otro personaje en un lugar famoso o en marcha hacia tal lugar. Al final del acto, el otro personaje se revela una divinidad. Ésta, o un divinidad vinculada, vuelve de nuevo durante el segundo acto para realizar una danza y bendecir la asistencia, un templo o las cosechas. Ejemplos de obras: El Viejo Pino, Los Dos Pinos, Po Chu-i, El Arco del templo de Hachiman, La Diosa de los cerezos, La Reina-madre del Oeste, Kamo, Los Dioses del templo de Shirahige, La Isla de los bambúes de la diosa Benten, etc.
Nō de guerreros
En japonés shura-nō, estas obras se centran en torno al espíritu de guerreros muertos caídos en el infierno después de su muerte. Vuelven entonces para contar la vida durante el ashura (infierno de la guerra), o su última batalla. Ejemplos de obras: El General Tamura-maru, Yoshitsune en Yashima, El Carcaj de Kagetsue, El Belicoso Michimori, El Ahogamiento de Kyotsune, El Viejo Sanemori, Minamoto no Yorimasa, La Dama Tomoe.
Nō de mujeres
Llamadas «nō de mujeres» o «nō con peluca» (kazura-nō), estas obras se desarrollan en torno al espíritu de mujeres hermosas, de jóvenes nobles, o incluso de plantas o diosas. El momento esencial de estas obras es una danza graciosa.
Nō misceláneas
Esta categoría agrupa las obras nō que no pertenecen a los otros grupos. Representan en general a un personaje femenino que cae en la locura, por celos o a raíz de la muerte de un ser querido.
Nō de demonios
También llamadas «nô del final» (kiri nō), estas obras incluyen a un personaje sobrenatural, un demonio, rey-dragón u otro espíritu de este tipo, aunque el personaje central de algunas sea un joven simplemente noble. Estas partes tienen un ritmo más rápido, apoyado por la utilización del tambor aplanado (taiko). Una rítmica danza constituye su punto culminante, que es también el fin de la jornada de nō.
El nō en el siglo XXI
Existen alrededor de 1500 actores profesionales de nō en Japón, y esta forma de arte está empezando a crecer nuevamente. Contrariamente al kabuki, que siempre ha sido muy popular, el nō poco a poco se volvió una representación sólo para una determinada elite intelectual. Las cinco escuelas existentes de actuación nō son: Kanze (観世), Hosho (宝生), fundada en el siglo XIV, Komparu (金春), Kita (喜多), y Kongo (金剛). Cada escuela tiene una familia principal conocido como Sō-ke, y la cabeza de cada familia tiene el derecho de crear las nuevas obras o revisar las piezas existentes. La sociedad de actores de nō es totalmente feudalista, y estrictamente protege las tradiciones heredadas de sus antepasados.
Obras nō famosas
(Categorizada según la escuela Kanze)
* Aoi no uye--"La Dama de la Corte Aoi" (Categoría 4)
* Dojoji--"Dojoji" (Categoría 4)
* Hagoromo --"El Manto de Pluma" (Categoría 3)
* Izutsu -- (Categoría 3)
* Matsukaze -- (Categoría 3)
* Sekidera Komachi -- Komachi a Sekidera (Categoría 3)
* Shakkyo --"El Puente de la Piedra" (Categoría 5)
* Shojo --"El Elfo de Tippling" (Categoría 3)
* Yorimasa --"Yorimasa" (Categoría 2)
* Yuya --"Yuya" (Categoría 3)
Máscaras en las obras nō
Todas las máscaras utilizadas en las representaciones de nō (能面 nō-men o 面 omote, característica) tienen nombre.
Usualmente sólo el Shite, el actor principal, lleva máscara. Sin embargo, en algunos casos los Tsure pueden también llevarlas, en particular para roles femeninos. Las máscaras nō son usadas para representar a un personaje femenino o no humano (divino, demoniáco o animal), existiendo también máscaras para representar jóvenes o ancianos. Por otra parte, los actores de nō que no llevan máscara repersentan el rol de adultos alrededor de los veinte, treinta o cuarenta años de edad. El waki, tampoco lleva máscara.
Cuando son usadas por un actor experimentado, las máscaras nō poseen la habilidad de representar distintas emociones de acuerdo a la postura de la cabeza y a la iluminación. Una máscara inanimada puede tener apariencia de felicidad, tristeza o una variedad de sutiles expresiones. Estudios realizados por Michael J. Lyons del ATR Intelligent Robotics and Communication Labs en Kyoto, Japón, y Ruth Campbell, del University College London, han explorado este notable aspecto de las máscaras.
Influencia en el teatro occidental
La apertura de Japón, al final del siglo XIX, suscita el interés de varios artistas occidentales. En 1921, el poeta Paul Claudel, a la sazón embajador de Francia en Japón, quedó impresionado por la estructura dramática del nō y su musicalidad. Esta idea queda expuesta en algunos de sus textos críticos como El Nō y El Drama y la música. La influencia que el teatro nō pudo tener sobre la dramaturgia misma de Claudel es sobre todo formal. Al mismo tiempo en Irlanda, Yeats, Premio Nobel de literatura en 1923, se inicia en el nō y se impregna de todo su arte. Stanislavski o Meyerhold examinan también la dramaturgia japonesa, y hacen algunas experiencias de puesta en escena, pero inspirándose más bien en el kabuki por su aspecto más coloreado y exóticamente espectacular. Bertold Brecht, después de haberse apasionado por el teatro chino, adapta en 1930 una obra nō : Taniko, bajo el título Der Ja-sager (aquél que dice sí).
Más recientemente, los nō modernos de Yukio Mishima, gracias a la traducción francesa de Marguerite Yourcenar, dieron a conocer a la opinión pública algunos elementos esenciales del nō, como los "fantasmas vivos" o las metamorfosis animales.
Actualmente en Suiza, el director de teatro Armen Godel, apasionado del nō y traductor del japonés, monta en particular obras de Racine, Corneille o bien del mismo Mishima, impregnándolos del yūgen (palabra típica del 'nō' que René Sieffert traduce como encanto sutil). En Francia, desde 1980, la puesta en escena por el director de teatro Junji Fuseya inicia a artistas occidentales a la técnica adaptada de su propia formación tradicional de nō y kyōgen. Es necesario tener en cuenta aún la inspiración que ciertamente Peter Brook encontró en Yoshi Oida, con el cual trabajó de numerosos años.
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Noh Theater
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nō (能) noh
El nō (能, nō?) es una de las manifestaciones más destacadas del drama musical japonés.Concepto
Se trata de un drama lírico japonés que tuvo su apogeo en el siglo XVII, época en que datan los primeros textos impresos, atribuidos a Kwanami y a su hijo Zeami (ambos de comienzos del siglo XIV). El Nō procede de las danzas rituales de los templos, de las danzas populares, de los escritos budistas y de la poesía, mitología y leyendas populares japonesas y chinas. En oposición al teatro Kabuki, es un drama aristocrático que sigue teniendo su público en la actualidad y se representa en un cadrilátero elevado y rodeado por dos lados de público. En uno de sus lados hay un balcón con un coro de diez cantantes y en el fondo un estrado para cuatro músicos. No hay telón de fondo y los decorados se reducen a cuatro postes con un tejado para representar un palacio, un templo o cualquier otro lugar. Hay dos actores principales acompañados en algunas escenas, vestidos con gran riqueza. El primer actor lleva máscara durante la danza que constituye el núcleo de la obra. Entre las cinco piezas que constituyen un programa dramático Nō se intercalan interludios cómicos de carácter entremesil o farsesco (Kyogen), representados con trajes corrientes, sin máscaras y con un lenguaje vivo y actualizado. La temática de los dramas nō es solemne y trágica, y siempre alude a algún tipo de redención usando el simbolismo aparente de alguna leyenda o hecho histórico; el lenguaje está muy elaborado, es aristocrático y elevado y abunda en arcaísmos. Un programa Nō contiene cinco piezas y cuatro farsas Kyogen y dura de cuatro a cinco horas.
Su desarrollo se remonta al siglo XIV. Junto con la muy emparentada farsa kyōgen, evolucionó a partir de diversas artes populares y aristocráticas, incluyendo el dengaku, el shirabyoshi y el gagaku. Kan'ami y su hijo Zeami Motokiyo dieron al nō su forma actual durante el período Muromachi. Posteriormente, este estilo influiría en otras formas dramáticas, como el kabuki y el butō.
El nō es único por su lentitud, su gracia austera y por el uso distintivo de máscaras, y representa verdaderamente un rasgo específico de la cultura japonesa, que consiste en encontrar la belleza en la sutileza y formalidad.
Historia
Sarugaku y Dengaku
Hasta el siglo XIV, el nō era conocido como Sarugaku no nō, o simplemente sarugaku. Este último término proviene de sangaku que designa toda la gama de artes del espectáculo, incluida la acrobacia, el malabarismo, la prestidigitación y la pantomima, importada de China. Progresivamente la pantomima cómica se convirtió en la principal atracción produciendo el cambio de nombre (sarugaku puede ser entendido como espectáculo de mímica).
Durante la misma época, las tradiciones y los ritos campesinos habían dado nacimiento al dengaku, conjunto de bailes y rituales destinados a asegurar buenas cosechas y apaciguar a los malos espíritus que eran efectuadas principalmente en los períodos de las cosechas de arroz. Practicadas en conjunto con las prácticas adivinatorias del budismo esotérico, estos rituales tenían el apoyo de grandes señores feudales pertenecientes a grandes templos budistas. Este respaldo acercó a los bailarines dengaku a enfatizar la dimensión dramática de su arte. El kagura, a menudo mencionado como una fuente esencial del nō, es asimismo una forma de dengaku.
Kan'ami y Zeami
La popularidad del dengaku estaba en su apogeo cuando nació Kiyotsugu Kan'ami (1333 - 1384), que en 1345, fue patrocinado por Yoshimitsu Ashikaga, futuro shogun. El apoyo de este poderoso personaje permitió a Kan'ami desarrollar una síntesis de la pantomima sarugaku con los bailes y canciones del dengaku dando como resultado un arte elegante y refinado, adaptado a los gustos de un público aristocrático.
La autoría del nō se debe, sin embargo, al hijo de Kan'ami, Motokiyo Zeami (1363-1443), actor en la compañía de su padre, quien también gozó del favor del shogun. Llevando la estilización más lejos de lo que había hecho su padre, impuso el yūgen, la elegancia tranquila, denotando el espíritu sutil y profundo, y el hana, que indica la novedad, como ideales del nō. Zeami fue al mismo tiempo actor, productor, y autor prolífico, escribiendo cada una de las piezas y manuales teóricos que llegarían a ser las fuentes del nō. Es probable que haya revisado y profundizado la mayoría de las piezas escritas por su padre, como también las obras creadas con anterioridad. Debido a la limitación impuesta por estas nuevas reglas, el aspecto cómico del sarugaku encontró su expresión en la forma cómica del kyōgen cuyas representaciones se vinculan como un contrapunto a las del nō. El ensayo esencial de Zeami es la Transmisión de la flor y el estilo (Fushi Kaden), escrito en 1423, que sigue siendo una obra fundamental para los actores contemporáneos.
Shogunatos y nō
La historia posterior del nō está estrechamente vinculada a sus relaciones con el poder. Así pues, después de la muerte de Kan'ami, tres personas compartieron la dirección del teatro. Él mismo Zeami, su primo On'ami (muerto en 1467) y su hermano adoptivo Zenchiku Konparu (1405 – 1470). Adeptos a un estilo más extravagante que el de Zeami, y sin duda mejores actores, On'ami y Konparu recibieron el favor de los sucesores de Yoshimitsu Ashikaga, los shogun Yoshinori Ashikaga (1394 – 1441) y Yoshimasa Ashikaga (1436 - 1490), mientras que Zeami cayó en desgracia.
La Guerra de Ōnin, que ocasionó el debilitamiento del poder de los shogun, fue un grave golpe para el nō. Con el fin de sobrevivir, los descendientes de On'ami y de Zenkichu Konparu intentaron dirigirse a un público más amplio presentando más acción y a más personajes.
Sin embargo, el renacimiento del nō tuvo lugar bajo los auspicios de Oda Nobunaga (1534 – 1582) y de Toyotomi Hideyoshi (1537 – 1598), este último un gran aficionado al nō, quienes garantizaron la protección de las compañías. Al mismo tiempo, la cultura espléndida de la época Momoyama marcó profundamente al nō, transmitiéndole el gusto por los trajes majestuosos, la forma de las máscaras (empleadas hasta el día de hoy) y la forma del escenario. Es también en esta época que se establece el repertorio del nō.
Esta protección continuó durante el período Edo bajo la autoridad del shogunato Tokugawa, siendo designado ceremonia ritual por el gobierno shogunal. Ya profundamente vinculado a una transmisión familiar, el nō pasó a ser completamente un asunto de familia, donde cada actor debía pertenecer al clan (la adopción de adultos era entonces una práctica corriente, permitiendo de esta forma integrar nuevos actores). Esta evolución debe entenderse en relación con la división de la sociedad en clases cada vez más herméticas que tiene lugar durante esta época.
Elemento esencial del entretenimiento de los shogun y por extensión de los samurai, el nō quedó prácticamente reservado a éstos últimos. Bajo la influencia de este público, las representaciones se hicieron más solemnes y más largas, volviéndose un arte serio que exigía una gran concentración de parte del público.
Hacia el nō contemporáneo
El nō, junto a sus protectores, casi desapareció durante la era Meiji y aunque había perdido el apoyo gubernamental, recibió junto al kyōgen el reconocimiento oficial como dos de las tres formas nacionales de drama. El nō volvería en gracia y majestad a partir de 1912, siendo en esta época, cuando se comienza a utilizar el término nōgaku, para designar el conjunto formado por el nō y el kyōgen, construyéndose además las primeras salas exclusivamente dedicadas a este arte.
De nuevo amenazado, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, el nō consigue sobrevivir y constituye en el siglo XXI una de las artes tradicionales más establecidas y mejor reconocidas. El nō fue la primera forma de arte dramático en inscribirse, en 2001, en la lista del patrimonio mundial intangible de la UNESCO como parte del nōgaku, conjuntamente al kyōgen.
Dramaturgia
Son dramas breves (entre treinta minutos y dos horas): una jornada de nō está formada por cinco partes, de categorías diferentes.
Como fuente importante para el nō (y posteriormente para otras formas dramáticas), se puede mencionar El Cuento de los Heike, un cuento medieval sobre el auge y caída del clan Taira, originalmente cantado por monjes ciegos que se acompañaban con la biwa. Otra fuente mayor es El Cuento de Genji, un trabajo del siglo XI, denominada alguna vez la primera novela del mundo. Los autores también se inspiran en los períodos clásicos japoneses de Nara y Heian, y en fuentes chinas.
El escenario
El escenario procede de un esquema chino: un cuadrilátero vacío de aproximadamente 6 por 6 metros, excepto la kagami-ita (pintura de un pino en el fondo de la escena), abierto sobre tres lados entre las pilastras de Hinoki (ciprés japonés) que señalan los ángulos. Existen variadas explicaciones para la utilización de la pintura del pino en el escenario. Una de las más comunes nos dice que simboliza un medio por el cual las deidades descienden a la tierra en el ritual Shinto. Se dispone de una pequeña puerta para permitir la entrada de los músicos y del coro. El escenario, en altura, siempre se cubre de un techo, incluso en interiores, para reproducir la presentación original que en los antiguos tiempos tenía lugar al aire libre, y se rodea al nivel del suelo de grava blanca en la cual se ubican pequeños pinos al pie de los pilares. Bajo el escenario se encuentra un sistema de jarras de cerámica que amplía los sonidos en las danzas. Los detalles de este sistema son patrimonio de las familias que fabrican el escenario del nō.
El acceso al escenario para los protagonistas se hace por el hashigakari, estrecha pasarela a la izquierda de la escena que representa la unión del mundo de los vivos con el mundo de los muertos, posteriormente evolucionaría en kabuki en el Camino de las flores (hanamichi). Considerado como parte integral del escenario, este camino está bloqueado, por donde entran los actores, por una cortina de cinco colores. El ritmo y la velocidad de apertura de esta cortina da al público indicaciones sobre el ambiente de la escena. La longitud del hashigakari logra unas entradas espectaculares. A lo largo de esta pasarela existen tres pequeños pinos, que además de reforzar una ilusión de lejanía, definen zonas donde el protagonista puede hacer una pausa para decir algunas palabras, antes de su llegada al escenario. Según el lugar determinado donde el protagonista se ha detenido, el público comprende el tipo de papel que interpreta. También, según si el actor va sobre la pasarela más cerca o más distante del público, éste último puede conjeturar el grado de humanidad del papel. Todos estos elementos así como las propiedades de resonancia de la escena obligan a los protagonistas a utilizar un particular paso deslizado, sin choque de los pies sobre el suelo y con las caderas muy bajas (suriashi).A causa de la amplia apertura del escenario, el público está dispuesto prácticamente sobre tres lados. Por lo tanto, el protagonista debe prestar una atención especial a su colocación. Debido a que las máscaras limitan severamente su campo de visión, el protagonista utiliza los pilares como guías para moverse, ubicándose a la izquierda del escenario.
En contraste con el sencillo escenario, los trajes son majestuosos. Muchos actores, especialmente aquellos en el papel del Shite, usan telas de seda exquisitamente elaboradas y de líneas severamente simples. Los dibujos de los distintos vestuarios, así como el color de éstos son de naturaleza simbólica y se destacan por sus audaces diseños de extravagante belleza y una sensitiva delicadeza de detalle. El uso del color se encuentra predeterminado por la edad y sexo del personaje, mientras la juventud se representa por tonos alegres, rojos y brillantes, la mujer mayor está representada por tonalidades más oscuras y menos llamativas, además el diseño del vestuario permite a los expectadores descubrir las motivaciones o sentimientos que mueven al personaje.
Música y texto
Además de los actores, el escenario está ocupado por cuatro músicos dispuestos en la parte posterior del escenario en un espacio entarimado de 120 cm de profundidad que deben en todo momento realizar movimientos que se encuentren en armonía con la kagami-ita, y un coro de ocho a doce personas que se sitúan al lado derecho en una extensión de aproximadamente 1 metro. La música se produce por medio de tres tipos de tambores de tamaño creciente, que llevan el compás; un tambor al hombro (ko-tsuzumi), cuyo parche requiere húmedad para emitir un tono embozado; un tambor de rodilla (ō-tsuzumi), cuyo parche se seca para emitir un tono alto y estruendoso; y un tambor aplanado (taiko), que marca el ritmo con dos baquetas de ciprés. A esto se suma una flauta de bambú, único instrumento que lleva la melodía, con siete agujeros (fue), construida para hacer sonidos extraños y precarios. Los dos primeros tambores tienen el cuerpo de cerezo, mientras que el tercero es de olmo y sus parches son hechos de cuero de caballo ajustados por cuerdas de lino. La música tiene por función crear el ambiente, a menudo una atmósfera extraña, en particular cuando intervienen elementos sobrenaturales, pero no debe interferir de manera alguna ni sobreponerse a la actuación del bailarín. Debido a que las antiguas máscaras nō se sostenían por la boca y los actores no podían pronunciar texto, era el coro el que antiguamente hablaba en su lugar. Actualmente, el coro se encarga de proporcionar los elementos de narración y de decir las réplicas al actor cuando éste realiza una danza o de ampliar la intensidad dramática de un monólogo. El predominio de las percusiones en la música destaca la importancia fundamental del ritmo en la representación del nō.
El nō, como drama cantado, es considerado por muchos como la ópera japonesa. Sin embargo, el canto en el nō involucra un rango tonal limitado, con largos y repetitivos pasajes en un rango dinámico pequeño. Ciertamente, la melodía no es el centro de la canción del nō. Aunque, los textos son poéticos, utilizan considerablemente el ritmo familiar siete-cinco japonés, que se conoce en el temprano waka y en el posterior haiku, con una economía de expresión y una abundancia de alusiones.
A causa de del establecimiento del repertorio a finales del siglo XVI, el texto está en japonés antiguo, incomprensible para los japoneses contemporáneos, por lo que la mayoría de las salas proponen traducciones del texto.
Actores
Existen cuatro categorías mayores de actores en el nō y ocho categorías principales de papeles:
* Shitekata: corresponde al tipo de actor de obras más representado. Estos actores interpretan distintos papeles, Shite (actor principal), Tsure (acompañante del shite), Jiutai (coro, usualmente 6-8 actores) y Koken (ayudantes de escena, usualmente 2-3 actores).
* Wakikata, personifica los papeles de waki, personaje secundario que son la contraparte del Shite.
* Kyogenkata, estilo de obra reservado a los actores que desempeñan los papeles populares en el repertorio del nō y toda la distribución de las piezas kyōgen (representadas como intermedio entre dos obras nō).
* Hayashikata, son los instrumentistas que tocan los cuatro instrumentos utilizados en el nō.
Los actores que interpretaran papeles de shite y waki son instruidos separadamente, bajo la dirección de profesores diferentes. Es imposible pasar de una categoría a otra, lo que aumenta el contraste, en la obra, entre los dos tipos de protagonistas.
El Shite
El shite es el actor que interpreta al personaje principal de la obra y quien ejecuta las danzas. Debe poder interpretar una extensa gama de personajes, yendo de niño a dios, pasando por anciano o mujer. Todos los actores son hombres y la naturaleza de un personaje es señalada por su traje, muy elaborado, y sobre todo por su máscara, más pequeña que el tamaño real. Sólo los actores shite se ponen máscaras, siendo capaces de concentrar la esencia del personaje que interpretan y de esta forma alcanzar una mayor profundidad emocional. Cuando el personaje es un hombre de edad madura, el shite actúa sin máscara. Debe entonces guardar una cara severamente inexpresiva, al igual que las otros personajes presentes sobre escena, y actuar como si llevara una máscara (hitamen).
El actor implicado como shite puede también verse obligado a actuar como personaje secundario cuando éstos son mujeres, niños, animales o seres sobrenaturales.
El Waki
El papel esencial del waki es interrogar al shite para darle una razón para efectuar su danza y de vincular a las criaturas de otro mundo representadas por el shite con el mundo real. Actuando sin máscara, el waki es un humano varón que vive en el presente en el momento de la pieza. Puede tratarse de un aristócrata, cortesano, enviado, sacerdote, monje, samurai o de un hombre del pueblo. Su función social es indicada por su traje.
Piezas
Una típica representación de nō involucra todas las categorías de actores. Existen aproximadamente 250 obras que son desarrolladas en el repertorio actual las cuales pueden ser distribuidas en dos grupos según su realismo, o en seis categorías organizadas en líneas genereales por tema. Esto último influirá sobre el momento en que una obra se representa durante una jornada tradicional de nō, que esta compuesta por una obra de cada una de las categorías.
Genzai nō y mugen nō
El genzai nō designa las partes realistas. El personaje principal es entonces un ser humano vivo, y la historia se desarrolla en tiempo real. La obra se centra en torno a los sentimientos del personaje, siempre en una situación dramática. El diálogo hablado constituye el medio esencial de la exposición.
El mugen nō, por otro lado, es un ruego a criaturas imaginarias, divinidades, fantasmas o demonios. Estas criaturas siempre son actuadas por el shite. Las obras se dividen entonces en dos actos. En el primero, la criatura se le aparece al waki, que ha venido a visitar un lugar consagrado o famoso, bajo el aspecto de un ser humano. Durante el segundo, se revela y realiza una danza. Este segundo acto se supone que se desarrolla en un sueño o en una visión del waki, de ahí el nombre de mugen, que designa este tipo de experiencia.
El tema de los mugen nō hace generalmente referencia a una leyenda o a un obra literaria. Escrito en una lengua anticuada y poética, el texto se canta según entonaciones obedeciendo a normas estrictas de kata (formas impuestas por la tradición). Del mismo modo, los protagonistas adoptan para este tipo de obras un paso deslizado característico, y se codifican mucho los propios movimientos de las danzas. Esta estilización extrema reparte a cada movimiento y entonación un significado convencional propio.
La puesta a punto de las características esenciales del mugen nō se asigna a Zeami. Más que intentar reconstruir la belleza sobre la escena, su objetivo es suscitar en la audiencia un estado de ánimo consustancial a la contemplación de la belleza, su referencia es el sentimiento experimentado ante la belleza de una flor.
Los seis tipos de obras
Como se mencionó, las obras de nō generalmente se clasifican por tema, que regulan su orden de representación. Este orden constituye una herencia del tiempo del shogunato Tokugawa:
* Okina/Kamiuta
* 1ª Categoría: Obras de Divinidades
* 2ª Categoría: Obras de Guerreros
* 3ª Categoría: Obras de Mujeres
* 4ª Categoría: Obras Misceláneas
* 5ª Categoría: Obras de Demonios
Okina/Kamiuta
Se trata de una obra única que combina danza y ritual shinto. En todo rigor, no se trata de nō, pero es una ceremonia religiosa que utiliza el mismo repertorio de técnicas que el nō y el kyōgen. Representa la bendición concedida por una divinidad a la asistencia. La máscara es entonces un objeto religioso en pleno derecho.
Estas obras también se conocen bajo el nombre de Sanban, "los tres rituales", en referencia a las tres partes esenciales Chichi-no-jo, Okina, y Kyōgen Sanba-Sarugaku. El papel principal lo ejecuta un actor de nô y el papel secundario es realizado por un actor de kyōgen.
Estas obras no forman parte de las jornadas de nō y se realizan con motivo del año nuevo o como representaciones especiales, presentándose siempre al principio del programa.
Nō de divinidades
Llamadas también waki nō, tienen un divinidad como personaje principal. Típicamente, el primer acto es el encuentro de un sacerdote con otro personaje en un lugar famoso o en marcha hacia tal lugar. Al final del acto, el otro personaje se revela una divinidad. Ésta, o un divinidad vinculada, vuelve de nuevo durante el segundo acto para realizar una danza y bendecir la asistencia, un templo o las cosechas. Ejemplos de obras: El Viejo Pino, Los Dos Pinos, Po Chu-i, El Arco del templo de Hachiman, La Diosa de los cerezos, La Reina-madre del Oeste, Kamo, Los Dioses del templo de Shirahige, La Isla de los bambúes de la diosa Benten, etc.
Nō de guerreros
En japonés shura-nō, estas obras se centran en torno al espíritu de guerreros muertos caídos en el infierno después de su muerte. Vuelven entonces para contar la vida durante el ashura (infierno de la guerra), o su última batalla. Ejemplos de obras: El General Tamura-maru, Yoshitsune en Yashima, El Carcaj de Kagetsue, El Belicoso Michimori, El Ahogamiento de Kyotsune, El Viejo Sanemori, Minamoto no Yorimasa, La Dama Tomoe.
Nō de mujeres
Llamadas «nō de mujeres» o «nō con peluca» (kazura-nō), estas obras se desarrollan en torno al espíritu de mujeres hermosas, de jóvenes nobles, o incluso de plantas o diosas. El momento esencial de estas obras es una danza graciosa.
Nō misceláneas
Esta categoría agrupa las obras nō que no pertenecen a los otros grupos. Representan en general a un personaje femenino que cae en la locura, por celos o a raíz de la muerte de un ser querido.
Nō de demonios
También llamadas «nô del final» (kiri nō), estas obras incluyen a un personaje sobrenatural, un demonio, rey-dragón u otro espíritu de este tipo, aunque el personaje central de algunas sea un joven simplemente noble. Estas partes tienen un ritmo más rápido, apoyado por la utilización del tambor aplanado (taiko). Una rítmica danza constituye su punto culminante, que es también el fin de la jornada de nō.
El nō en el siglo XXI
Existen alrededor de 1500 actores profesionales de nō en Japón, y esta forma de arte está empezando a crecer nuevamente. Contrariamente al kabuki, que siempre ha sido muy popular, el nō poco a poco se volvió una representación sólo para una determinada elite intelectual. Las cinco escuelas existentes de actuación nō son: Kanze (観世), Hosho (宝生), fundada en el siglo XIV, Komparu (金春), Kita (喜多), y Kongo (金剛). Cada escuela tiene una familia principal conocido como Sō-ke, y la cabeza de cada familia tiene el derecho de crear las nuevas obras o revisar las piezas existentes. La sociedad de actores de nō es totalmente feudalista, y estrictamente protege las tradiciones heredadas de sus antepasados.
Obras nō famosas
(Categorizada según la escuela Kanze)
* Aoi no uye--"La Dama de la Corte Aoi" (Categoría 4)
* Dojoji--"Dojoji" (Categoría 4)
* Hagoromo --"El Manto de Pluma" (Categoría 3)
* Izutsu -- (Categoría 3)
* Matsukaze -- (Categoría 3)
* Sekidera Komachi -- Komachi a Sekidera (Categoría 3)
* Shakkyo --"El Puente de la Piedra" (Categoría 5)
* Shojo --"El Elfo de Tippling" (Categoría 3)
* Yorimasa --"Yorimasa" (Categoría 2)
* Yuya --"Yuya" (Categoría 3)
Máscaras en las obras nō
Todas las máscaras utilizadas en las representaciones de nō (能面 nō-men o 面 omote, característica) tienen nombre.Usualmente sólo el Shite, el actor principal, lleva máscara. Sin embargo, en algunos casos los Tsure pueden también llevarlas, en particular para roles femeninos. Las máscaras nō son usadas para representar a un personaje femenino o no humano (divino, demoniáco o animal), existiendo también máscaras para representar jóvenes o ancianos. Por otra parte, los actores de nō que no llevan máscara repersentan el rol de adultos alrededor de los veinte, treinta o cuarenta años de edad. El waki, tampoco lleva máscara.
Cuando son usadas por un actor experimentado, las máscaras nō poseen la habilidad de representar distintas emociones de acuerdo a la postura de la cabeza y a la iluminación. Una máscara inanimada puede tener apariencia de felicidad, tristeza o una variedad de sutiles expresiones. Estudios realizados por Michael J. Lyons del ATR Intelligent Robotics and Communication Labs en Kyoto, Japón, y Ruth Campbell, del University College London, han explorado este notable aspecto de las máscaras.
Influencia en el teatro occidental La apertura de Japón, al final del siglo XIX, suscita el interés de varios artistas occidentales. En 1921, el poeta Paul Claudel, a la sazón embajador de Francia en Japón, quedó impresionado por la estructura dramática del nō y su musicalidad. Esta idea queda expuesta en algunos de sus textos críticos como El Nō y El Drama y la música. La influencia que el teatro nō pudo tener sobre la dramaturgia misma de Claudel es sobre todo formal. Al mismo tiempo en Irlanda, Yeats, Premio Nobel de literatura en 1923, se inicia en el nō y se impregna de todo su arte. Stanislavski o Meyerhold examinan también la dramaturgia japonesa, y hacen algunas experiencias de puesta en escena, pero inspirándose más bien en el kabuki por su aspecto más coloreado y exóticamente espectacular. Bertold Brecht, después de haberse apasionado por el teatro chino, adapta en 1930 una obra nō : Taniko, bajo el título Der Ja-sager (aquél que dice sí).
Más recientemente, los nō modernos de Yukio Mishima, gracias a la traducción francesa de Marguerite Yourcenar, dieron a conocer a la opinión pública algunos elementos esenciales del nō, como los "fantasmas vivos" o las metamorfosis animales.
Actualmente en Suiza, el director de teatro Armen Godel, apasionado del nō y traductor del japonés, monta en particular obras de Racine, Corneille o bien del mismo Mishima, impregnándolos del yūgen (palabra típica del 'nō' que René Sieffert traduce como encanto sutil). En Francia, desde 1980, la puesta en escena por el director de teatro Junji Fuseya inicia a artistas occidentales a la técnica adaptada de su propia formación tradicional de nō y kyōgen. Es necesario tener en cuenta aún la inspiración que ciertamente Peter Brook encontró en Yoshi Oida, con el cual trabajó de numerosos años.
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Instrumentos Tradiconales de japon
Conocer a un pueblo solo se puede hacer por medio de la musica. es la voz milenaria de un pueblo. A continuacion les presento los instrumentos mas tradicionales de japon.
Mukkuri
Instrumento tradicional del pueblo Ainu, de Hokkaido. Su sonido surge tirando de las cuerdas instaladas en una delgada placa de bambú. La boca sirve de caja de resonancia.
Binzasara
Piezas de madera mantenidas juntas mediante cuerdas. Se sostiene por sus asas con una distancia aproximada al tamaño de los hombros. Al apretar tratando de juntar las manos, las piezas de madera chocan entre sí produciendo el sonido. Utilizado en la música folclórica tradicional.
Charumera
Flauta de madera con doble lengüeta, utilizada para recrear ambiente chino en las obras de Kabuki.
Longitud: unos 30 cm.
Kotsuzumi
A los extremos de la caja se le ajustan dos piezas de piel. Este timbal es colocado frente al hombro derecho, manejado con la mano izquierda y golpeado con los dedos de la mano derecha. Durante la actuación, se tensan las cuerdas para ajustar la membrana y cambiar el volumen. Utilizado en Noh, Kabuki y otras artes tradicionales escénicas.
Diámetro: cerca de 20 cm.
Biwa
Sus cuatro cuerdas son rasgueadas con una púa grande (derecha). Se utiliza para acompañar al koto y otros instrumentos, durante las ceremonias religiosas y en actuaciones de música moderna.
Longitud: unos 95 cm.
Gekkin
nstrumento de cuatro cuerdas introducido desde China en el siglo 18. Se toca con uñero (derecha). Utilizado para acompañar canciones folclóricas y otras músicas tradicionales japonesas, también con otros instrumentos como el koto.
Longitud: unos 70 cm.
Koto
El intérprete se arrodilla justo en el centro, con su espalda hacia la cámara. Las 13 cuerdas se rasguean con uñeros (arriba) en los dedos pulgar, índice y medio, de la mano derecha. Pueden actuar en conjunto varios koto. También se utiliza en música moderna. Longitud: unos 180 cm.
Sho
Instrumento de viento formado por 17 tubos estrechos de bambú (dos son meramente decorativos). Es una variedad de flauta. Tiene lengüeta y puede producir acordes de hasta seis notas diferentes. Se utiliza fundamentalmente en la música gagaku de la corte.
Longitud: unos 50 cm.
Kagura-bue, ryuteki y koma-bue
Tres flautas traveseras utilizadas en el gagaku. Están hechas de bambú. Tanto el interior como el exterior son lacados.
Longitud: unos 45 cm (kagura-bue), 40 cm (ryuteki) y 36 cm (koma-bue). (Foto: Omori Hiroyuki)
Hora-gai
Se corta un extremo de una concha para construir este instrumento de viento. La mayoría posee boquilla. Se utiliza fundamentalmente en ceremonias religiosas. El tamaño varía entre 20 y 50 cm.
Hichiriki
Flauta de doble lengüeta utilizada en la música gagaku. Fabricada en bambú, tanto su interior como exterior es lacado.
Longitud: unos 18 cm.
Da-daiko
Tambor grande utilizado en gagaku. La decoración representa las llamas de un fuego.
Diámetro: unos 210 cm.
Shamisen y púa
Las tres cuerdas son rasgueadas con una púa grande. Se utiliza en el Kabuki , bunraku y otras artes de actuación. Longitud: cerca de 100 cm
Shakuhachi
Flauta sin lengüeta. Utilizada para acompañar canciones folclóricas y otros tipos de música tradicional. También se utiliza en la interpretación de música moderna. Longitud: 55 cm
Taiko
Una piel de animal es cosida alrededor de la caja. Los tambores se utilizan en actuaciones folclóricas en todo Japón. Sus tamaños varían - algunos se pueden tocar a mano y otros son más altos que los percusionistas.
Chijin
Tambor utilizado en actuaciones folclóricas de las islas de Okinawa. Se puede hacer variar su sonido ajustando la tensión de la cuerda que la sujeta a la caja. Diámetro: unos 23 cm
Sanshin y uñero
Instrumento de cuerda casi siempre utilizado en interpretación de música tradicional de Okinawa. Se dice que es el prototipo del shamisen. La caja está cubierta con piel de serpiente y las cuerdas son rasgueadas con un uñero en el dedo índice. Longitud: 80 cm
Videos:
Sakura, Sakura (tradicional)
Shamisen Vs. Shamisen
Koto Concert
Shamisen Vs. Taiko
Rising - Yoshida Brothers(mezcla lo tradicional con ritmo modernos)
Fuente:Niponia
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Mukkuri
Instrumento tradicional del pueblo Ainu, de Hokkaido. Su sonido surge tirando de las cuerdas instaladas en una delgada placa de bambú. La boca sirve de caja de resonancia.
BinzasaraPiezas de madera mantenidas juntas mediante cuerdas. Se sostiene por sus asas con una distancia aproximada al tamaño de los hombros. Al apretar tratando de juntar las manos, las piezas de madera chocan entre sí produciendo el sonido. Utilizado en la música folclórica tradicional.
CharumeraFlauta de madera con doble lengüeta, utilizada para recrear ambiente chino en las obras de Kabuki.
Longitud: unos 30 cm.
KotsuzumiA los extremos de la caja se le ajustan dos piezas de piel. Este timbal es colocado frente al hombro derecho, manejado con la mano izquierda y golpeado con los dedos de la mano derecha. Durante la actuación, se tensan las cuerdas para ajustar la membrana y cambiar el volumen. Utilizado en Noh, Kabuki y otras artes tradicionales escénicas.
Diámetro: cerca de 20 cm.
Biwa
Sus cuatro cuerdas son rasgueadas con una púa grande (derecha). Se utiliza para acompañar al koto y otros instrumentos, durante las ceremonias religiosas y en actuaciones de música moderna.
Longitud: unos 95 cm.
Gekkin
nstrumento de cuatro cuerdas introducido desde China en el siglo 18. Se toca con uñero (derecha). Utilizado para acompañar canciones folclóricas y otras músicas tradicionales japonesas, también con otros instrumentos como el koto.
Longitud: unos 70 cm.
Koto
El intérprete se arrodilla justo en el centro, con su espalda hacia la cámara. Las 13 cuerdas se rasguean con uñeros (arriba) en los dedos pulgar, índice y medio, de la mano derecha. Pueden actuar en conjunto varios koto. También se utiliza en música moderna. Longitud: unos 180 cm.
Sho
Instrumento de viento formado por 17 tubos estrechos de bambú (dos son meramente decorativos). Es una variedad de flauta. Tiene lengüeta y puede producir acordes de hasta seis notas diferentes. Se utiliza fundamentalmente en la música gagaku de la corte.
Longitud: unos 50 cm.
Kagura-bue, ryuteki y koma-bue
Tres flautas traveseras utilizadas en el gagaku. Están hechas de bambú. Tanto el interior como el exterior son lacados.
Longitud: unos 45 cm (kagura-bue), 40 cm (ryuteki) y 36 cm (koma-bue). (Foto: Omori Hiroyuki)
Hora-gaiSe corta un extremo de una concha para construir este instrumento de viento. La mayoría posee boquilla. Se utiliza fundamentalmente en ceremonias religiosas. El tamaño varía entre 20 y 50 cm.
HichirikiFlauta de doble lengüeta utilizada en la música gagaku. Fabricada en bambú, tanto su interior como exterior es lacado.
Longitud: unos 18 cm.
Da-daikoTambor grande utilizado en gagaku. La decoración representa las llamas de un fuego.
Diámetro: unos 210 cm.
Shamisen y púa
Las tres cuerdas son rasgueadas con una púa grande. Se utiliza en el Kabuki , bunraku y otras artes de actuación. Longitud: cerca de 100 cm
ShakuhachiFlauta sin lengüeta. Utilizada para acompañar canciones folclóricas y otros tipos de música tradicional. También se utiliza en la interpretación de música moderna. Longitud: 55 cm
Taiko
Una piel de animal es cosida alrededor de la caja. Los tambores se utilizan en actuaciones folclóricas en todo Japón. Sus tamaños varían - algunos se pueden tocar a mano y otros son más altos que los percusionistas.
ChijinTambor utilizado en actuaciones folclóricas de las islas de Okinawa. Se puede hacer variar su sonido ajustando la tensión de la cuerda que la sujeta a la caja. Diámetro: unos 23 cm
Sanshin y uñeroInstrumento de cuerda casi siempre utilizado en interpretación de música tradicional de Okinawa. Se dice que es el prototipo del shamisen. La caja está cubierta con piel de serpiente y las cuerdas son rasgueadas con un uñero en el dedo índice. Longitud: 80 cm
Videos:
Sakura, Sakura (tradicional)
Shamisen Vs. Shamisen
Koto Concert
Shamisen Vs. Taiko
Rising - Yoshida Brothers(mezcla lo tradicional con ritmo modernos)
Fuente:Niponia
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Aqui les dejo uno video tributo a la mejor saga de nintendo legend of zelda
The Legend Of Zelda : Ocarina Of Time Tribute Videoclip
The Legend of Zelda: Twilight Princess Video Tribute
A Tribute To The Legend Of Zelda
The legend of Zelda Tribute
The Legend of Zelda Tribute
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Tributo a Legend of Zelda
Aqui les dejo uno video tributo a la mejor saga de nintendo legend of zelda
The Legend Of Zelda : Ocarina Of Time Tribute Videoclip
The Legend of Zelda: Twilight Princess Video Tribute
A Tribute To The Legend Of Zelda
The legend of Zelda Tribute
The Legend of Zelda Tribute
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Awqui les dejo una colecion de pequenos videos con los intros de legend of zelda.
Legend Of Zelda:Twilight Princess November 1st 2006 Intro
The Legend of Zelda: The Wind Waker Story Intro (Spanish)
Legend of Zelda Ocarina of Time Intro
Intro - Legend of Zelda: Minish Cap
The Legend Of Zelda - Majora's Mask - The Prologue / Intro
Zelda II: The Adventure of Link Intro
Legend of Zelda (SNES) - Intro
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Intro de legend of zelda
Awqui les dejo una colecion de pequenos videos con los intros de legend of zelda.
Legend Of Zelda:Twilight Princess November 1st 2006 Intro
The Legend of Zelda: The Wind Waker Story Intro (Spanish)
Legend of Zelda Ocarina of Time Intro
Intro - Legend of Zelda: Minish Cap
The Legend Of Zelda - Majora's Mask - The Prologue / Intro
Zelda II: The Adventure of Link Intro
Legend of Zelda (SNES) - Intro
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Aqui les dejo unos interezantes videos de youtube que cuenta o tratan de ordenar la historia de legend of zelda
History of Hyrule (Part 1)
History of Hyrule (Part 2)
si quieres mas info aqui la retrospectiva
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la Historia de Hyrule
Aqui les dejo unos interezantes videos de youtube que cuenta o tratan de ordenar la historia de legend of zelda
History of Hyrule (Part 1)
History of Hyrule (Part 2)
si quieres mas info aqui la retrospectiva
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Una retrospectiva de legend of zelda
Navegando por internet(youtube) me encontre estos videos interesantes sobre legend of zelda es un analisis interezante espero que les guste.
Zelda Retrospective Part 1
Legend of Zelda: Zelda Retrospective Part 2
The Legend of Zelda Retrospective 3 (part 1)
The Legend of Zelda Retrospective 3 (part 2)
Legend of Zelda Retrospective Part IV
Legend of Zelda Retrospective Part V Five
The Legend Of Zelda Retrospective Part 6
Fuente: youtube.
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Zelda Retrospective Part 1
Legend of Zelda: Zelda Retrospective Part 2
The Legend of Zelda Retrospective 3 (part 1)
The Legend of Zelda Retrospective 3 (part 2)
Legend of Zelda Retrospective Part IV
Legend of Zelda Retrospective Part V Five
The Legend Of Zelda Retrospective Part 6
Fuente: youtube.
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Vocaloid (Vocal Android)
En el 2003 Yamaha Corporation anuncia en lanzamiento futuro de un nuevo software. En Enero del 2004 se presenta oficialmente el software de nombre Vocaloid, este no es realizado como un producto sintetizador, si no como una aplicación de librería musical. Otras empresas lo convirtieron en un sintetizador de gran calidad integrándole paquetes:
Zero-G Limited (en el Reino Unido) crearon a Leon, Lola, y Miriam, que son personajes virtuales, a los cuales se les puso voz para el software, reproduciendo las letras que se introduzcan.
Crypton Future Media (Japón) crea a Meiko y Kaito, con la misma función, siendo un estos mas complejos.
En Enero del 2007 Yamaha presenta la nueva versión de Vocaloid, Vocaloid2, en la que se incluyen nuevas mejoras de sintetización, interfase, y utilidad. Este software permite ser utilizado tanto por expertos como principiantes.
Vocaloid 2
Cypton Future Media presenta dos nuevos paquetes, permitiendo la creación de temas musicales especialmente en el genero del J-Pop, interpretándolos por la voz del personaje virtual, al ingresar la letra y melodía, siendo una sensación en Japón., debido a que cada paquete presenta un personaje nuevo, pero en un de estos no es un personajes sino un dúo. Se espera el futuro lanzamiento de un tercer paquete.
Personajes:
初音ミク Hatsune Miku, fue el primer personaje Virtual en salir para Vocaloid2 siendo muy bien acogida por el publico, siendo muy popular convirtiéndose en una celebridad hasta el punto de verla como una idol, su nombre esta realizado con palabras compuestas Hatsu = Primer, Ne = sonido, Miku = futuro, ella es una cantante de 16 años, que mide 1.58mts, pesa 42kg su voz esta basada en el la actriz de doblaje Saki Fujita. Se ha realizado una gran cantidad de merchandising, como lo son muñecos, ropa, etc.
Actualmente se publica el manga de Hatsune en las páginas de Comic RUSH el autor de este manga será KEI, que fue a su vez el creador del diseño original de Hatsune Miku.
Cosplay de Hatsune Miku realizado por Saya:
鏡音リン・レン Kagamine Rin/Len, Son los dos personajes virtuales del segundo paquete para Vocaloid2, estos son gemelos Rin (ella) y Len (el), están teniendo mucha repercusión en Japón. El apellido de los gemelos Kagamine significa Sonido Espejo. La voz de Rin es interpretada por la cantante Shimoda Asami(Tokachi de "IDOLM@STER").
Cosplay de Kagamine Rin:
Videos
Remix de Musica Anime, con una duraciçon de 10 min. aproximadamente, posee canciones de Lucky Star, Digimon, Suzumiya Haruhi no Yūutsu, etc.
Fly me to the moon ending del alamado anime Neogenesis Evangelion, interpretado por Hatsune Miku.
Muesta de Kagamine Rin/Len como gran duo
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Vocaloid
Vocaloid (Vocal Android)
En el 2003 Yamaha Corporation anuncia en lanzamiento futuro de un nuevo software. En Enero del 2004 se presenta oficialmente el software de nombre Vocaloid, este no es realizado como un producto sintetizador, si no como una aplicación de librería musical. Otras empresas lo convirtieron en un sintetizador de gran calidad integrándole paquetes:Zero-G Limited (en el Reino Unido) crearon a Leon, Lola, y Miriam, que son personajes virtuales, a los cuales se les puso voz para el software, reproduciendo las letras que se introduzcan.
Crypton Future Media (Japón) crea a Meiko y Kaito, con la misma función, siendo un estos mas complejos.
En Enero del 2007 Yamaha presenta la nueva versión de Vocaloid, Vocaloid2, en la que se incluyen nuevas mejoras de sintetización, interfase, y utilidad. Este software permite ser utilizado tanto por expertos como principiantes.Vocaloid 2
Cypton Future Media presenta dos nuevos paquetes, permitiendo la creación de temas musicales especialmente en el genero del J-Pop, interpretándolos por la voz del personaje virtual, al ingresar la letra y melodía, siendo una sensación en Japón., debido a que cada paquete presenta un personaje nuevo, pero en un de estos no es un personajes sino un dúo. Se espera el futuro lanzamiento de un tercer paquete.
Personajes:
初音ミク Hatsune Miku, fue el primer personaje Virtual en salir para Vocaloid2 siendo muy bien acogida por el publico, siendo muy popular convirtiéndose en una celebridad hasta el punto de verla como una idol, su nombre esta realizado con palabras compuestas Hatsu = Primer, Ne = sonido, Miku = futuro, ella es una cantante de 16 años, que mide 1.58mts, pesa 42kg su voz esta basada en el la actriz de doblaje Saki Fujita. Se ha realizado una gran cantidad de merchandising, como lo son muñecos, ropa, etc.
Actualmente se publica el manga de Hatsune en las páginas de Comic RUSH el autor de este manga será KEI, que fue a su vez el creador del diseño original de Hatsune Miku.
Cosplay de Hatsune Miku realizado por Saya:
鏡音リン・レン Kagamine Rin/Len, Son los dos personajes virtuales del segundo paquete para Vocaloid2, estos son gemelos Rin (ella) y Len (el), están teniendo mucha repercusión en Japón. El apellido de los gemelos Kagamine significa Sonido Espejo. La voz de Rin es interpretada por la cantante Shimoda Asami(Tokachi de "IDOLM@STER").
Cosplay de Kagamine Rin:
Videos
Remix de Musica Anime, con una duraciçon de 10 min. aproximadamente, posee canciones de Lucky Star, Digimon, Suzumiya Haruhi no Yūutsu, etc.
Fly me to the moon ending del alamado anime Neogenesis Evangelion, interpretado por Hatsune Miku.
Muesta de Kagamine Rin/Len como gran duo
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En esta ocacion les presento a Ahane 亜羽音(あはね), una famosa modelo y cosplay en Japón, que cuenta con su propio blog, donde comenta situaciones de su vida cotidiana y presenta fotografias de su trabajo como modelo y cosplayer.
Datos Generales:
-Cumpleaños el 22 de Enero
-Tipo de sangre: A -
-Signo Zodiacal: Acuario
-Estado: Prefactura de Kanagawa
-Estatura: 158cm
-peso 45kg
-Debuto el 29 de Noviembre de 2005
Entre sus trabajos esta la realización de videos donde se muestran las diversas poses realizadas en su trabajo de modelo.
Aqui les dejo diversas fotografias de su trabajo como Cosplayer!!
Si quedaron con ganas de más aqui les dejo un Zip con un pequeño grupo de 65 images de Ahane que recolecte en la web su peso es 5.60 MB este es el link.
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Cosplay del Día
En esta ocacion les presento a Ahane 亜羽音(あはね), una famosa modelo y cosplay en Japón, que cuenta con su propio blog, donde comenta situaciones de su vida cotidiana y presenta fotografias de su trabajo como modelo y cosplayer.Datos Generales:
-Cumpleaños el 22 de Enero
-Tipo de sangre: A -
-Signo Zodiacal: Acuario
-Estado: Prefactura de Kanagawa
-Estatura: 158cm
-peso 45kg
-Debuto el 29 de Noviembre de 2005
Entre sus trabajos esta la realización de videos donde se muestran las diversas poses realizadas en su trabajo de modelo.
Aqui les dejo diversas fotografias de su trabajo como Cosplayer!!
Si quedaron con ganas de más aqui les dejo un Zip con un pequeño grupo de 65 images de Ahane que recolecte en la web su peso es 5.60 MB este es el link.Seguir Leyendo...
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Ahora vamos con la segunda parte del resumen, espero hayan encontrado el anterior agradable. Iniciamos.
Chrono Trigger
Chrono Trigger : Historia Resumida Parte 2 de 2
Ahora vamos con la segunda parte del resumen, espero hayan encontrado el anterior agradable. Iniciamos.Chrono Trigger
Ahora Crono reta a Lavos intentando salvar la vida de sus compañeros, pero cae en combate y su cuerpo es desintegrado. Lavos destruye todo el reino y transporta a su príncipe, Janus, a “Middle Ages” y envía a los tres gurús (Melchior, Belthasar y Gaspar) a diferentes lugares a través del tiempo. Antes de que Lavos mate al resto del equipo y a Magus, Schala (la princesa de Zeal) los salva transportándolos fuera del palacio mientras ella se queda ahí.
Pasa poco tiempo cuando aparece Dalton (exlíder encargado de la seguridad en el reino) y se proclama así mismo como amo del mundo. Habiendo salvado el “Blackbird” de la destrucción, Dalton lleva al resto del equipo a bordo de la nave y emprende vuelo. Dalton incluso toma posesión de Epoch y sus secuaces le dan la capacidad para volar. Sin embargo, nuestros héroes logran escapar y derrotan a Dalton y a la vez recuperan la rediseñada Epoch. Angustiados por la muerte de Crono, se encuentra con Magus, quien les revela que es en realidad Janus Zeal, y que creció en “Middle Ages” esperando una oportunidad para poder tomar venganza sobre Lavos. Finalmente les ofrece a nuestros aventureros terminar con sus diferencias en una última batalla, y a la vez les informa a los demás que Gaspar quizá pueda ayudarles a traer a Crono de vuelta. *En caso de negarse a luchar contra Magus, él se una al equipo*. El equipo vuele a End of Time, y descubren que el anciano es Gaspar, quien fue transportado a ese lugar durante la destrucción de Zeal. Él les entrega un artefacto con forma de huevo llamado “Chrono Trigger”, que habilita una forma especial de viajes a través del tiempo. Siguiendo las instrucciones de Gaspar, ellos usan el Chrono Trigger para regresar en el tiempo justo antes de la muerte de Crono, una vez ahí congelan el tiempo y extraen a Crono del escenario antes de ser desintegrado.
Sidequests
Con el equipo de héroes una vez completo, visitan a Gaspar una vez más, quien les dice que hay varios sucesos afectando al mundo en todas las eras. Gaspar les dice que participando en estas “sidequests” (historias secundarias) estarán mejor preparados para enfrentarse a Lavos. Viajan a 600 A.D. y derrotan a “Retinite”, una criatura que causaba la conversión de bosques en desiertos. Para ayudar a cultivar todo otra vez y para asegurar la vida del bosque el equipo deja a Robo a cargo de la situación en esta era durante varios cientos de años. Hasta el año 1000 A.D regresan por Robo y montan un campamento en el bosque donde especulan que podría ser otra entidad además de Lavos la que creo los portales del tiempo, y que esta entidad desea que ellos viajen por el tiempo para cumplir cierto propósito. Después de que el grupo cae dormido, un misterioso portal rojo aparece, en el que Lucca entra. Viaja a 990 A.D., donde tiene la oportunidad de salvar a su madre de un accidente que le costo el libre uso de sus piernas. El incidente hizo que el joven subconsciente de Lucca tomara un interés en maquinarias, y así poder prevenir futuros accidentes. Luego, el equipo combate contra los miembros restantes de la armada de Magus en 600 A.D. Sus ex generales se dan cuenta que Magus solo utilizaba a los “Mystics” y atacan al grupo, sin embargo perecen en la batalla. En 2300 A.D. la aventura lleva al equipo a las instalaciones donde Robo fue construido. Ahí descubren que el programador de su IA (inteligencia artificial), Mother Brain, se ha vuelto corrupto, y que usa las instalaciones como un campo de exterminio humano. Con mucho pesar, Robo destruye ambos, su creador y a su reprogramado amigo, Atropos, desactivando todo el sistema de las instalaciones. Más tarde, en 1000 A.D. nuestros aventureros descubren que el fantasma del amigo de Frog, Cyrus, está atormentando unas ruinas cercanas a un pueblo. Después de viajar hasta el lugar, Frog visita la tumba que construyó para su amigo y le ayuda a su espíritu a encontrar la paz, aun sin haber derrotado a Magus.
Preparaciones Finales
En otra aventura, nuestros héroes viajan en busca de “Sun Stone”, un mítico artefacto usado como fuente de poder en Zeal. Lo logran localizar en un baluarte perdido del reino, pero se dan cuenta de que su poder se ha agotado. Se lo llevan a 65.000.000 B.C. y lo dejan ahí para que se recargue con el transcurso de millones de años, pero notan después que fue tomado en 1000 A.D. Para poder recuperarlo de su avaricioso captor, el alcalde Porre, ellos viajan a 600 A.D. y le enseñan modales de caridad a su ancestro, dándole comida a él y a su esposa. Con la “Sun Stone” garantizada, ellos descubren otro artefacto legendario en 600 A.D., la “Rainbow Shell”. Localizada debajo de los restos de la fortaleza Reptile (que se ha preservado desde su destrucción en 65.000.000 B.C.), pero la concha es muy grande como para que pueda ser removida por nuestro equipo. Entonces ellos procuran tener la ayuda de King Guardia XXI en “Middle Ages”, quien guarda la concha en “Guardia Castle”. Sin embargo, cuando el equipo regresa a 1000 A.D., se dan cuenta que el padre de Marle, King Guardia XXXIII, ha sido puesto a prueba por su propio canciller, quien supuestamente quiere vender la concha, que es ahora una herencia real. Crono y compañía revelan públicamente que el canciller es un impostor, lo derrotan y ayudan a Marle y a su padre a terminar con sus diferencias.
Finalmente, nuestros aventureros se infiltran en “Black Omen” (antes llamado Ocean Palace) donde Queen Zeal aun reside, habiendo sobrevivido a la destrucción de su reino causada por Lavos, se volvió un títere bajo los poderes del mismo. El equipo derrota a la corrupta reina y destruyen la “Mammon Machine” en el corazón del palacio, causando que todas las instalaciones se desintegren. La batalla siguiente es la final, una confrontación contra Lavos. Primeramente penetran su caparazón, y descubren que Lavos ha estado cosechando ADN en el planeta para auto-evolucionarse mientras absorbe la energía producida. Una vez presentados los resultados de los genes controlados de Lavos, el equipo se enfrenta a su verdadera y finalmente lo destruyen.
Después de todas las aventuras, nuestros héroes se encuentran en la última noche de la “Millennial Fair”, donde todos se despiden unos de otros y regresan a sus respectivas épocas. Magus revela que planea buscar a su perdida hermana, Schala. Luego aparece la madre de Crono, quien accidentalmente entra en un portal antes de que se cerrara. Crono, Lucca y Marle se preparan en la “Epoch” para emprender una nueva aventura en busca de la madre de Crono, mientras los fuegos artificiales iluminan el anochecido cielo.
Finalmente les dejo un video, hecho de varios cortes de las escenas incluidas en el Chrono Trigger lanzado para PSone.
La última escena del video, es tambien la última escena de los cinemas del juego, el bebé al que Lucca toma entre brazos al final es Kid, y así se le da pié a la historia en Chrono Cross.
Tomé como referencia la información publicada en este sitio. Espero les haya gustado! (^w^)/
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Chrono Trigger : Historia Resumida Parte 1 de 2
Bueno, intenté hacer la entrada en un solo post, pero no aparecía todo el texto, así que ahora voy con la historia pero en dos partes.
Este es un pequeño resumen de los eventos principales de la historia de Chrono, no pretendo que sea un resumen que todos entiendan (me tomaría mucho trabajo hacer eso), solo quiero por decirlo de algún modo, refrescarle la memoria a todo aquel que lo jugó y lo disfrutó tanto como yo.
Hay nombres en la historia que considero importantes, como los nombres de los lugares visitados por nuestros héroes, algunos ítems encontrados durante su aventura, armas, etc. Usaré el mismo nombre que tienen en el juego (Americano) puesto que así es como los recuerdo yo, además me suena muy raro cuando lo pronuncio en español :P
Como último detalle, el final que puse corresponde al primero que se puede obtener. Como sabrán una gran característica de este título es que cuenta con múltiples finales, pero el resto se los dejo de tarea.
La historia da inicio con la Inauguración de “Millennial Fair” (Feria Milenaria) en el año 1000 A.D., una celebración que conmemora un mileno desde la fundación del “Kingdom of Guardia” (Reino de Guardia). Nuestro protagonista, Chrono, asiste a “Leene Square”, el lugar donde es realizada la feria. Tras pasearse por el lugar termina golpeándose accidentalmente con Marle (quien es en realidad la Princesa Nadia). Se vuelven amigos rápidamente y pasan el tiempo en la feria juntos, ellos deciden ver la atracción principal, que esta a cargo de una ingeniosa amiga de Chrono, Lucca. La actividad es en realidad una máquina capaz de teletransportar materia de un lugar a otro. Marle decide hacer de voluntario, pero desaparece tras una extraña reacción de su collar que la envía a través de un misterioso portal.
Determinado a rescatar a Marle, Chrono toma el collar con sus manos y pide a Lucca que active la máquina de nuevo, por lo que es transportado por el mismo portal. Ahora se encuentra en un bosque, y se entera de que se encuentra en el pasado tras mirar los pueblos a su alrededor (año 600 A.D.). Mientras tanto, Marle es llevada por los guardias al “Guardia Castle” (esto porque la confunden con la Reina Leene quien está desaparecida). Pronto Chrono descubre la situación de Marle y es testigo de cómo ella literalmente desaparece ante sus ojos. Lucca llega a esta era también, tras un nuevo invento, el “Gate Key”, que le permite abrir portales del tiempo a gusto. Ella determina que Marle ha desaparecido pues han cambiado la historia, en otras palabras, al desaparecer y morir la Reina Leene (ancestro directo de Marle), Marle ha dejado de existir.
Chrono y Lucca se dan entonces a la tarea de rescatar a la Reina Leene para que el curso de la historia continúe normalmente y así Marle no desaparezca. A ellos se une Frog, un humanoide con apariencia de rana que le ha jurado lealtad y protección al reino. Juntos descubren que los secuestradores de la Reina Leene son un grupo de criaturas llamadas “Mystics”, que están al mando del hechicero Magus. Tras derrotarles (a los Mystics, no a Magus) rescatan a la Reina y al mismo tiempo a Marle. Frog se marcha decepcionado de sí mismo porque no pudo proteger a la Reina, mientras Marle, Lucca y Chrono regresan a su época.
Ya en casa, Chrono escolta a Marle hasta Guardia Castle, donde es acusado de haber secuestrado a la Princesa. Es sentenciado a 3 días de confinamiento, pero debido al canciller y su manipulación termina con una orden de muerte, sin embargo Chrono escapa de la prisión y se reagrupa con Lucca y Marle, y juntos deciden escapar a un bosque cercano. Ahí encuentran un pequeño portal y sin importar su destino viajan a través de este para evitar ser capturados por los guardias reales. Nuevamente aparecen en otra época, esta vez una azotada por un mundo lleno de ruinas tecnológicas. Mientras investigan las futuristas estructuras descubren una grabación sobre la destrucción de la superficie de la Tierra y su causante, Lavos. Nuestro equipo de héroes se determina entonces a detener a Lavos antes de que pueda destruir el mundo. Durante la búsqueda de un nuevo portal para regresar encuentran a un mecha defectuoso, el cual Lucca repara y reprograma para que no los ataque, a partir de este instante Robo se une al equipo en su travesía. Una vez encontrado el portal lo usan para transportarse, pero aparecen en “End of Time” junto a un enigmático señor, que les explica que no pueden viajar por los portales en grupos superiores a tres individuos, de otro modo romperán la continuidad espacial y llegaran al lugar donde se encuentran. En “End of Time” obtienen acceso a pilares luminosos que permiten viajar a las eras importantes de la historia.
Determinado a rescatar a Marle, Chrono toma el collar con sus manos y pide a Lucca que active la máquina de nuevo, por lo que es transportado por el mismo portal. Ahora se encuentra en un bosque, y se entera de que se encuentra en el pasado tras mirar los pueblos a su alrededor (año 600 A.D.). Mientras tanto, Marle es llevada por los guardias al “Guardia Castle” (esto porque la confunden con la Reina Leene quien está desaparecida). Pronto Chrono descubre la situación de Marle y es testigo de cómo ella literalmente desaparece ante sus ojos. Lucca llega a esta era también, tras un nuevo invento, el “Gate Key”, que le permite abrir portales del tiempo a gusto. Ella determina que Marle ha desaparecido pues han cambiado la historia, en otras palabras, al desaparecer y morir la Reina Leene (ancestro directo de Marle), Marle ha dejado de existir.
Chrono y Lucca se dan entonces a la tarea de rescatar a la Reina Leene para que el curso de la historia continúe normalmente y así Marle no desaparezca. A ellos se une Frog, un humanoide con apariencia de rana que le ha jurado lealtad y protección al reino. Juntos descubren que los secuestradores de la Reina Leene son un grupo de criaturas llamadas “Mystics”, que están al mando del hechicero Magus. Tras derrotarles (a los Mystics, no a Magus) rescatan a la Reina y al mismo tiempo a Marle. Frog se marcha decepcionado de sí mismo porque no pudo proteger a la Reina, mientras Marle, Lucca y Chrono regresan a su época.
Ya en casa, Chrono escolta a Marle hasta Guardia Castle, donde es acusado de haber secuestrado a la Princesa. Es sentenciado a 3 días de confinamiento, pero debido al canciller y su manipulación termina con una orden de muerte, sin embargo Chrono escapa de la prisión y se reagrupa con Lucca y Marle, y juntos deciden escapar a un bosque cercano. Ahí encuentran un pequeño portal y sin importar su destino viajan a través de este para evitar ser capturados por los guardias reales. Nuevamente aparecen en otra época, esta vez una azotada por un mundo lleno de ruinas tecnológicas. Mientras investigan las futuristas estructuras descubren una grabación sobre la destrucción de la superficie de la Tierra y su causante, Lavos. Nuestro equipo de héroes se determina entonces a detener a Lavos antes de que pueda destruir el mundo. Durante la búsqueda de un nuevo portal para regresar encuentran a un mecha defectuoso, el cual Lucca repara y reprograma para que no los ataque, a partir de este instante Robo se une al equipo en su travesía. Una vez encontrado el portal lo usan para transportarse, pero aparecen en “End of Time” junto a un enigmático señor, que les explica que no pueden viajar por los portales en grupos superiores a tres individuos, de otro modo romperán la continuidad espacial y llegaran al lugar donde se encuentran. En “End of Time” obtienen acceso a pilares luminosos que permiten viajar a las eras importantes de la historia.
Por un Fututo mejor
Crono y compañía regresan a 1000 A.D. para descubrir que Magus aparenta ser el creador de Lavos. Viajan entonces a 600 A.D. para derrotarlo y acabar con todo, pero se dan cuenta que no es posible hacerlo por métodos comunes, necesitan la espada legendaria “Masamune” y al héroe capaz de usarla. Crono y sus amigos escalan hasta “Denadoro Mountains” solo para descubrir que la legendaria espada esta destrozada. Pero también descubren que el héroe de la leyenda (capaz de usar a Masamune) es Frog, y que la espada fue forjada por Melchior (un herrero que vive en el mismo tiempo que Crono). Tras enterarse de esto nuestros héroes regresan a 1000 A.D. en busca de Melchior y este les dice que para reparar la espada necesitan la roca “Dreamstone”, que solo se puede hallar en eras ancestrales. En “End of Time” se abre un portal hacia 65.000.000 B.C. y por medio de este Chrono y compañía viajan al pasado en busca del mineral. En esta era conocen a la cavernícola Ayla, ella le entrega a Crono el “Dreamstone” después de ganar un concurso de bebidas (LOL). Sin embargo, el “Gate Key” (la herramienta que usan para abrir portales por si no recuerdan) les es robada por los Reptiles (tienen forma humanoide y pueden hablar O_o). Ayla ayuda a nuestros héroes a conseguir de nuevo el “Gate Key” y así con el extraño mineral en mano regresan a 1000 A.D. con Melchior. Pronto la Masamune es reparada y Frog acepta usarla para combatir las fuerzas de Magus.
Una vez en el castillo de Magus, Crono y compañía de enfrentan a Ozzie, Flea y Slash, mientras Magus realiza un hechizo relacionado con Lavos. Ya derrotado revela que el no es el creador de Lavos, pero que intentaba invocarlo desde las profundidades del planeta. Debido a que el hechizo de Magus fue interrumpido se abre un portal del tiempo arrastrando el castillo y todo lo que en el hay. Chrono despierta en 65.000.000 B.C. una vez más y en esta ocasión le ayuda a Ayla a derrotar a los Reptiles. Aquí les es revelado que Lavos es una forma de vida extraterrestre que llego al planeta durante esa época, y descubren un nuevo portal del tiempo en el cráter donde impactó Lavos. Es así como llegan al ancestral “Kingdom of Zeal” (12000 B.C.). En esta época Lavos fue descubierto recientemente y el reino está intentando drenar la energía que esta criatura ha acumulado mediante un conducto de energía llamado “Mammon Machine” y una edificación para almacenarla, “Ocean Palace”. Un misterioso profeta de Zeal alerta al reino sobre nuestros aventureros, yellos son obligados a regresar a 65.000.000 B.C. al mismo tiempo que sellan el portal que usaron para llegar a Zeal. Regresan entonces a “End of Time” por consejo, ahí escuchan algo acerca de “Wings of Time”, una máquina construida por Belthasar, un gurú de Zeal que fue enviado al futuro. Nuestro equipo localiza la máquina en 2300 A.D. y le llaman “Epoch”. De esta forma regresan a 12000 B.C., donde se enteran que “Ocean Palace” pronto será activado. Sin embargo, sólo pueden ser testigos de cómo despierta Lavos. El profeta de Zeal revela su identidad y resulta ser Magus, quien intenta destruir a Lavos, pero es derrotado y sus poderes drenados.
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2
Aqui les dejo un na probadita del monto de cosplay que hay de esta serie.
el mejor cosplay
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Cosplay de suzumiya
Aqui les dejo un na probadita del monto de cosplay que hay de esta serie.
el mejor cosplay
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3
la Drakon &Demon Cueva. En su casa saboreamos la amabilidad de su madre con un estupendo café (nuevamente le damos las gracias).
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Campamento Shinto 2.0
Ahora si ya solo faltaba Pirata, pero pronto llego; entonces emprendimos nuestro viaje escalando las colinas de San José de
Nos entretuvimos comiendo y bebiendo mientras admirábamos las estrellas y las historias iban y venían. Entonces llego el momento en que Pirata decidió contarme la verdad sobre la “melcocha” el “mariachi” y finalmente uno nuevo el “toque de la motocicleta”. Chicas si escuchan hablar de esto, especialmente proviniendo de un taxista, por amor de Dios CORRAN. Yo desde ese día no seré el mismo. Por el sagrado sacramento de “lo que pasa en el campamento se queda en el campamento” no puedo darles mas detalles.
Después de esto llego la hora del segundo torneo intergaláctico de artes marciales. Los enfrentamientos fueron: Pirata vs HHH (digo Hideki), Kiba vs Drakon, ludithor vs Demon. Los triunfadores fueron Pirata, Drakon por rendición de Kiba(después de una explosión impresionante de poder)y ludithor. Hideki no satisfecho con su resultado decidió probar su poder en combate de suelo con mi persona, nuevamente salí victorioso, tanto Demon como Hideki probaron el acido de una juji gatame. Finalmente, ya cansados fuimos a dormir.
Al día siguiente fuimos a ver una posa cercana con agua muy fría pero hermosa allí posamos a la cámara y pasamos un rato vacilando con un posible calendario shinto con estos sexis modelos.
Despues de esto regresamos al campamento y empezamos a recoger para volver a
Así termino nuestro campamento donde de verdad disfrutamos mucho y manteniendo la esperanza de volver a realizar mas actividades similares
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Cuando pensamos que nadie podia salvarnos. Aprece un hombre que puede salvar al mundo. el es mirageman.
Mirageman pude presumir que realmente es un boom en la cultura ya que esta pelicula a estrenarse el 22 de enero en chile es la primera pelicula latinoamericana de artes marciales. les dejo los trailer para que la disfuten y esperen anciosamente como yo esta pelicula. uno de los trailer esta subtitulado por aquello de que alguien no hable espanol.
Con subtitulos en ingles
Completamente en español
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Mirageman
Cuando pensamos que nadie podia salvarnos. Aprece un hombre que puede salvar al mundo. el es mirageman.
Mirageman pude presumir que realmente es un boom en la cultura ya que esta pelicula a estrenarse el 22 de enero en chile es la primera pelicula latinoamericana de artes marciales. les dejo los trailer para que la disfuten y esperen anciosamente como yo esta pelicula. uno de los trailer esta subtitulado por aquello de que alguien no hable espanol.
Con subtitulos en ingles
Completamente en español
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Sadako Sasaki
Sadako Sasaki 佐々木 禎子, nace el 7 de enero de 1943 vivió cerca de Misasa Bridge en Hiroshima, Japón, ella tenía dos años cuando se produjo el bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki el 6 de agosto de 1945, se vio afectada por la radiación, debido a la explosión. Sadako era una niña energetica y atletica, y en 1954 mientras corría una carrera, empezó a sentirse mal y cayó al suelo. Le fue diagnosticado leucemia, conocida como "enfermedad de la bomba A".
La mejor amiga Sadako, le recordó una vieja tradición sobre alguien que realizó mil grullas de origami(Formas realizadas, plegando papel) y después le fue concedido un deseo por los dioses. Sadako tenía la esperanza de que los dioses le concedieran el deseo de volver a correr de nuevo. Sin embargo, pensó que no sería justo pedir la curación sólo para ella, y pidió que el esfuerzo que iba a hacer sirviera para traer la paz y la curación a todas las víctimas del mundo.
El avance de la enfermedad impidió que acabase victoriosamente de realizar la hazaña muriendo el 25 de octubre de 1955 tras 14 meses ingresada en el hospital. Con el papel de los botes medicinales y otros que iba encontrando llegó a completar 644 grullas de papel de las 1300 que se propuso conseguir.
En el Parque de la Paz de Hiroshima fue construida la estatua dedicada a Sadako en 1958, en la base está escrito "Éste es nuestro grito, ésta es nuestra plegaria; paz en el mundo".
Esta historia me impacto grandemente ya que esta llena de esperanza, y paz, demostrando que cuando se dan conflictos, en este caso una guerra siempre van a haber personas inocentes afectadas, pero que no pierden su fortaleza y siguen adelante.
La grulla en origami deja de ser solo una representacion de un animal y se convierte en un simbolo de Fe.
Fuentes:
Museo de Hiroshima
Exposición de Sadako
Wikipedia
Como realizar una Grulla en Origami Seguir Leyendo...
1000 Grullas de Esperanza
Sadako Sasaki
Sadako Sasaki 佐々木 禎子, nace el 7 de enero de 1943 vivió cerca de Misasa Bridge en Hiroshima, Japón, ella tenía dos años cuando se produjo el bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki el 6 de agosto de 1945, se vio afectada por la radiación, debido a la explosión. Sadako era una niña energetica y atletica, y en 1954 mientras corría una carrera, empezó a sentirse mal y cayó al suelo. Le fue diagnosticado leucemia, conocida como "enfermedad de la bomba A".
La mejor amiga Sadako, le recordó una vieja tradición sobre alguien que realizó mil grullas de origami(Formas realizadas, plegando papel) y después le fue concedido un deseo por los dioses. Sadako tenía la esperanza de que los dioses le concedieran el deseo de volver a correr de nuevo. Sin embargo, pensó que no sería justo pedir la curación sólo para ella, y pidió que el esfuerzo que iba a hacer sirviera para traer la paz y la curación a todas las víctimas del mundo.
El avance de la enfermedad impidió que acabase victoriosamente de realizar la hazaña muriendo el 25 de octubre de 1955 tras 14 meses ingresada en el hospital. Con el papel de los botes medicinales y otros que iba encontrando llegó a completar 644 grullas de papel de las 1300 que se propuso conseguir.En el Parque de la Paz de Hiroshima fue construida la estatua dedicada a Sadako en 1958, en la base está escrito "Éste es nuestro grito, ésta es nuestra plegaria; paz en el mundo".
Esta historia me impacto grandemente ya que esta llena de esperanza, y paz, demostrando que cuando se dan conflictos, en este caso una guerra siempre van a haber personas inocentes afectadas, pero que no pierden su fortaleza y siguen adelante.La grulla en origami deja de ser solo una representacion de un animal y se convierte en un simbolo de Fe.
Fuentes:Museo de Hiroshima
Exposición de Sadako
Wikipedia
Como realizar una Grulla en Origami Seguir Leyendo...
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Muchos preguntaron acerca de esa pagina (ver imagen) con sellos ninjas, ya que muchos los recordaron y relacionaron con los sellos ninjas de Naruto. Aquí espero aclararles cualquier duda así como el origen y el significado de estos.
Esta técnica tiene sus orígenes en la india y están clasificados como Mudras (técnicas gestuales que nos conectan con nuestro interior y la energía universal.). En la india llego a algunos maestros Budistas, por medio de estos llega a China.
Los ninjas tradicionales estaban inmersos en esotéricas creencias Budistas. El kuji-in era utilizado en varias de sus meditaciones tanto las relacionadas con su práctica religiosa como en las artes marciales
La palabra kuji-in se refiere únicamente a la posición de las manos (mudra). La practica relacionada de "los nueve cortes " cinco horizontales y cuatro verticales (alternándolos) en el aire con el dedo como pincel es conocido como kuji kiri. Estos son a menudo usados (en las tradiciones esotéricas Japonesas) para obtener el control de una imagen o objeto llamado.
En japonés los nueve sellos son: 1 Rin (臨), 2 Pyō (兵), 3 Tō (闘), 4 Sha (者), 5 Kai (皆), 6 Jin (陣), 7 Retsu (列), 8 Zai (在), 9 Zen (前) -Ver imagen-
Los significados varían en el Budismo, Shinto, Onmoyodo (cosmología esotérica Japonesa) y Ninjitsu
Rin - Fuerza
Pyō / Hyō - Canal
Tō - Armonía
Sha - Salud
Kai - Sentido del Peligro
Jin- Lectura de los pensamientos.
Retsu - Control de espacio y tiempo.
Zai - Cielo o elementos de control.
Zen - Iluminación.
Kuji-in en el Anime
* En el anime y manga de Naruto, aunque el kuji-in en sí mismos rara vez aparecen, las posturas de las manos utilizadas para la ejecución de las técnicas proceden de la misma tradición budista. Los nombres de los signos son de diferentes animales.
* En el anime Sailor Moon, Rei utiliza el Kuji-in delante de un fuego para ver visiones. Ella también lo usa desterrar un oni (demonio) cuando se utiliza con un ofuda (talismán), o encantamientos contra el mal, con el canto "Rin, pyou, tou, sha, kai, jin, retsu, zai, zen. Akuryou taisan! (Espíritus demoníacos, dispérsense [episodio10].
* Varios personajes en el anime y manga de Inuyasha usan encantamientos derivados de budismo Mikkyo, y el kuji-in en sí mismo una o dos veces.
* En el Anime Ghost Hunt varios personajes, utilizan el Kuji-in para desterrar o atacar a los fantasmas o espíritus malignos.
Fuentes
http://www.bujinkandojo.com.ar/mudras.html
http://www.answers.com/topic/kuji-in
http://www.kujiin.com/
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Los 9 Sellos cortantes, Kuji-Kiri o Kuji-in (九字印)
Muchos preguntaron acerca de esa pagina (ver imagen) con sellos ninjas, ya que muchos los recordaron y relacionaron con los sellos ninjas de Naruto. Aquí espero aclararles cualquier duda así como el origen y el significado de estos.Esta técnica tiene sus orígenes en la india y están clasificados como Mudras (técnicas gestuales que nos conectan con nuestro interior y la energía universal.). En la india llego a algunos maestros Budistas, por medio de estos llega a China.
Los ninjas tradicionales estaban inmersos en esotéricas creencias Budistas. El kuji-in era utilizado en varias de sus meditaciones tanto las relacionadas con su práctica religiosa como en las artes marciales
La palabra kuji-in se refiere únicamente a la posición de las manos (mudra). La practica relacionada de "los nueve cortes " cinco horizontales y cuatro verticales (alternándolos) en el aire con el dedo como pincel es conocido como kuji kiri. Estos son a menudo usados (en las tradiciones esotéricas Japonesas) para obtener el control de una imagen o objeto llamado.
En japonés los nueve sellos son: 1 Rin (臨), 2 Pyō (兵), 3 Tō (闘), 4 Sha (者), 5 Kai (皆), 6 Jin (陣), 7 Retsu (列), 8 Zai (在), 9 Zen (前) -Ver imagen-
Los significados varían en el Budismo, Shinto, Onmoyodo (cosmología esotérica Japonesa) y Ninjitsu
Rin - Fuerza
Pyō / Hyō - Canal
Tō - Armonía
Sha - Salud
Kai - Sentido del Peligro
Jin- Lectura de los pensamientos.
Retsu - Control de espacio y tiempo.
Zai - Cielo o elementos de control.
Zen - Iluminación.
Kuji-in en el Anime
* En el anime y manga de Naruto, aunque el kuji-in en sí mismos rara vez aparecen, las posturas de las manos utilizadas para la ejecución de las técnicas proceden de la misma tradición budista. Los nombres de los signos son de diferentes animales.
* En el anime Sailor Moon, Rei utiliza el Kuji-in delante de un fuego para ver visiones. Ella también lo usa desterrar un oni (demonio) cuando se utiliza con un ofuda (talismán), o encantamientos contra el mal, con el canto "Rin, pyou, tou, sha, kai, jin, retsu, zai, zen. Akuryou taisan! (Espíritus demoníacos, dispérsense [episodio10].
* Varios personajes en el anime y manga de Inuyasha usan encantamientos derivados de budismo Mikkyo, y el kuji-in en sí mismo una o dos veces.
* En el Anime Ghost Hunt varios personajes, utilizan el Kuji-in para desterrar o atacar a los fantasmas o espíritus malignos.
Fuentes
http://www.bujinkandojo.com.ar/mudras.html
http://www.answers.com/topic/kuji-in
http://www.kujiin.com/
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Esta es la primer nota acerca del ninjitsu que elaboro, y no soy un gran conocedor (tampoco lo practico) pero espero satisfacer la curiosidad de todos aquellos que llegaron al stand de animeshinto en el matsuri 2007, preguntado por esa imagen en el libro de artes marciales (Artes Marciales Técnicas Ilustradas de Paul Crompton)
Muchos otakus tienen curiosidad sobre el ninjitsu, si ese arte marcial utilizado por los ninjas, que en este momento han sido popularizados (aun mas) por el anime Naruto.
En estos días el anime emplea los ninjas y sus técnicas (jutsus, 術) de forma fantástica, pero aquí les hablare un poco sobre el origen de este arte marcial.
Los orígenes de este arte marcial están entre los 500 y 300 (a.c.), con un origen probablemente chino, y muchos de los elementos que llegaron a usar ninjas se encuentran en el tratado del general Sun Tzu –El arte de la Guerra, 400 a.c.– como el arte de ocultarse en la oscuridad.
Según la información encontrada el primer uso de los ninjas fue en los años 574-622 d.c. , cuando se hizo uso de estos para eliminar un grupo sacerdotes guerreros (yamabushis) que se habían revelado contra el imperio. Se llegaron a formar 25 escuelas ninja, y sus servicios estaban dispuestos a cualquiera que pagara lo necesario
Los clanes de los ninjas vivían en comunidades muy cerradas, la jerarquía se componía de líderes o jo-nin, sublíderes, o chu-nin, y hombres q llevaban acabo las operaciones sobre el terreno, los ge-nin. Y todos contaban con estrictos códigos de silencio donde daban la vida antes de revelar cualquier detalle.
Nota: no he investigo de la forma mas adecuada sobre el ninjitsu en Costa Rica pero encontre esta paguia LInK
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Ninjitsu (忍術)
Esta es la primer nota acerca del ninjitsu que elaboro, y no soy un gran conocedor (tampoco lo practico) pero espero satisfacer la curiosidad de todos aquellos que llegaron al stand de animeshinto en el matsuri 2007, preguntado por esa imagen en el libro de artes marciales (Artes Marciales Técnicas Ilustradas de Paul Crompton)Muchos otakus tienen curiosidad sobre el ninjitsu, si ese arte marcial utilizado por los ninjas, que en este momento han sido popularizados (aun mas) por el anime Naruto.
En estos días el anime emplea los ninjas y sus técnicas (jutsus, 術) de forma fantástica, pero aquí les hablare un poco sobre el origen de este arte marcial.
Los orígenes de este arte marcial están entre los 500 y 300 (a.c.), con un origen probablemente chino, y muchos de los elementos que llegaron a usar ninjas se encuentran en el tratado del general Sun Tzu –El arte de la Guerra, 400 a.c.– como el arte de ocultarse en la oscuridad.
Según la información encontrada el primer uso de los ninjas fue en los años 574-622 d.c. , cuando se hizo uso de estos para eliminar un grupo sacerdotes guerreros (yamabushis) que se habían revelado contra el imperio. Se llegaron a formar 25 escuelas ninja, y sus servicios estaban dispuestos a cualquiera que pagara lo necesario
Los clanes de los ninjas vivían en comunidades muy cerradas, la jerarquía se componía de líderes o jo-nin, sublíderes, o chu-nin, y hombres q llevaban acabo las operaciones sobre el terreno, los ge-nin. Y todos contaban con estrictos códigos de silencio donde daban la vida antes de revelar cualquier detalle.
Nota: no he investigo de la forma mas adecuada sobre el ninjitsu en Costa Rica pero encontre esta paguia LInK
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Gashapon ガシャポン es un termino que se utiliza para denominar unas esferas de aproximadamente 8cm de diametro que contienen una figura sorpresa, estas son muy populares en japón ya que el contenido de las capsulas varian, debido a que estan clasificadas por animes, videojuegos, animales, autos, etc. Estas figuras que contienen los gashapons, son de plastico y tienden a ser muy detalladas, apesar de su tamaño; en muchos de los gashapons las figuras deben de armarse, esto se hace para poder colocar figuras mas grandes en los gashapons.
El nombre de estas esferas se debe al sonido realizado por las maquinas dispensadoras de las mismas, el gasha es el sonido realizado al girar la perilla, y el pon es el sonido que realiza lla esfera al cae de la maquina. En Japón existen salones repletos de estas maquinas gashapon, que poseen en muchos de los casos figuras exclusivas de diversos animes y videojuegos, su funcionamiento es simple solo se compra la moneda y se introduce, se gira la perilla y la maquina da la capsula.
Las primeras máquinas expendedoras de Gashapons aparecieron a finales de la década de los 70, siendo Bandai la primera compañía en lanzar una de estas máquinas en el año 1977. Los primeros animes que dispusieron de colecciones de figuras fueron Gundam y Macross, el término gashapon se popularizó en los años 90, cuando además se creó cierta terminología, impulsada por Bandai, para distinguir la calidad de las colecciones que salían a la venta.
HGEX (High Grade Extra) Son las mejores fabricadas, se utilizan materiales de gran calidad y el nivel de detalle es muy elevado, cuestan unos 300 yens.
HG(High Grade) y HGIF (High Grade Imagination Figure) Garantizan un elevado nivel de detalle, cuestan unos 200 yens.
Minigasha: La gran mayoría pertenecen a este tipo y las las figuras que incluyen son en formato SD, cuestan unos 100 yens.
La empresa más importante y famosa en la fabricación de gashapon es Bandai. La segunda en disputa es Yujin que se hizo famosa por haber creado la gama de muñecos KUBRIK, Después, aunque con mucha menos facturación estarían las compañías K&M, Takara y MegaHouse.
Estas maquinas han sido un exito debido a su valor coleccionable, y la intriga que generan ya que las esferas salen al asar obligando a muchos a insertar muchas monedas, y hasta intercambiar las figuras repetidas, resulta ademas entretenido.
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Gashapon
Gashapon ガシャポン es un termino que se utiliza para denominar unas esferas de aproximadamente 8cm de diametro que contienen una figura sorpresa, estas son muy populares en japón ya que el contenido de las capsulas varian, debido a que estan clasificadas por animes, videojuegos, animales, autos, etc. Estas figuras que contienen los gashapons, son de plastico y tienden a ser muy detalladas, apesar de su tamaño; en muchos de los gashapons las figuras deben de armarse, esto se hace para poder colocar figuras mas grandes en los gashapons.El nombre de estas esferas se debe al sonido realizado por las maquinas dispensadoras de las mismas, el gasha es el sonido realizado al girar la perilla, y el pon es el sonido que realiza lla esfera al cae de la maquina. En Japón existen salones repletos de estas maquinas gashapon, que poseen en muchos de los casos figuras exclusivas de diversos animes y videojuegos, su funcionamiento es simple solo se compra la moneda y se introduce, se gira la perilla y la maquina da la capsula.
Las primeras máquinas expendedoras de Gashapons aparecieron a finales de la década de los 70, siendo Bandai la primera compañía en lanzar una de estas máquinas en el año 1977. Los primeros animes que dispusieron de colecciones de figuras fueron Gundam y Macross, el término gashapon se popularizó en los años 90, cuando además se creó cierta terminología, impulsada por Bandai, para distinguir la calidad de las colecciones que salían a la venta.HGEX (High Grade Extra) Son las mejores fabricadas, se utilizan materiales de gran calidad y el nivel de detalle es muy elevado, cuestan unos 300 yens.
HG(High Grade) y HGIF (High Grade Imagination Figure) Garantizan un elevado nivel de detalle, cuestan unos 200 yens.
Minigasha: La gran mayoría pertenecen a este tipo y las las figuras que incluyen son en formato SD, cuestan unos 100 yens.
La empresa más importante y famosa en la fabricación de gashapon es Bandai. La segunda en disputa es Yujin que se hizo famosa por haber creado la gama de muñecos KUBRIK, Después, aunque con mucha menos facturación estarían las compañías K&M, Takara y MegaHouse.
Estas maquinas han sido un exito debido a su valor coleccionable, y la intriga que generan ya que las esferas salen al asar obligando a muchos a insertar muchas monedas, y hasta intercambiar las figuras repetidas, resulta ademas entretenido.
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Saikano (最終兵器彼女)
Saikano (最終兵器彼女, Saishū Heiki Kanojo)
Esta es una serie japonesa de manga y anime realizada por Shin Takahashi.. El manga posee 7 volúmenes y el anime consta de 13 episodios y 2 OVAs.
Una traducción literal del nombre de la serie es Mi novia, el arma definitiva.
Historia
La historia nos lleva a la ciudad de Hokkaido (isla de Japón) en tiempos de la Tercera Guerra Mundial. Allí nos introduce a nuestros personajes Shuji y Chise, Chise a pesar de su timidez le declara su amor a Shuji; así forman una “típica” pareja de adolescentes japoneses. Ninguno de los dos sabe sobrellevar bien la situación pero logran seguir juntos con todos sus problemas.
Para llevarse mejor como pareja empiezan a compartir un diario de sus vivencias convirtiéndose al final en la última historia de amor de este mundo
Por lo que parece ser los azares del destino, Chise termina siendo el “Arma Definitiva”, el arma más poderosa para triunfar en la Tercera Guerra Mundial. Ella teniendo temor de la reacción de su querido novio oculta esta situación, sin embargo luego de un ataque a Sapporo, Shuji la con un gran arma en su brazo y además de sus vistosas alas. Todo esto los lleva a afrontar la situación viviendo todas las atrocidades de la guerra, y perdiendo sus amigos en el camino.
Opinión personal
Creo que este anime no es para cualquier otaku y esta en el género del amor-sufrimiento e incluso si eres sentimental posiblemente termines con una o dos lagrimas en la mejilla.
Cuando obtuve este anime esperaba ver sangre, pelas, y fuego… pero no! Me dieron de una receta completamente distinta. Mostrándome la crudeza de la guerra y la tristeza de quienes participan en ella (gracias Dios por un país de paz)
Y al final termina como terminan las guerras reales ¡destrucción total!, allí nunca hay ganadores.
Personajes
* Chise (ちせ)
Es una estudiante de preparatoria, como Shuji. Algo tímida y torpe, Chise regularmente se disculpa por todas las cosas que hace. Luego de confesar su amor a Shuji como una prueba de coraje, ambos se enamoran. Por ser la única disponible en el momento de la operación, Chise es transformada por el ejército en un arma. En algunas batallas que pelea, ella cree que se está convirtiendo más en un arma que en humano, conforme pasa la serie Chise va perdiendo su humanidad convirtiéndose en una persona fría que disfruta matando con sus nuevos y destructivos poderes. Al final su amor por Shuji es lo último de humanidad que le queda.
* Shuji (シュウジ)
Es un estudiante de preparatoria como Chise. Es un poco distante y frío. Tuvo una relación amorosa a temprana edad con la que confunde lo que es el amor, por tanto no sabe como actuar con Chise y su segundo amor.
* Akemi (アケミ)
Es amiga de Shuji y Chise desde la niñez y compañera de clases de ambos. Akemi asume el rol de defensora de Chise, en especial cuando enfrenta a Shuji por la forma en que trata a Chise. Se enamora de Shuji, pero encuentra poco razonable decirle todavía, por que es muy buena amiga de Chise, y no desea que ella se moleste por su interés.
* Atsushi (アツシ)
Es un amigo de Shuji, Chise y Akemi desde la infancia, y el mejor amigo de Shuji. Consciente de que Chise se enamora de Shuji, Atsushi mantiene sus sentimientos por Akemi sin que se revelen, pero cree que llegó el momento para confesarlo, antes que él se vaya a la guerra.
* Fuyumi (ふゆみ, Fuyumi)
Es una mujer que se vincula con el pasado de Shuji, ya que fue su instructora cuando él estaba en la secundaria. Existió una relación íntima detrás de ello, lo cual termina por razones desconocidas, e inclusive su matrimonio, la hacen buscar a un amor más juvenil.
* Tetsu (テツ, Tetsu)
Es el esposo de Fuyumi. Fue un soldado que no se deseaba involucrar en la guerra. No habla muy bien. Él está cansado de pelear. Tuvo un amorío con Chise.
Capítulos:
1 Estamos enamorados
2 Crezco
3 Juntos
4 Fuyumi-senpai
5 Mentiroso
6 Compañeros de clase
7 Los que quiero proteger
8 Todos cambian
9 Akemi
10 Y entonces...
11 Nuestro tiempo junto
12 Canción de amor
13 Y así, los dos nos amaremos
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Esta es una serie japonesa de manga y anime realizada por Shin Takahashi.. El manga posee 7 volúmenes y el anime consta de 13 episodios y 2 OVAs.
Una traducción literal del nombre de la serie es Mi novia, el arma definitiva.
Historia
La historia nos lleva a la ciudad de Hokkaido (isla de Japón) en tiempos de la Tercera Guerra Mundial. Allí nos introduce a nuestros personajes Shuji y Chise, Chise a pesar de su timidez le declara su amor a Shuji; así forman una “típica” pareja de adolescentes japoneses. Ninguno de los dos sabe sobrellevar bien la situación pero logran seguir juntos con todos sus problemas.
Para llevarse mejor como pareja empiezan a compartir un diario de sus vivencias convirtiéndose al final en la última historia de amor de este mundo
Por lo que parece ser los azares del destino, Chise termina siendo el “Arma Definitiva”, el arma más poderosa para triunfar en la Tercera Guerra Mundial. Ella teniendo temor de la reacción de su querido novio oculta esta situación, sin embargo luego de un ataque a Sapporo, Shuji la con un gran arma en su brazo y además de sus vistosas alas. Todo esto los lleva a afrontar la situación viviendo todas las atrocidades de la guerra, y perdiendo sus amigos en el camino.
Opinión personal
Creo que este anime no es para cualquier otaku y esta en el género del amor-sufrimiento e incluso si eres sentimental posiblemente termines con una o dos lagrimas en la mejilla.
Cuando obtuve este anime esperaba ver sangre, pelas, y fuego… pero no! Me dieron de una receta completamente distinta. Mostrándome la crudeza de la guerra y la tristeza de quienes participan en ella (gracias Dios por un país de paz)
Y al final termina como terminan las guerras reales ¡destrucción total!, allí nunca hay ganadores.
Personajes
* Chise (ちせ)
Es una estudiante de preparatoria, como Shuji. Algo tímida y torpe, Chise regularmente se disculpa por todas las cosas que hace. Luego de confesar su amor a Shuji como una prueba de coraje, ambos se enamoran. Por ser la única disponible en el momento de la operación, Chise es transformada por el ejército en un arma. En algunas batallas que pelea, ella cree que se está convirtiendo más en un arma que en humano, conforme pasa la serie Chise va perdiendo su humanidad convirtiéndose en una persona fría que disfruta matando con sus nuevos y destructivos poderes. Al final su amor por Shuji es lo último de humanidad que le queda.
* Shuji (シュウジ)
Es un estudiante de preparatoria como Chise. Es un poco distante y frío. Tuvo una relación amorosa a temprana edad con la que confunde lo que es el amor, por tanto no sabe como actuar con Chise y su segundo amor.
* Akemi (アケミ)
Es amiga de Shuji y Chise desde la niñez y compañera de clases de ambos. Akemi asume el rol de defensora de Chise, en especial cuando enfrenta a Shuji por la forma en que trata a Chise. Se enamora de Shuji, pero encuentra poco razonable decirle todavía, por que es muy buena amiga de Chise, y no desea que ella se moleste por su interés.
* Atsushi (アツシ)
Es un amigo de Shuji, Chise y Akemi desde la infancia, y el mejor amigo de Shuji. Consciente de que Chise se enamora de Shuji, Atsushi mantiene sus sentimientos por Akemi sin que se revelen, pero cree que llegó el momento para confesarlo, antes que él se vaya a la guerra.
* Fuyumi (ふゆみ, Fuyumi)
Es una mujer que se vincula con el pasado de Shuji, ya que fue su instructora cuando él estaba en la secundaria. Existió una relación íntima detrás de ello, lo cual termina por razones desconocidas, e inclusive su matrimonio, la hacen buscar a un amor más juvenil.
* Tetsu (テツ, Tetsu)
Es el esposo de Fuyumi. Fue un soldado que no se deseaba involucrar en la guerra. No habla muy bien. Él está cansado de pelear. Tuvo un amorío con Chise.
Capítulos:
1 Estamos enamorados
2 Crezco
3 Juntos
4 Fuyumi-senpai
5 Mentiroso
6 Compañeros de clase
7 Los que quiero proteger
8 Todos cambian
9 Akemi
10 Y entonces...
11 Nuestro tiempo junto
12 Canción de amor
13 Y así, los dos nos amaremos
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Cada año se realiza la Semana Japonesa, que permite a todas las personas conocer un poco de la cultura y participar de diversas actividades, aqui les dejo la información sobre la misma, realizada por nuestra amiga Silvia Elena Zuñiga, a quien le agredezco grandemente por este articulo.
El inicio de la Semana Japonesa fue todo un éxito que permitió a muchas personas compartir una vez más sobre esta lejana pero atrayente cultura
Del 24 al 30 de noviembre del año 2007 se celebró la V Semana Japonesa en Costa Rica, actividad organizada por la Embajada de Japón.
Como ha sido costumbre en años anteriores la Semana Japonesa fue inaugurada en el Outlet Mall (American Mall), y es indudable que la puntualidad es una característica importante en la cultura japonesa, ya que, aunque no estamos en Japón la apertura se dio justo a la hora prevista, 1:30 de la tarde.
Este año la apertura del evento estuvo a cargo de alumnos de la Escuela Japonesa, quienes realizaron una presentación con “taikos” (tambores japoneses) junto a una danza japonesa. Dos de estos alumnos realizaron la introducción de la actividad, dando un pequeño discurso tanto en japonés como en español.
Una vez finalizada la apertura los asistentes pudieron disfrutar de demostraciones de Judo, SKIF (Karate) y Bushikai Dojo (Artes Marciales Antiguas).
Se realizaron exposiciones de Origami (arte con papel), del cual también se impartieron talleres para todas las edades, Ikebana, (el arte de confeccionar arreglos con flores, plantas y algunos otros elementos), y de bonsái, del cuál también se impartió una charla.
También se habilitó un puesto, donde las personas que lo desearan podían obtener su nombre escrito en japonés.
La embajada realizó la emisión de un folleto que fue entregado a todos los asistentes, donde se establecieron las fechas y se detallaron las actividades a realizarse por día. En el folleto, también se incluyó un mensaje emitido por parte del embajador Hidekazu Yamaguchi, quién obtuvo en octubre este cargo en nuestro país, donde resaltó las semejanzas entre Japón y Costa Rica, y expresó su agrado por las personas que se interesan en la cultura nipona, desde el idioma, hasta los deportes y el manga y anime.
Por su parte, el manga y anime no se ausentaron de las exposiciones y grupos otakus como el Nippon Club se hicieron presentes para promocionar su grupo, sus actividades y un evento por realizarse en el Museo de los Niños los días 1 y 2 de diciembre, de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.
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Semana Japonesa
Cada año se realiza la Semana Japonesa, que permite a todas las personas conocer un poco de la cultura y participar de diversas actividades, aqui les dejo la información sobre la misma, realizada por nuestra amiga Silvia Elena Zuñiga, a quien le agredezco grandemente por este articulo.El inicio de la Semana Japonesa fue todo un éxito que permitió a muchas personas compartir una vez más sobre esta lejana pero atrayente cultura
Del 24 al 30 de noviembre del año 2007 se celebró la V Semana Japonesa en Costa Rica, actividad organizada por la Embajada de Japón.Como ha sido costumbre en años anteriores la Semana Japonesa fue inaugurada en el Outlet Mall (American Mall), y es indudable que la puntualidad es una característica importante en la cultura japonesa, ya que, aunque no estamos en Japón la apertura se dio justo a la hora prevista, 1:30 de la tarde.
Este año la apertura del evento estuvo a cargo de alumnos de la Escuela Japonesa, quienes realizaron una presentación con “taikos” (tambores japoneses) junto a una danza japonesa. Dos de estos alumnos realizaron la introducción de la actividad, dando un pequeño discurso tanto en japonés como en español.
Una vez finalizada la apertura los asistentes pudieron disfrutar de demostraciones de Judo, SKIF (Karate) y Bushikai Dojo (Artes Marciales Antiguas).
Se realizaron exposiciones de Origami (arte con papel), del cual también se impartieron talleres para todas las edades, Ikebana, (el arte de confeccionar arreglos con flores, plantas y algunos otros elementos), y de bonsái, del cuál también se impartió una charla.
También se habilitó un puesto, donde las personas que lo desearan podían obtener su nombre escrito en japonés.La embajada realizó la emisión de un folleto que fue entregado a todos los asistentes, donde se establecieron las fechas y se detallaron las actividades a realizarse por día. En el folleto, también se incluyó un mensaje emitido por parte del embajador Hidekazu Yamaguchi, quién obtuvo en octubre este cargo en nuestro país, donde resaltó las semejanzas entre Japón y Costa Rica, y expresó su agrado por las personas que se interesan en la cultura nipona, desde el idioma, hasta los deportes y el manga y anime.
Por su parte, el manga y anime no se ausentaron de las exposiciones y grupos otakus como el Nippon Club se hicieron presentes para promocionar su grupo, sus actividades y un evento por realizarse en el Museo de los Niños los días 1 y 2 de diciembre, de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.
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Chrono Trigger (クロノ・トリガー) es un RPG (role-playing game) que fue lanzado en Japón por Squaresoft (compañía actualmente integrada en Square Enix) el 11 de marzo de 1995 para la Super Famicom y en Norteamérica el 22 de agosto del mismo año para la Super Nintendo Entertainment System (SNES). El juego fue relanzado en 1999 para la Sony PlayStation (PSX) en Japón y en el 2001 como parte del paquete de Final Fantasy Chronicles en Norteamérica junto a Final Fantasy IV. El juego nunca ha sido lanzado para la región PAL.
El argumento contiene información de la trama y la historia, si no quiere spoilers, no la lea.
Chrono Trigger
Chrono Trigger (クロノ・トリガー) es un RPG (role-playing game) que fue lanzado en Japón por Squaresoft (compañía actualmente integrada en Square Enix) el 11 de marzo de 1995 para la Super Famicom y en Norteamérica el 22 de agosto del mismo año para la Super Nintendo Entertainment System (SNES). El juego fue relanzado en 1999 para la Sony PlayStation (PSX) en Japón y en el 2001 como parte del paquete de Final Fantasy Chronicles en Norteamérica junto a Final Fantasy IV. El juego nunca ha sido lanzado para la región PAL.Chrono Trigger fue supervisado por el famoso grupo llamado "The Dream Team", formado por Hironobu Sakaguchi (productor de las series de Final Fantasy), Yuji Horii (director de los juegos de Dragon Quest), el venerable productor Kazuhiro Aoki, y Nobuo Uematsu (famoso por su participación en los Final Fantasy) y Akira Toriyama (famoso dibujante de la serie Dragon Ball). Otras personas que vale la pena mencionar son Yasunori Mitsuda, compositor de más del 80% de la música de Chrono Trigger, y el guionista Masato Kato, ambos desconocidos en aquellos tiempos pero ahora famosos por su trabajo en Xenogears y Xenosaga.
En el momento de su lanzamiento, algunos aspectos del juego fueron vistos como algo revolucionario, incluyendo múltiples finales posibles, una historia dramática con múltiples personajes e historias propias, un agradable sistema de batalla, y gráficos bastante buenos y detallados. También se hacia referencia a nombres y eventos de leyendas, historias y mitos. Aún es aclamado por los aficionados como uno de los mejores juegos de todos los tiempos, a pesar de sus gráficos "primitivos" en comparación con los actuales. Chrono Trigger fue colocado en los más altos lugares en las tres listas de los mejores 100 juegos de todos los tiempos de IGN. En la primera versión en el 2002, fue colocado en el cuarto mejor lugar; en la segunda, a principios del 2005, estuvo en el sexto lugar, y en la tercera, a finales del 2005, se colocó en el lugar decimotercero.
ArgumentoEl argumento contiene información de la trama y la historia, si no quiere spoilers, no la lea.
Chrono Trigger trata sobre un grupo de aventureros que viajan en el tiempo para salvar al planeta de su terrible futuro. En el camino irán haciendo aliados de otros periodos de tiempo para así destruir al parásito extraterrestre, Lavos, quien destruye lentamente al mundo. El grupo viaja por medio de portales del tiempo y la máquina del tiempo, Epoch, a siete épocas distintas: la Era Prehistórica (65,000,000 B.C.), los Tiempos Oscuros (12,000 B.C.), la Edad Media (600 A.D.), el Presente (1000 A.D.), el día del Apocalipsis (1999 A.D.), el Futuro (2300 A.D.) y el Final del Tiempo.
Eventualmente, el jugador podrá tener bajo su mando hasta a siete jugadores: Crono, el héroe principal; Marle, la princesa rebelde; Lucca, la genio inventora, Robo, el noble robot; Frog, el caballero anfibio encantado; Ayla, la salvaje mujer de las cuevas, y, opcionalmente, el mago oscuro Magus. Los 7 personajes de Chrono Trigger provienen de distintas épocas del tiempo, y se unen al grupo del jugador en distintos puntos del desarrollo de la historia del juego. La historia del juego empieza a desarrollarse en el año 1000, en el reino de Guardia. Allí se encuentran los 3 primeros protagonistas del juego. Crono es el principal protagonista. Se caracteriza por ser un valiente joven, experimentado en el uso de la katana, además de que es el único protagonista silencioso. Marle es en realidad la princesa del reino, y su nombre verdadero es Nadia. Es una persona activa, cansada de su vida de nobleza, que frecuentemente tiene peleas con su padre, el rey. Lucca, por su parte, es una inventora genio de la mecánica; su pasión por la ciencia surgió años atrás luego de un accidente que le costó las piernas a su madre. Más adelante, estando en el año 2300, aparece Robo, el robot. Es una máquina humanoide creada inicialmente para estudiar a los seres humanos, pero una falla de programación lo convirtió en un amigo de la humanidad. El desastre de Lavos en 1999 lo desactivó, pero Lucca logró reparalo y éste se unió al grupo en señal de gratitud. Del año 600 vienen 2 pesonajes más: Frog, el paladín anfibio, y Magus, el mago oscuro. Frog es en realidad un caballero del reino de Guardia llamado Glenn, transformado en una rana humanoide por Magus. Luego de quedar convertido en rana, dedicó su vida a proteger a la reina de Guardia, y a vengar a Cyrus matado por Magus. Magus proviene originalmente de los Tiempos Obscuros y su verdadero nombre es Janus hijo de la reina Zeal del reino de la magia, Lavos lo transporto a la Edad Media cuando era un niño y fue criado por Ozzi para luego convertirse en el lider de los Místicos. Finalmente esta Ayla de la Era Prehistórica quien es la lider de la aldea guerrera Ioka y protectora de la aldea pacifica de Laruba, ella esta en guerra con Azala lider de los reptites una raza de dinosaurios humanoides que pretendía conquistar el mundo. Es en esta epoca en que Lavos llega al planeta, esto pasa luego de derrotar a Azala, es Lavos quien crea un cambio climático que termina con los reptites y le da la victoria a los humanos en esta guerra. Todos los personajes exepto Crono y Ayla tienen un reto particular en el penultimo capítulo de la historia llamado "la hora del destino", aqui es donde deben enfrentar un reto personal de su historia: Robo debe enfrentar a su creadora la computadora conocida como Cerebro Madre y enfrentar a su compañera y antigua amiga Atrophos, aqui se descubre que el nombre real de Robo es Prometeus. Magus debe enfrentar a sus antiguos subordinados Ozzi, Flea y Slash. Frog debe ir al mausoleo donde descansa el alma de su amigo y mentor Cyrus y obtener la Masamune 2. Marle debe reconciliarse con su padre y salvarlo del juicio interpuesto por un decendiente del monstruo Yakra que tomo la forma del Canciller. Lucca por su parte debe obtener la piedra solar que le ayudara a conseguir un arma mas potente. Estas aventuras son opcionales, el destino general de la misión es destruir el Black Owmen derrotando a Zeal antigua reina del reino de la magia quien pacto con lavos por vida eterna y finalmente derrotar a este ultimo antes de que logre su objetivo.
El Chrono Trigger
El Chrono Trigger (también conocido como el "Huevo del Tiempo") es un pequeño dispositivo que controla el devenir de los acontecimientos. Como Gaspar explica, el Chrono Trigger tendrá un efecto equivalente al esfuerzo que uno ejerza en su uso; ni mas, ni menos. Chrono, quien muere a manos de Lavos en 12,000 B.C., queda atrapado en el continuum espacio-tiempo y sus amigos ponen todo su esfuerzo en revivirlo (o mejor dicho, en evitar que muera). El Chrono Trigger, después de haber recibido estos sentimientos, se activa y trae a Chrono de vuelta a la vida. Sin embargo, debe de aclararse que este evento es totalmente opcional y afecta al final del juego dependiendo de la elección del jugador. La secuela de Chrono Trigger, Chrono Cross, se encarga de explicar que el término "Chrono Trigger" hace referencia a cualquiera cosa que tiene el poder de cambiar el curso de la historia.
Curiosidades- Masamune, la espada mística que utiliza Frog (o Glenn cuando su nombre es descubierto), es un mítico herrero de katanas y espadas japonés.
- Crono, el nombre del personaje principal, viene de Chronos el padre tiempo en la mitología griega.
- Además, el personaje no habla en todo el juego (excepto en uno de sus múltiples finales. El motivo de su silencio es dar al jugador una idea u opinión amplia sobre el actuar de el personaje.
- Epoch, la máquina del tiempo, proviene del inglés Epoch (y a su vez del griego epokhé), que quiere decir era o época.
- Ozzie, Flea y Slash, un grupo de malvados de la antigüedad; eran nombres de músicos famosos de la época en que fue creado este juego. Ozzie (Ozzy Osbourne) Flea (Red hot chili Peppers) y Slash (Guns & Roses).
- En la versión recopilatoria de PSX, creada por Square Enix, una secuencia de video muestra al final la boda de Crono y Marle, y un detalle aún más importante: Lucca encontrando a Kid.
- Ayla es el nombre de la protagonista de la saga de novelas de Los Hijos de la Tierra, basada en la Edad de Piedra.
- Se creía que iba a haber una continuación llamada Chrono Break, pero esta nunca vio la luz.
Mientras el resto de los personajes tienen bastante diálogo, Crono (el personaje principal) es un protagonista silencioso, a quien nunca se le da una línea de diálogo (excepto en el final "A Slide Show"), aunque los personajes tienen reacciones hacia él cada vez que el jugador toma una decisión que afecta directamente a la historia. Aunque esto ha sido muy común en todos los RPG's de aquel tiempo como Breath of Fire o Suikoden, Crono y Chrono Trigger han sido casi universalmente identificados como los creadores del arquetipo del protagonista silencioso.
Chrono Trigger usa un sistema de Batalla de Tiempo Activo (ATB). Cada personaje en el grupo de tres miembros puede tomar acción después de cierto período de tiempo, que depende del nivel de velocidad de cada personaje. Los personajes pueden atacar con armas equipadas, usar objetos, o invocar "Técnicas". Otro punto es que en este juego no hay batallas en mapa mundial, caracterísitca muy común en RPG's de la época. En cambio, los enemigos sólo aparecen en los calabozos del juego, donde se pueden ver caminar y hasta se pueden evadir si el jugador lo desea. En caso de haber un encuentro, éste se llevará a cabo en el mismo pedazo de territorio, en vez de cambiar el escenario por uno de peleas, lo cual era único y sigue siendo de las características más destacables de este juego.
En la batalla, todos los personajes pueden usar habilidades y técnicas únicas. Las Técnicas son ataques especiales que al ser usadas disminuyen los Puntos de Magia (MP) del personaje. Cuanto más fuerte sea la Técnica, más MP requerirá. Cada personaje tiene ocho técnicas diferentes, muchas de las cuales se pueden combinar con las técnicas de otros personajes para crear Dobles o Triples Técnicas (asumiendo que todos los participantes tengan oportunidad de atacar). Por ejemplo, La Técnica de Crono "Cyclone" puede ser combinada con "Fire Toss" de Lucca para crear "Fire Whirl".
La posición de los jugadores en relación a la de los enemigos, tiene mucha importancia en cuanto a la aplicación de las técnicas. Por ejemplo, el "Slash" de Crono solo golpeará a enemigos que estén alineados en una recta. Otras técnicas solo afectan a enemigos que están dentro de cierto radio, o a los que están cerca del personaje que la usa, o simplemente a todos los que estén en la pantalla.
Una característica del sistema de juego de Chrono Trigger es su sistema de eventos, el cual se usa para actualizar la pantalla de salvado con el título del capítulo correspondiente, así como cambiar ciertos diálogos entre los personajes, y alterar los mapas conforme las acciones de los mismos. También es usado para identificar bugs. Si un evento esta fuera de orden (estos puede pasar si el archivo RAM (SRAM) esta corrupto, o si el jugador esta usando códigos Game Genie para traspasar las paradas y brincarse ciertos eventos), el Nu enfrente de la puerta que conduce al Epoch en el 2300 A.D. proclamará: "El eje del tiempo esta desalineado." Más allá de esta advertencia, el juego continuará normalmente, lo que podría permitir ciertas cosas como el tener a Magus en el grupo durante un evento en el que peleas contra él mismo.
Algunos jugadores consideran que uno de los principales problemas del juego es su corto tiempo de duración. Toma aproximadamente 20 o 25 horas completarlo, lo cual es muy corto para ser un RPG de SFC/SNES (en comparación con Dragon Quest, que toma alrededor de 100 horas). Sin embargo puede tomar hasta 60-70 horas si se desea maximizar los niveles de todos los personajes. Para mitigar los problemas de la durabilidad, los diseñadores del juego crearon múltiples finales que el jugador podría obtener, incluyendo muchos que son secretos y que se combinan con la opción de "New Game+". Una vez que el juego es terminado, el jugador puede elegir comenzar un nuevo juego usando la información de la sesión pasada, como los niveles de los personajes, técnicas aprendidas, y equipamiento y armas conseguidas. El dinero y otras cosas menos importantes no se conservan. "New Game+" permite al jugador confrontar al enemigo final en casi cada punto del juego. El progreso del jugador a través de la historia "antes" de la confrontación determina cual de los trece finales conseguirá. Algunos de los finales son posibles sólo en la primera partida debido a los bajos niveles de los personajes. Square ha usado el concepto de "New Game+" en juegos posteriores, como Chrono Cross y Final Fantasy X-2.
Fuente: Wikipedia
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Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de manga y animador japonés, creador del personaje Astroboy. Gracias a su prolífica producción y a sus técnicas pioneras (como el paso de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas a los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y al formato tankoubon, (el que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga), a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様, manga no kamisama?). Además, uno de los rasgos más característicos de la animación y el manga japonés (siendo el shoujo el máximo exponente de esta característica), los ojos desproporcionadamente grandes, es uno de los más importantes legados de Tezuka al manga, influenciado en buena parte por los dibujos animados de Walt Disney.
Historia
Entusiasmado por el género de la animación (y los trabajos de Disney, quienes crearan una de sus mejores obras (El Rey León) basándose en una de las grandes obras de Tezuka, Janguru Taitei) comenzó a dibujar cuando aún era un niño. Profundamente marcado por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios. Su primer trabajo de importancia lo hizo a los 20 años. Fue la serie Shin Takarajima ("La nueva Isla del Tesoro"), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia.
El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983).
La carrera de Tezuka dio un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.
Tezuka también fue uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. En este año creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos revisitaciones en años posteriores). Luego vendrían Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.
Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los autores japoneses y en sus creaciones, y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de todas sus obras. Además, sus cómics han sido traducidos a decenas de lenguas, entre ellas el español.
Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989 (dejando así inacabadas las obras a las que dedicaba su maestría entonces, Ludwig B y Neo Faust, mientras que su obra Hi no Tori la acabó tan sólo un año antes de su muerte, tras más de 30 años desde su inicio (1954)), estimándose que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. A su muerte fue aclamado como "el dios del manga", perpetuando así su impacto en la historia y la cultura de todo un país y de generaciones de lectores y autores.
Algunas de las obras de Tezuka
1. Tetsuwan Atom (Astroboy)
2. Oyaji no Takarajima (La Isla del Tesoro del Viejo)
3. Yûrei Otoko (El Hombre Fantasma)
4. Shin Takarajima (La Nueva Isla del Tesoro), su primer trabajo destacado (1947)
5. Lost World (Mundo Perdido)
6. Metrópolis
7. Janguru Taitei (Kimba el León Blanco/El Emperador de la Jungla)
8. Tetsuwan Atom (Astroboy)
9. Ribon no Kishi (La Princesa Caballero)
10. Tsumi to Batsuu (Crimen y Castigo)
11. Lemon Kid (Niño Limón)
12. Hi no Tori (Fénix, 1954-1988)
13. Ogon no Trunk (Baúl de oro)
14. Majin Garon
15. O-Man
16. Captain Ken
17. Big X
18. W3
19. Vampire
20. Dororo
21. Black Jack
22. Buddha (Buda)
23. Kirihito Sanka (Oda a Kihirito)
24. Ayako
25. MW
26. Adolf
27. Son-Goku the Monkey
28. Marvelous Memo
29. Don Drácula
30. Único
31. Ambassador Magma
32. Blue Triton
33. The Three-eyed One
34. Jetter Mars (Jet Marte)
35. W3 (Los 3 espaciales)
Fuente: wikipedia
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Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu)
Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de manga y animador japonés, creador del personaje Astroboy. Gracias a su prolífica producción y a sus técnicas pioneras (como el paso de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas a los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y al formato tankoubon, (el que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga), a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様, manga no kamisama?). Además, uno de los rasgos más característicos de la animación y el manga japonés (siendo el shoujo el máximo exponente de esta característica), los ojos desproporcionadamente grandes, es uno de los más importantes legados de Tezuka al manga, influenciado en buena parte por los dibujos animados de Walt Disney.
Historia
Entusiasmado por el género de la animación (y los trabajos de Disney, quienes crearan una de sus mejores obras (El Rey León) basándose en una de las grandes obras de Tezuka, Janguru Taitei) comenzó a dibujar cuando aún era un niño. Profundamente marcado por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios. Su primer trabajo de importancia lo hizo a los 20 años. Fue la serie Shin Takarajima ("La nueva Isla del Tesoro"), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia.
El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983).
La carrera de Tezuka dio un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.
Tezuka también fue uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. En este año creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos revisitaciones en años posteriores). Luego vendrían Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.
Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los autores japoneses y en sus creaciones, y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de todas sus obras. Además, sus cómics han sido traducidos a decenas de lenguas, entre ellas el español.
Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989 (dejando así inacabadas las obras a las que dedicaba su maestría entonces, Ludwig B y Neo Faust, mientras que su obra Hi no Tori la acabó tan sólo un año antes de su muerte, tras más de 30 años desde su inicio (1954)), estimándose que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. A su muerte fue aclamado como "el dios del manga", perpetuando así su impacto en la historia y la cultura de todo un país y de generaciones de lectores y autores.
Algunas de las obras de Tezuka
1. Tetsuwan Atom (Astroboy)
2. Oyaji no Takarajima (La Isla del Tesoro del Viejo)
3. Yûrei Otoko (El Hombre Fantasma)
4. Shin Takarajima (La Nueva Isla del Tesoro), su primer trabajo destacado (1947)
5. Lost World (Mundo Perdido)
6. Metrópolis
7. Janguru Taitei (Kimba el León Blanco/El Emperador de la Jungla)
8. Tetsuwan Atom (Astroboy)
9. Ribon no Kishi (La Princesa Caballero)
10. Tsumi to Batsuu (Crimen y Castigo)
11. Lemon Kid (Niño Limón)
12. Hi no Tori (Fénix, 1954-1988)
13. Ogon no Trunk (Baúl de oro)
14. Majin Garon
15. O-Man
16. Captain Ken
17. Big X
18. W3
19. Vampire
20. Dororo
21. Black Jack
22. Buddha (Buda)
23. Kirihito Sanka (Oda a Kihirito)
24. Ayako
25. MW
26. Adolf
27. Son-Goku the Monkey
28. Marvelous Memo
29. Don Drácula
30. Único
31. Ambassador Magma
32. Blue Triton
33. The Three-eyed One
34. Jetter Mars (Jet Marte)
35. W3 (Los 3 espaciales)
Fuente: wikipedia
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Dodoro (2007)
Título original: Dororo (Japón)
Género: Películas > Acción / Fantástico
Duración: 139 minutos
Director: Akihiko Shiota.Actores:
Actores:
Satoshi Tsumabuki, Kou Shibasaki, , Kumiko Aso, Eita, Hitori Gekidan, Mieko Harada, Yoshio Harada, Kiichi Nakai, Anna Tsuchiya.
Año 3084. Tras décadas de enfrentamientos, el señor de la guerra Daigo Kagemitsu (Nichi Nakai) llega a un pacto con los demonios: éstos le concederán el poder para conquistar el mundo, a cambio del cuerpo de su hijo.
Veinte años después, una ladrona llamada Dororo (Kou Shibasaki) conoce a un misterioso jove, Hyakkimaru (Satoshi Tsumabuki), quien viaja para recuperar las partes de su cuerpo que le fueron robadas de niño. Juntos se embarcarán en una aventura fantástica con un objetivo comúm: La venganza.
Hyakkimaru es un joven al que le faltan 48 partes de su cuerpo tomadas por otros tantos Chojins o demonios. Estar partes fueron prometidas por su padre, Kagemitsu Daigo, para obtener el poder y acabar con todos los males de Japón. Cuando el bebé nació perdió las 48 partes de su cuerpo, por ello fue abandonado en un canasto en un río. Por suerte, un artesano lo encuentra y aplica todos sus conocimientos y habilidades para dotarle de partes artificiales de aquellas que le faltaban. A alcanzar su mayoría de edad parte en busca de los Chojins para eliminarlos y recuperar las partes de su cuerpo. Durante su viaje encuentra a Dororo, un pícaro con el que entabla amistad.
“Dororo” está basado en el manga del maetro Osamu Tezuka, publicado por primera vez en la revista Weekly Shonen Sunday, de la editorial Shogakukan, en el año 1967. Más tarde contó con una adaptación a anime, producida por Mushi Pro en 1969, con un total de 26 capítulos.
El film está dirigido por Akihiko Shiota y reúne un elenco de actores encabezado por Eita, Mieko Harada, Kiichi Nakai, Yoshio Harada, Satoshi Tsumabuki y Kou Shibasaki, a la que vimos en “Llamada Perdida” y “Battle Royale”. Toho también ha contado para el proyecto con el coreógrafo de accion Tony Ching Siu-tung (“Hero” y “La Casa de las Dagas Voladoras”) encargado de las secuencias de combate.
.JPG)
link de descarga : torrent emule
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Dodoro-la pelicula-
Dodoro (2007)
Título original: Dororo (Japón)
Género: Películas > Acción / Fantástico
Duración: 139 minutos
Director: Akihiko Shiota.Actores:
Actores:
Satoshi Tsumabuki, Kou Shibasaki, , Kumiko Aso, Eita, Hitori Gekidan, Mieko Harada, Yoshio Harada, Kiichi Nakai, Anna Tsuchiya.
Año 3084. Tras décadas de enfrentamientos, el señor de la guerra Daigo Kagemitsu (Nichi Nakai) llega a un pacto con los demonios: éstos le concederán el poder para conquistar el mundo, a cambio del cuerpo de su hijo.
Veinte años después, una ladrona llamada Dororo (Kou Shibasaki) conoce a un misterioso jove, Hyakkimaru (Satoshi Tsumabuki), quien viaja para recuperar las partes de su cuerpo que le fueron robadas de niño. Juntos se embarcarán en una aventura fantástica con un objetivo comúm: La venganza.
Hyakkimaru es un joven al que le faltan 48 partes de su cuerpo tomadas por otros tantos Chojins o demonios. Estar partes fueron prometidas por su padre, Kagemitsu Daigo, para obtener el poder y acabar con todos los males de Japón. Cuando el bebé nació perdió las 48 partes de su cuerpo, por ello fue abandonado en un canasto en un río. Por suerte, un artesano lo encuentra y aplica todos sus conocimientos y habilidades para dotarle de partes artificiales de aquellas que le faltaban. A alcanzar su mayoría de edad parte en busca de los Chojins para eliminarlos y recuperar las partes de su cuerpo. Durante su viaje encuentra a Dororo, un pícaro con el que entabla amistad.
“Dororo” está basado en el manga del maetro Osamu Tezuka, publicado por primera vez en la revista Weekly Shonen Sunday, de la editorial Shogakukan, en el año 1967. Más tarde contó con una adaptación a anime, producida por Mushi Pro en 1969, con un total de 26 capítulos.
El film está dirigido por Akihiko Shiota y reúne un elenco de actores encabezado por Eita, Mieko Harada, Kiichi Nakai, Yoshio Harada, Satoshi Tsumabuki y Kou Shibasaki, a la que vimos en “Llamada Perdida” y “Battle Royale”. Toho también ha contado para el proyecto con el coreógrafo de accion Tony Ching Siu-tung (“Hero” y “La Casa de las Dagas Voladoras”) encargado de las secuencias de combate.
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Que pasaria si mezclamos a una joven colegiala que le gusta lucir su sailor fuku y ademas reemplaza su brazo armas(me recuerda a Rose McGowan en Grindhouse). mmm suena muy bueno pero que mas motivacion de vengaza para hacer esto(alguien dijo killbill).
seguir leyendo si eres mayor de edad. debido a que las imagenes son muy fuertes.
The machine girl promete ser la pelicula mas sangrienta que killbill(massss), esta pelicula sera estrenada este annio 2008. y parece ser muy llena de accion y horror.
Fuente: la web
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The machine girl-Kataude mashin gâru-
Que pasaria si mezclamos a una joven colegiala que le gusta lucir su sailor fuku y ademas reemplaza su brazo armas(me recuerda a Rose McGowan en Grindhouse). mmm suena muy bueno pero que mas motivacion de vengaza para hacer esto(alguien dijo killbill).
seguir leyendo si eres mayor de edad. debido a que las imagenes son muy fuertes.
The machine girl promete ser la pelicula mas sangrienta que killbill(massss), esta pelicula sera estrenada este annio 2008. y parece ser muy llena de accion y horror.
Fuente: la web
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Apartir de ahora inicia un nuevo ciclo, que nos da la oportunidad de mejorar, redimirnos, y seguir adelante, dejando atras muchas situaciones que en muchos de los casos nos foratlezen y nos hacen ser mejores personas.
Nuevo Año 2008!!!
Apartir de ahora inicia un nuevo ciclo, que nos da la oportunidad de mejorar, redimirnos, y seguir adelante, dejando atras muchas situaciones que en muchos de los casos nos foratlezen y nos hacen ser mejores personas.El inicio de año siempre trae consigo propositos y metas, que se tratan de cumplir en lo que resta del año donde la prioridad es mejor, por medio las propuestas realizadas, esperando continuar el camino sin mirar atras y benciendo, cada uno de los obtaculos que se presente.
Departe de todo el Equipo de Anime Shinto Les deseamos y Feliz Año Nuevo!! lleno de exitos y bendiciones para todos.
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Departe de todo el Equipo de Anime Shinto Les deseamos y Feliz Año Nuevo!! lleno de exitos y bendiciones para todos.
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